2014-Disco del mes

 taberna pianoEl pianista almeriense Ramón García dirige con tino desde hace varios años el proyecto jazzístico "La Taberna del piano", y a través de ese sello identatario, acaba de grabar un disco en homenaje a uno de sus músicos y compositores favoritos - la verdas es que de casi todo el mundo - Paul McCartney.

Cuando Ramón me habló de su proyecto y me hizo llegar el disco, pensé que se había metido en un buen jardín. No es fácil versionar a The Beatles; muchos lo han intentado desde ámbitos musicales diversos, y casi todos han perecido en el empeño. La fuerza y el magnetismo que rodea al añorado grupo de Liverpool, son una barrera demasiado poderosa para muchos que lo han intentado. Y si encima alguien tiene la osadía de hacerlo en clave de jazz, el riesgo era demasiado alto.

Pero, en mi opinión, Ramón consigue realizar ese triple salto mortal sin red con nota. Paul McCarney suena en clave de jazz con el mismo espíritu juvenil y arrollador que el ex Beatle impregnó en sus inmortales composiciones. El swing está presente en este sincero y cálido homenaje a Paul y es una auténtica delicia escuchar al cuarteto que dirige Ramón García interpretar algunos de los temas más representativos de Paul MacCartney en su genial etapa con "The Beatles": Lady Madonna o Michelle por ejemplo, y otras composiciones del genio del pop realizados a lo largo de su fecunda y prolífica carrera como: Venus and mars, Ebony and Ivory o Every night.

Los músicos que junto al piano de Ramón García, han realizado esta grabación y que son parte imprescindible en el éxito del álbum y del proyecto son: Guillermo Morente al contrabajo, un músico excepcional protagonista de mil y una aventuras jazzísticas, Dani Dominguez en la batería y Antonio Álvarez en las voces. En el álbum también colaboran: Carlos López Lirola, Paco Rivas, Antonio Ximénez, Pepe Viciana, Miguel Tercedor, Dick Them, Alejandro López "Pepino", Sergio Albacete, José Vélez y Patricio Rodríguez.

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Antonio ÁlvarezVozSello discográfico. CLIFFORD RECORDS
Guillermo MorenteContrabajoFecha grabación: Enero 2014
Dani DomínguezBateríaNº serie. 1D-006CD
Ramón GarcíaPianoNúmero de temas. 13
  Estilo: Fusión
  Calificación: 3*1/2

 

RAMÓN GARCÍA

 

Nacido en Almería, ha estado siempre vinculado con el mundo del jazz de su ciudad. Formó parte durante los años 90 del primer Taller de Músicos de Jazz de Almería. De formación musical autodidacta, ha participado en seminarios con los pianistas Benny Green,David Lenker, Mariano Diaz y José Carra, y ha recibido clases del gran pianista y trombonista norteamericano Vince Benedetti.

Desde el año 2005 ha sido el pianista del cuarteto de jazz del cantante Diego Cruz ("Diego Cruz Quartet"), habiendo formado parte de otras formaciones como "Color brasil" y "43 jazz". Así mismo colabora Habitualmente con el guitarrista Antonio Gómez, en sus diferentes proyectos musicales.

En el año 2011 presentó su primer proyecto personal: "La taberna del piano: Homenaje a Billy Joel", que tuvo como resultado el CD del mismo nombre, editado en 2012 por Clifford Records, y al que el propio Billy Joel dedicó unas palabras de elogio.

Ha participado en los discos de "The Sun Rockets" ("Dirty Night Blues"), Daniel Piedra ("Tales from the lift"), Rosendo Alvarez ("Keops"), Antonio Alvarez ("En movimiento), Cesar Maldonado ("Zaguan") y Hermi Callejón ("Dama de la suerte").

Temas del disco

Duración

 Venus and mars2,10
Jet3,35
Every Night3,31
Live and let die3,33
Take it away4,31
Michelle4,25
Jenny Wren4,27
Got to get you into my life3,52
Heart of the country3,22
Lady Madonna3,54
Coming up3,45
Ebony and ivory3,47
We can work it you3,40

En memoria de Charlie Haden, contrabajista de Jazz.

Desde el mismo momento en que Charlie Haden publicó en el ya lejano año de 1969 su primer trabajo discográfico al frente de la "Liberation Music Orchestra", su legendario grupo, ya obtuvo el reconocimiento unánime de la critica y los aficionados al jazz. El álbum fue todo un manifiesto político comprometido con la paz en el mundo y en favor de las luchas de los pueblos oprimidos. La propia portada del disco juega alegóricamente con ese mensaje al situarse todos los componentes del grupo detrás de una pancarta simulando una protesta.el álbum de su debut estuvo inspirado en melodías republicanas de la Guerra Civil española, como forma de protesta por los bombardeos estadounidenses de Camboya en la guerra de Vietnam, Charlie Haden prosiguió por ese camino en sus trabajos posteriores, y no dudó nunca de poner su música y la de su grupo al servicio de la lucha de liberación de los pueblos, como hizo en el caso de Angola o Mozambique, o incluso condenar la beligerancia armamentística de su gobierno en la Guerra de Irak.

Si el álbum de su debut estuvo inspirado en melodías republicanas de la Guerra Civil española, como forma de protesta por los bombardeos estadounidenses de Camboya en la guerra de Vietnam, Charlie Haden prosiguió por ese camino en sus trabajos posteriores, y no dudó nunca de poner su música y la de su grupo al servicio de la lucha de liberación de los pueblos, como hizo en el caso de Angola o Mozambique cuando actuó en 1971 el festival de Jazz de Cascais y se le ocurrió interpretar en las mismas barbas del régimen de Salazar, la canción: Song for Ché por la que fue detenido y expulsado de Portugal, o incluso condenar la beligerancia armamentística de su gobierno en la Guerra de Irak.

Con independencia del compromiso político que Haden y la Liberation Music Orchestra desarrolló a lo largo de toda su carrera, no genera controversias la enorme calidad de su música, y el papel decisivo que Charlie Haden jugó en la historia del jazz moderno y está considerado como uno de los grandes contrabajistas de jazz contemporáneos.

Decisivo para el éxito de este disco que hoy recomendamos en recuerdo a su memoria, es la aportación de la pianista y compositora, Carla Bley. Sus arreglos en la mayoría de las 9 composiciones del álbum, constituyen la esencia misma del espíritu libre, fresco y atrevido con el que siempre sonó la Liberation Music Orchestra. 14 años después de este álbum, llegó otro extraordinario disco en la discografía de Haden: The Ballad of the Fallen", y de nuevo apareció ese impulso indomable con su compromiso musical y político con los pueblos oprimidos.

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Carla BleyPiano, arreglos y composiciónSello discográfico: IMPULSE!
Gato BarbieriClarinete y saxoFecha de grabación: 1996
Sam T. BrwonGuitarra y pianoúmero de serie : IMP 11882
Don CherryCorneta y FlautaNúmero de temas: 9
Andrew CyrilleBatería y percusiónEstilo: Contemporáneo
Howard JohnsonTubaCalificación: 4*/2
Michael MantlerTrompetaGrabado en New Jersey
Paul MotianPercusiónFormato: CD
Robert "Brother Ah" NorthernFrench Horn y percusiónDuración del disco: 49,03
Dewey RedmanSaxos alto y tenor 
Perry RobinsonClarinete 
Roswell RuddTrombón 

 

QUARTET WESTTHE BALLAD OF THE FALLENNOT IN OUR NAME

 

CHARLIE HADEN

El extraordinario contrabajista y compositor, Charlie Haden comenzó su actividad profesional en 1959 con el cuarteto de Ornette Coleman, una figura clave en la historia del jazz moderno, y muy pronto empezó a investigar en esa dirección que Coleman inició conocida como freejazz. En ese contexto, Charlie Haden participó en el bautismo discográfico de ese movimiento con el álbum grabado el 22 de mayo de 1959 para el sello Atlantic y titulado: "The Shape of Jazz to Come" con la valiosísima colaboración de Don Cherry, otro músico inigualable y líder junto a Coleman de aquel movimiento musical revolucionario que todavía hoy perdura.

En 1960 participó con otro contrabajista, Scott LaFaro en un manifiesto operístico titulado: "Free Jazz" de quien ambos eran insignes representantes en su instrumento. En 1964 trabajó con el trío de Denny Zeitin y en 1966 volvió con Ornette Coleman al tiempo que expandía su área de actuaciones con colaboraciones a diestro y siniestro. En esos ámbitos destacó por su participación en las reuniones de trabajo, de estudio y de grabación de la "Jazz Composer's Orchestra" y en 1969 pudo por fin ver hecho realidad un deseo que llevaba persiguiendo desde años atrás: grabar su primer disco a su nombre en el seno de la "Liberation Music Orchestra". Con unos arreglos originalísimos hechos por Carla Bley, la música de la Liberation Music Orchestra, también destacaba por el carácter político de los temas, siendo la primera vez que en ese contexto, un grupo de jazz se hacia eco de las canciones populares alusivas al bando republicano de la Guerra Civil Española.

Después del disco grabado por Impulse en 1976 titulado: "Song for Che" en homenaje a Ernesto Che Guevara, Charlie Haden forma junto a Don Cherry, el cuarteto "Old and New Dreams" con el que recorrió toda Europa, Asia y Norteamérica. A finales de los ochenta, Charlie Haden elabora un discurso musical nuevo en el marco de su nueva formación titulada "Quartet West". El disco fundacional de ese nuevo discurso fue un disco extraordinario titulado genéricamente así: "Quartet West" todo un manifiesto musical de gran belleza y uno de los álbumes imprescindibles del jazz contemporáneo. A partir de 1990, Charlie Haden explora universos jazzisticos mas íntimos dando entrada en su discurso al formato de dúo. En ese contexto el músico se explaya en la composición y su relajamiento junto al otro protagonista nos descubre una música de gran inventiva, limpia en la ejecución y abordados desde una óptica puramente instrumental. Es así como el jueves 14 de Noviembre de 2002, Charlie Haden se presenta en Sevilla en el Teatro Central junto al maestro de la guitarra, Jim Hall para ofrecer un concierto portentoso, lleno de sensibilidad, arte y talento. Afortunadamente Apoloybaco estuvo presente esa noche mágica en Sevilla y Charlie Haden todavía elaboraba en aquel momento una música de altísimo nivel.

TEMAS DEL DISCODURACIÓN DEL DISCO
The Introduction1,15
Song of the United Front1,52
The Fifth Regiment/The Four G20,58
The Ending to the First Side2,07
Songs for Ché9,29
War Orphans6,42
The Interlude1,24
Circus '68 '696,10
We Shall Overcome1,19

sun-ra

Para muchos Sun Ra fue un embaucador, un falso músico que utilizaba filosofía barata sobre su imaginario pasado místico para enmascarar su escaso talento artístico. El aspiraba a que sus creaciones no fueran juzgadas bajo los mismos criterios que la del resto de músicos mortales.

Envolvió tras de si una estela mística que le hacia decir cosas como que el procedía de otro planeta y su misión en el mundo, donde no recodaba ni el lugar, ni la fecha de su nacimiento, era cumplir una especie de orden cósmica aquí en la Tierra.

Sun Ra falleció, como todos los mortales, y nunca se supo hasta que punto el mismo se creía esas afirmaciones que fueron una constante a lo largo de toda su vida, y que queda reflejada en la música que dejó como legado.

Al margen de conjeturas sobre su estado mental y su imaginario mundo que el mismo fomentó a crear, lo cierto es que ya pocos especialistas musicales y críticos de jazz, dudan que Sun Ra fue uno de los grandes directores de orquestas de la segunda mitad del siglo XX, y precursor como ningun otro músico, en la introducción de los teclados electrónicos en la música de jazz.

Sus orígenes musicales parecen estar situados en la orquesta de Fletcher Henderson a mediados de los años cuarenta del pasado siglo, y que tras una breve estancia con Fletcher, decide montar su propio sello discográfico, de nombre "Saturno", en el que empieza a destacar su sensibilidad musical y sus dotes como arreglista y compositor. Tuvo demás la virtud, de dar su sitio en su reputada Sun Ra Arkestra, a solistas de la talla de John Gilmore, Charlie Davis o Julián Priester, entre otros.

The Futurístic Sound Of Sun Ra, es el disco mas celebrado de su carrera discográfica, y fue grabado para el sello Savoy en Octubre de 1961. Con un numerosos elenco de grandes solistas, Sun Ra supo sacar un enorme partido a los timbres de cada instrumento y consigue un equilibrio perfecto entre las partes escritas y las improvisadas. Los arreglos de algunos temas, sugieren un camino musical nuevo que años mas tarde fue retomado por uno de los grupos emblemáticos del jazz moderno como fueron: Art Ensemble of Chicago.

The Futuristic Sound of Sun Ra, demuestra para los escépticos, que a pesar de su artificial mundo galáctico, Sun Ra sabia crear música profundamente humana y pegada a la tierra como pocos. Muy recomendable.

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
John GilmoreSaxo tenor, Bajo y clarineteSello discográfico: SAVOY
Marshall AllenSaxo alto, saxo tenor y flautaFecha de grabación: 10 de octubre de 1961
Pat PatricksSaxo barítonoLugar de grabación: New York
Bernard McKinneyTrombónNúmero de serie : SV-0213
Ronald BoykinsBajoNúmero de temas: 11
Willie Jones BateríaFormato: CD
Ricky Murray voz Calificación: 5* sobre 5
Sun Ra Piano y líder  

 

THE HELIOCENTRIC WORLDS OF SUN RA, Vol. 1.THE SOLAR-MYTH APPROACH, Vol. 2SPACE IS THE PLACE

 

SUN RA 

sun-raEl teclista y director de orquesta, Sun Ra (1914-1993) es un caso único entre los músicos de jazz. Nacido en Birmingham, él mismo declaró que procedía del espacio y que era un ser celestial. Tomado por loco y charlatán, tachado de burdo profeta y farsante empedernido, a Sun Ra le costó acallar todas esas maldades para hacerse un lugar de privilegio en un mundo sonoro absolutamente extraordinario.

Debutó antes de cumplir los diez años en la "Saxo Society Band" de John Tuggle Whatley, quien le enseñó las primeras nociones de dirección orquestal. En los años treinta, tocó en Gary (Indiana) y en Washington donde estudió con Lula Randolph. Entre 1946 y 1947, militó en la orquesta de Fletcher Henderson, donde colaboró tambien con los arreglos y la composición. En 1952, tras superar una profunda crisis espiritual, adoptó el nombre de Le Sony'r Ra (mas tarde abreviado en Le Sun-Ra) y empezó a presentarse al frente de su "Space Jazz Trío".

Ese mismo año fundó junto a su amigo, Alton Abraham, el sello discográfico, "Saturn Records", con el grabó multitud de títulos, entre ellos el fenomenal "Jazz in Silhouette" en 1958. En 1953 empezó a formar el embrión de lo que sería su orquesta, la forma musical donde expresaba con total libertad sus ideas. Incorporó solistas de talla del nivel de Pat Patrick, ineludible soporte de la sección de saxos, con su rocoso barítono; Marschall Allen, saxo alto y el mejor de todos, el saxofonista tenor, John Gilmore, en quien confesó el propio Coltrane, haberse inspirado en una época de cambio evolutivo. En 1955 grabó experimentando la formula de dos contrabajos y al año siguiente empezó a grabar con regularidad empleando varios percusionistas. Fue entonces cuando formó establemente su afamada "Sun Ra Arkestra", un gran grupo cuyo nombre esta vinculado a los conceptos de "Sol" el dios faraónico omnipotente. En 1956 sale a la luz bajo el sello "Transition" su primer álbum orquestal bajo el titulo de "Jazz by Sun Ra-Sun Song", un intento poco valorado en su carrera por unir música y espíritu.

En 1959, tras aparecer en el film de Edward Blank "The Cry of jazz", trasladó su grupo a Canadá y en 1961, casi por casualidad el grupo estaba en New York, donde participó en los celebres Happenings del Lover East Side. En 1961, graba para Savoy, el álbum que está considerado como su obra maestra: "The Futuristic Sounds of Sun Ra". En él, el teclista saca enorme partido a los timbres de cada instrumento y guarda con celo encomiable el equilibrio entre las partes escritas e improvisadas. Ese álbum adelanta en algunos años las formas coloristas que hicieron famoso al "Art Ensemble of Chicago". Con una estructura abstracta e iconoclasta, "The Futuristic Sounds of Sun Ra", demostró tener un perfecto balance entre elementos de swing, blues, ritmos Afro-Cubanos, bigband y avant-garde. Aun así resulto de poco interés en aquellos tiempos en que el Rock & Roll ocupaba el centro de atención musical de la mayoría de los jóvenes. En ese mismo año, Sun Ra, con los deberes hechos, contactó fácilmente con el naciente circulo de músicos adscritos al freejazz y se asocio a la "Jazz Composer's Guild" que promovía, Bill Dixon. En ese ambiente tocaba regularmente en el club "Slung's" una vez por semana casi hasta 1972.

Los años setenta, fueron el periodo en el que la "Sun Ra Arkestra", se desplazó por medio mundo ofreciendo conciertos y actuando en distintos festivales. En 1977, Sun Ra y los músicos de su banda, echaron raíces en Philadelphia para convivir en comuna todos ellos hasta que falleció el 30 de mayo de 1993. Sun Ra decía proceder de un planeta desconocido, no reconocía su verdadero nombre ni nada que tuviera que ver con su presencia entre la humanidad; hizo mientras vivió todo lo posible por no formar parte de este planeta del que renegaba, pero Sun Ra, demostró que sabía crear música profundamente humana y apegada a la tierra como pocos.

TEMAS DEL DISCODURACIÓN DEL DISCO
Bassism4,09
Of Wounds and Something Else2,55
Whats That2,17
Where is Tomorrow2,51
The beginning6,32
China Gates3,24
New Day5,53
Tapestry from an asteroid3,04
Jet Flight3,16
Looking Outward2,52
Space Jazz Reverie4,54

jimmy giuffre 3

Pocos músicos en el jazz presentan una multiplicidad de facetas como el clarinetista Jimmy Giuffre (1921-2008). Giuffre estuvo toda su carrera profesional a caballo entre la composición y os arreglos. Pasaba del clarinete al saxo tenor, y de este al soprano, el alto y el barítono, con una facilidad pasmosa, y también era un afamado experto en las flautas.

Estamos pues ante lo que en el mundo del jazz se denomina como un multiinstrumentista afamado, en grupo o en solitario, experto y protagonista de mil fórmulas distintas (combo, trío, cuarteto, quinteto, big band, solista, etc), y por lo tanto tenía también una facilidad asombrosa para saltar entre estilos distintos del jazz (Wes Coast Blues, Free Jazz, Cool, etc.). Desde que en 1947 compuso y arregló para la orquesta de Woody Herman el famosos "Four Brothers", que le dio sonido a la sección de saxos de esa gran Big Band, Jimmy Giuffre siempre buscó transgredir los lugares comunes del jazz y los espacios acomodaticios.

Tras años de experiencia y formación, Jimmy Giuffre formó su afamado trío, que con guitarra y contrabajo (sustituido este último instrumento en 1958 por el trombón), replanteó el papel de los instrumentos rítmico en el jazz moderno de forma que abandonaba la idea, comúnmente establecida hasta entonces, de dejar los aspectos rítmicos de una formación a una mera tarea de acompañamiento melódico. Si bien ese concepto es hoy una realidad elemental en el jazz moderno, en aquella época tuvo que lidiar con los que veían en esa fórmula, una transgresión del sentido del swing en su música.

Como instrumentista, Jimmy Giuffre fue especialmente bueno en el uso del clarinete, donde al estilo de Lester Young en el saxo tenor, se expresaba sin florituras, con una sonoridad calidad y envolvente.

Este disco que recomendamos en la sección de "Disco del Mes", de Octubre de 2014, fue el primer trabajo de Jimmy Giuffre en su famoso trío de cuerdas, con un esplendoroso Jim Hall a la guitarra, y Ralph Peña al contrabajo. Entre los temas del álbum, destaca la que quizás sea la composición más popular de Giuffre, "The Train and the River", donde recrea y narra de manera enfática la marcha de un tren a la manera de los viejos bluesman.

"The Jimmy Giuffre 3", es un disco imprescindible a la hora de abordar, no solo la carrera profesional de Jimmy Giuffre, sino para analizar la importancia de la evolución del trío de jazz en la historia de esta música.

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Jim HallGuitarraSello discográfico: ATLANTIC RECORDS
Ralph PeñaContrabajoFecha de grabación: 1956
Jim AtlasContrabajo en los dos últimos temas.Lugar de grabación: New York
Jimmy GiuffreClarinete, saxo tenor y baritono.Número de serie : CD 90981-2
  Número de temas: 11
  Calificación: 5* sobre 5
  Formato: CD
  Duración del disco: 49,03

 

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE JIMMY GIUFFRE

 

THE JIMMY GIUFFRE CLARINETTHE EASY WAYFREE FALL
jimmy giuffrejimmy giuffrejimmy giuffre

 

JIMMY GIUFFRE

 

Jimmy GiuffreDe personalidad compleja, el multiinstrumentista Jimmy Giuffre, empezó a estudiar clarinete a los nueve años dominando poco después el instrumento completamente. Se pasó luego al saxo tenor y en 1942 se diplomó en música por la Universidad Estatal de Texas. Prosiguió sus estudios musicales en Los Ángeles durante ocho años con Wesley la Violette quien le enseño los secretos de la composición. Durante su permanencia en el Ejercito tocó el clarinete y el saxo en una banda militar y cuando se licenció, en 1946, se apuntó en una orquesta sinfónica, la "Dallas Symphony" donde tocó el saxo tenor en "Porgy and Bess". Al año siguiente estuvo con la orquesta de Jimmy Dorsey y en el 48 con el baterista Buddy Rich y su famosa orquesta.

En 1949 su carrera da un salto cualitativo importante cuando ingresa en la orquesta de Woody Herman. Fue Giuffre quien sin proponérselo dio a aquel grupo tras la composición de un tema dedicado a la sección de saxos de la orquesta y que titulo: "Four Brothers", un tema que atrajo para si toda la atención de la critica. Tras un largo paréntesis a principios de los años cincuenta, Jimmy Giuffre reaparece entre 1953 y 1955 como saxofonista y arreglista de Shorty Rogers al que ayudó de manera espectacular al éxito del grupo "Shorty Rogers and his Giants" que contaba en sus filas con extraordinarios músicos como el saxo alto Art Pepper, el pianista, Hampton Hawes y el baterista, Shelly Manne, todos ellos insignes representantes del mejor jazz que se hacía en la época en la Costa Oeste norteamericano. En diciembre de 1956, Jimmy Giuffre grabó para el sello Atlantic el álbum que definitivamente le encumbraría a la fama de por vida y por el que pasaría a la historia del jazz: "The Jimmy Giuffre 3" fue en palabras del propio Giuffre escritas de su puño y letra en la portada, el disco por el que la composición primaba por encima de la instrumentación. Con un sonido sobrecogedor y un estilo originalísimo, Giuffre se posicionó por muchas semana consecutivas a la cabeza de la vanguardia jazzistica.

Subido en la cima del jazz moderno, Jimmy Giuffre tuvo a partir de entonces una actividad frenética que le llevaría a colaborar con multitud de grandes músicos, siendo su encuentro con el trombonista Bob Brookmeyer otro de sus momentos importantes. Grabó con él un extraordinario disco titulado "Traditionalism Revisited" que compuesto totalmente por temas jazzisticos de los años veinte, supo readaptarlos con extraordinaria maestría y sacarles todo el jugo que escondían. En 1960, Jimmy Giuffre grabó algunos temas para clarinete y cuerda en Baden-Baden y nuca perdió la sensibilidad necesaria para adaptarse al jazz moderno y su propia evolución. Entre 1963 y 1966 creo un nuevo trío formado esta vez con Paul Bley al piano y Steve Swallow al contrabajo. A finales de los sesenta se dedicó a la enseñanza en la Universidad de New York, en el Livingston College y en el Wagner College. Regresa a la música en activo a principios de los setenta junto a Paul Bley, un pianista que era muy de su agrado y el guitarrista, Bill Connors. Si bien la música es excelente, no tiene la frescura de los primeros tríos de Giuffre. Jimmy Giuffre es una de las grandes figuras del jazz moderno.

TEMAS DEL DISCODURACIÓN DEL DISCO
Gotta Dance2,29
Two kinds of Blues5,10
The song is you3,52
Crazy she calls me5,14
Voodoo2,48
My all4,09
That's the way it is3,45
Crawdad suite7,10
The Train and the River3,31
The Green country (New Englad Mood). * No incluido en LP original2,58
Forty-Second Street. * No incluido en LP original6,15

MASSEY HALL

El 15 de Mayo de 1953 es una de esas fechas subrayadas en la historia del jazz. Aquella noche se celebró en Toronto (Canadá), el que entonces fue señalado como "concierto del siglo" y que ha pasado a la historia del jazz como uno de los momentos mágicos y trascendentales de esta música a la largo de su centenaria historia.

El Massey Hall de Toronto, un imponente y majestuoso teatro abierto desde 1894, acogió aquella noche en su escenario lo más granado de aquella "nueva música" que se tocaba en los clubes de Harlem y que tenían como protagonistas a un grupo de músicos que tuvieron la osadía de "reinventar" el jazz y cuya música respondía al nombre de "bebop".

Charlie Parker al saxo alto, Dizzy Gillespie a la trompeta, Bud Powell al piano, Charles Mingus al contrabajo y Max Roach a la batería (la flor y nata del bebop) formaron aquella noche ese imponente quinteto con el que grabaron esta obra maestra del jazz que bajo el nombre de "The Quintet: Jazz At Massey Hall"", traemos en este mes de diciembre de 2014 para cerrar el año a nuestra sección de discos recomendado en Apoloybaco.

El quinteto fue formado especialmente para la ocasión, lo que convierte a esta legendaria grabación en directo, no solo como una de las mejores de la historia del jazz, sino también como una ocasión única en la historia para escuchar a estos cinco músicos juntos.

El concierto estuvo rodeado de enormes dificultades que hizo incluso peligrar su celebración. A los problemas de contratación de los músicos (Charlie Parker tuvo que anunciarse con el falso nombre de "Charlie Chan" por razones contractuales con su discográfica) se le unió el estado de salud de Bud Powell, que por aquella época ya sufría serios trastornos mentales y el propio Parker, que moriría una par de años después, ya tenía su salud muy deteriorada. Cuentan incluso que ese día tocó con un saxo de plástico al tener empeñado el suyo para poder pagarse la heroína a la que ya era adicto.

Y tampoco fue buena la promoción del concierto en Toronto porque entre otras cosas coincidía que ese mismo día se celebraba el combate de boxeo del año donde Rocky Marciano y Jersey Joe Walcott, se disputaban en New York el cetro mundial de los pesos pesados de boxeo, un evento televisado por la CBS para toda América del Norte y que provocó que el aforo del Massey Hall no se cubriera más allá de la mitad. A pesar de todos los inconvenientes, aquella grabación está incluida entre las más importantes del jazz moderno. Los seis temas interpretados por el quinteto aquella noche: "Perdido", "Salt Penauts, All the things You are", "Wee", "Hot House" y "A night in Tunisia" tuvieron tal intensidad, tal calidad interpretativa, tanta capacidad de entendimiento, tan originales y calientes los solos (espectacular el de Dizzy en "Perdido") que no hubo en aquella desangelada sala del Massey Hall nada que pareciera la rutina de unos músicos a cubrir el expediente.

El disco se grabó para "Debut Records", la compañía discográfica independiente que Charles Mingus y Max Roach fundaran un año antes. Existe, también grabada y publicada, una primera parte del concierto donde actúa solamente el trío rítmico. Dicen que mientras tanto, Parker y Gillespie estaban viendo el combate de boxeo de Rocky Marciano.

"Jazz at Massey Hall" es un disco excepcional y está considerado el "canto del cisne" del bebop. Nunca más se juntaron estos cinco músicos en un escenario, ni volverían a grabar juntos y nunca más sonaría el bebop con tanta fuerza como en aquella noche del 15 de Mayo de 1953 en Toronto.

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Charlie ParkerSaxo altoSello discográfico: DEBUT RECORDS
Dizzy GillespieTrompetaFecha de grabación: 15 de mayo de 1953
Bud PowellPianoLugar de grabación: Toronto
Charles MingusContrabajoNúmero de serie : DEB-124
Max RoachBateríaNúmero de temas: 6

 

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TEMAS DEL DISCODURACIÓN DEL DISCO
Perdido7,47
Salt Peanuts7,44
All the Things You Are/52nd Street Theme7,55
Wee6,46
Hot House7,47
A night in Tunisia9,49
Arriba