2015-Disco del mes

quiqueDe manera inusual comenzamos 2015 recomendando un disco de blues. Pero es que no es un disco de blues cualquiera, es un disco de blues hecho aquí, en nuestra tierra, en las orillas del Guadalquivir, al abrigo de ese cauce mágico que atraviesa la capital de Andalucía y que Little Boy Quique, nuestro amigo y enorme bluesman sevillano, acaba de grabarlo bajo el nombre de "I've got the Blues".

En cada nota del disco, en cada tema de los 12 que conforman "I've the Got the Blues", está presente esa especie de maridaje musical entre dos ríos, el Guadalquivir y el Mississippi, que Little Boy Quique consigue aunar musicalmente bajo los compases del blues. El Guadalquivir y el Mississippi traen en sus aguas esos "sonios negros" que invocan en cada recodo de su recorrido, el flamenco y el blues; dos músicas con raíces, ambas patrimonios culturales y musicales de la humanidad, dos músicas sin fronteras, mestizas e imperecederas.

quiquePorque de eso trata este discazo que nos acaba de grabar nuestro buen amigo y estupendo bluesman que es Little Boy Quique. Tocar blues auténtico a la vieja usanza, con el minutaje de los temas en torno a los tres minutos, como se grababan los discos (por las limitaciones técnicas de entonces) en la primera mitad del Siglo XX, grabado en riguroso directo en acústico sin electrificación alguna, donde se pude disfrutar desde el primer tema hasta el último de los 12 que componen el disco, de una música sincera y auténtica, ancestral y moderna al mismo tiempo. Little Boy Quique es un músico fácil de reconocer en cuanto lo escuchas. Su forma de tocar el blues, la honestidad por respetar la tradición de las viejas escuelas de blues de Chicago y su capacidad para "desnudar" una canción y despojarla de cualquier aderezo innecesario, forma parte de su ADN blusero.

"I've the Got the Blues", es de principio a fin, música con mayúsculas, sin trampas ni cartón, música viva de un músico siempre presente cada vez que hablamos de blues en España. Un músico que quiere ganarse la vida siendo músico, que toca sus propias composiciones por cualquier esquina de Sevilla y que rinde homenaje con su guitarra y su armónica a los mas grandes músicos de blues de la historia, desde Son House a Muddy Waters, desde Robert Johnson a Little Walter, desde Sony Boy Williamson a Willy Dixon. Y además de hacerlo muy bien, lo hace con honestidad y dignidad, sin despojarse nunca de sus raíces, y dándole categoría a la música que le apasiona y que siente.

Little Boy Quique, nos deja en este su segundo disco como bluesman, 12 canciones extraordinarias con un temazo que abre, cierra y da título al disco "I've got the Blues", que pone los pelos de punta y que sirve de introducción a otras 11 composiciones de Robert Johnson, Little Walter, Willie Dixon, Muddy Waters y otras vacas sagradas del blues.

Se lo recomendamos vivamente. Háganse con este disco cuando se encuentren a Little Boy Quique por la calle, o cómprenlo en los distintos puntos de venta que relacionamos al final de este artículo. Es música con alma, es blues, es el Mississippi clonado en esta orilla del Atlántico con el nombre de Guadalssissippi.

Con este disco se estrena, discográficamente hablando, la editora "Caló Records", una compañía discográfica que nace con el empeño de apoyar a todos los artistas que interpretan "sonios negros" sean cuales fueren los estilos de música interpretados. Su impronta es respetar y defender esa filosofía de trabajo honesta y sincera, recuperando las técnicas y formas de grabación de épocas pretéritas y donde todo se graba en riguroso directo. Caló Records, quiere mostrar la música tal y como la conciben los artistas sin aditivos artificiales.

 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Lolo Ortega, "Kid" Carlos Moreno y Pepe DelgadoGuitarrasSello discográfico: CALÓ RECORDS
Manuel Soto "Ito"ArmónicaFecha de grabación: 11 Y 12 de mayo de 2013
Charo Cala y Fernando MaríaVocesLugar de grabación: Auditorio de CICUS (Sevilla)
Little Boy QuiqueGuitarra, Dobro, Percusiones, Armónica, Voz y Líder.Número de serie : CR01/14
  Número de temas: 12
TEMAS DEL DISCODURACIÓN DEL DISCO
I've got the Blues3,37
Rollin' & Tumblin3,58
Sugar Sweet3,50
Dus't my broom3,50
Just your fool3,01
Someday baby Blues2,53
I'm your hoochie coochie man3,54
Kind hearted woman Blues4,14
Sitting on the top of the world2,27
Sweet home Chicago2,46
I've got the Blues5,44

king-liver-1923

La música grabada que nos ha llegado del cornetista Joe Oliver, luego rebautizado de forma respetuosa por su colegas coetáneos como "King" Oliver, son junto a las grabaciones de 1922-1923 de los New Orleans Rhythm King, los mejores y primeros documentos sonoros de carácter jazzístico que sonaban en la New Orleans de principios del Siglo XX, cuando el jazz estaba en esa etapa primigenia de la historia.

No hay grabaciones de King Oliver grabadas con anterioridad a 1923, pero cuando en 1918 abandonó New Orleans, su ciudad natal, para instalarse en Chicago como muchos otros músicos de su época, ya había dejado una huella indeleble entre sus colegas. Se dice que su estilo antes de grabar estas memorables sesiones entre 1923 y 1931 para los legendarios sellos: Gennett, Okeh y Paramount, y aquí recopilados de manera excelente por la productora y discográfica italiana "King Jazz", era más rudo, agresivo y vehemente que estas, y que de alguna forma su traslado a Chicago edulcoró su música para hacerla más atractiva a los oídos de su nuevo público y también a las exigencias de su discográfica.

Fuese o no verdad, algo que en cualquier caso es indemostrable, lo cierto es que la música de Joe "King" Oliver al frente de su "Creole Jazz Band", son un primoroso ejemplo de creatividad colectiva. Su firmeza rítmica, su rotundidad de estilo, su portentosa técnica y su especialidad y habilidad en el manejo de diferentes tipos de sordinas, hizo que fuera posible imponer un determinado estilo de música en su época de manera inigualable.

A Joe "King" Oliver al frente de la Creole Jazz Band se deben algunas de las composiciones más famosas de la historia del jazz entre las que cabe destacar "Canal Street Blues", "Doctor Jazz", "Camp meeting blues" o la celebérrima "Dipper Mouth Blues", considerada por todos los analistas su obra maestra, y dentro de ella, los tres majestuosos coros de su intervención solista imitados sin contemplaciones por muchísimos músicos hasta mucho tiempo después de que fueran grabados.

El volumen 1 de la serie que reedita el sello "King Jazz", es el elegido para este disco del mes de Apoloybaco en este Febrero de 2015, por que es el que contiene los temas citados anteriormente, pero los siguientes volúmenes de la serie que abarcan el periodo 1923/1931, documentan perfectamente la evolución posterior de Joe Oliver que tras llegar a la cima jazzística en el jazz de su época, murió olvidado y pobre, y sabiendo que por detrás venía empujando con fuerza su segundo cornetista (Louis Armstrong), quien le arrebataría el cetro de "Rey del Jazz".

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
King Oliver y Louis ArmstrongCornetasSello discográfico: KING JAZZ
Honore DutreyTrombónFecha de grabación: 1923. (Entre Abril y Octubre)
Arthur Scott, Bill Johnson, Bud Scott y Johnny St. CyrBanjosNúmero de temas: 25
Johnny Dodds y Junie CobbClarineteLugar de grabación: Richmond (Indiana) y Chicago
Lil HardinPianoNúmero de serie : KJ 112 FS
Baby DoddsBateríaFormato: CD

 

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE JOSEPH "KING" OLIVER

 

Louis Armstrong and King OliverThe New York Sessions 1929-1930King Oliver's Jazz Band
OLIVER-LOUISKING-OLIVER-NEW-YORKKING-OLIVER

 

JOSEPH "KING" OLIVER


KING-OLIVERJoe "King" Oliver, leyenda de la primera época del jazz, fue un gran músico. Nacido en una plantación al sur de Baton Rouge, llegó a New Orleáns siendo aun muy pequeño. Huérfano de madre desde niño, se educa en Nueva Orleáns guiado por su hermanastra Victoria Davis. Ya en la adolescencia comienza dedicarse a la música y tocando en las mas celebres orquestas de la ciudad, entre ellas la "Olympia Band" de la que era estrella Freddie Keppard, la "Onward Brass Band" y algunas otras. Sin embargo, las condiciones económicas no le permitían dedicarse exclusivamente a la música, y la compaginaba con otros trabajos en oficios destinados a los negros.

De vez en cuando tocaba con otras bandas en bailes y funerales y una vez llegó a Baton Rouge. Tocó por las calles de la ciudad y en los locales del barrio de Storyville. Gracias a su marcado estilo se gana el sobrenombre de King, pero también se le conoció como "Tenderfoot", debido a los callos que tenía en los pies. En 1918 se traslada a Chicago para unirse a la banda "Los jardines Reales de Chicago". En esta ciudad siguió uniéndose a otras bandas como la "Dreamland Café", liderada por Lawrence Duhe. Al comienzo de la década de los años veinte monta su propia formación, la "Creole Jazz Band". Con ella realizó las primeras grabaciones determinantes de la historia del jazz, inaugurando una genealogía que continuará, años mas tarde, en los "Hot Five" y "Hot Seven" de Louis Armstrong, las grabaciones de Jelly Roll Morton con los "Red Hot Peppers", los discos de 1945 de Charlie Parker y Dizzy Gillespie, las doce tomas del "Noneto Capitol" de Miles Davis, etc, etc.

Las grabaciones de Oliver para las marcas, Gennett, Paramount, Okeh y Columbia, son el verdadero origen de la estirpe jazzistica. La "Creole Jazz Band" estableció cuando grabó "Chimes Blues"; "Canal Street Blues" "Snake Rag" o "Dippermouth Blues" el modelo standar para todos los grupos de jazz que no basan su eficacia en la expresión individual sino una suma conquistada a través del equilibrio del grupo. En 1927, una vez que sus mejores solistas se fueron de la orquesta, Armstrong entre ellos, Oliver se mudó a New York contratado por la famosa sala de baile "Savoy Ballroom" después de desaprovechar la mejor oportunidad de su vida al rechazar un contrato de trabajo en el Cotton Club, que en su lugar contrató a un desconocido por entonces, Duke Ellington.

El crack del 29, la crisis económica, la escasez de trabajo y el cambio en los gustos del publico, fueron llevando a Joe "King" Oliver a un estado depresivo, que fue agravado por una enfermedad letal para un músico: la piorrea. Imposibilitado para tocar la corneta, viendo como su discípulo, Louis Armstrong, le superaba en efectividad y en estilo, humillado hasta el punto de tener que trabajar quince horas al día limpiando una sala de billares con un salario de hambre, Oliver sufrió un derrame cerebral y a su muerte no hubo dinero ni para cubrir su tumba con una lápida.

TEMAS DEL DISCODURACIÓN DEL DISCO
KING OLIVER'S CREOLE JAZZ BAND 
Just Gone2,39
Canal Street Blues2,28
Mandy Lee Blues2,11
I'm Going Away to wear you off my mind2,53
Chimes Blues2,53
Weather Bird Rag2,28
Dipper Mouth Blues3,03
Froggie Moore2,59
Snake Rag3,14
KING OLIVER'S JAZZ BAND 
Snake Rag2,43
Sweet Lovin Man2,43
High Society Rag2,52
Sobbi'n Blues3,11
Where Did You Stay Last night?2,29
Dipper Mouth Blues2,13
Jazzin' Babies Blues3,00
Mabel's Dream2,48
The southern Stomps2,40
KIMG OLIVER AND HIS CREOLE JAZZ BAND 
Alligator Hop2,23
Zulu's Ball2,31
Workingman Blues2,10
Krooked Blues2,52

jaime-serradillaGrabado en directo desde la Sala Teatro Duque-La Imperdible de Sevilla, (excepto la toma 4, grabada en el Soberao Jazz Club de Dos Hermanas), Jaime Serradilla saca al mercado su primer álbum como líder después de participar como sideman en otras grabaciones. El título del disco es muy descriptivo: "En el fondo", lugar donde habitualmente se sitúa en el escenario el contrabajo, instrumento del que Jaime es un virtuoso músico y que cuenta como compañeros de viaje a dos auténticos maestros del piano y la batería respectivamente: los catalanes Roger Mas (piano), y el baterista Jo Krause.

Jaime Serradilla es uno de los nombres fundamentales de la escena sevillana del jazz en la última década. Músico curtido en mil jam sessions y en decenas de escenarios, su crecimiento como músico ha ido parejo a su brillante e intensa labor pedagógica con el contrabajo. Tiene además otra cualidad Jaime Serradilla que le sirve para estar presente en un sinfín de formaciones y combos y no es otra cosa que su camaleónica habilidad para tocar otros instrumentos (piano, batería...). Su versatilidad y su habilidad como multiinstrumentista rítmico, le ha valido para participar de manera activa en cientos de bolos, jam sessions, y conciertos de jazz en directo por toda Andalucía.

Asiduo del Café Jazz Naima, y del Soberao Jazz Club de Dos Hermanas, su presencia en los escenarios sevillanos y andaluces ya se ha hecho familiar para los muchísimos aficionados al jazz de Sevilla y casi siempre que se programa jazz en vivo en Sevilla, allí está Jaime con su contrabajo a cuestas, desde el fondo, en el fondo del escenario dándole sentido rítmico a una música improvisada.

trio"En el fondo" es un disco clásico y moderno al mismo tiempo; clásico porque bebe de la fuente que revolucionó el concepto moderno del trío de jazz inventado por el maestro Bill Evans con Scott Lafaro al contrabajo (luego sustituido por Chuck Israels), y el batería Paul Motian. Y moderno porque sin renunciar a la tradición, trastea con sus arreglos y composiciones los temas que toca, para ofrecer, en el caso de los standards, un enfoque muy personal a su música y en el caso de las composiciones propias (todas las tomas del disco salvo dos excepciones son suyas) una visión muy original del concepto de trio clásico (piano-contrabajo y batería) en el que sus tres protagonistas son capaces de expresarse en el escenario de manera individual y colectiva.

Bill Evans enseñó el camino por donde discurriría el trio moderno de jazz allá por los años cincuenta del siglo XX; ese camino principal o "mainstrean", lo tomaría luego en los años sesenta, el pianista Ahmad Jamal, con Israel Crosby al contrabajo y Vernell Fournier a la batería; Tommy Flanagan tomaría ese relevo generacional en los años ochenta con George Mraz al contrabajo y Al Foster en la batería y Kenny Barron, ya en los años 90 con Charlie Haden al contrabajo y Roy Haynes a la batería, pusieron las bases para que desde entonces, el trío clásico de jazz, fuese una de las fórmulas más atractivas de todas cuantas ofrece esta maravillosa e improvisada música.

Y Jaime y su grupo absorben con maestría y elegancia ese legado que dejaron los más grandes, para ofrecer a quienes le escuchan un jazz sin fisuras, vivo, fresco, atractivo y sugerente. En el fondo, y valga la redundancia, Jaime y sus compañeros de sesión, nos ofrecen grabado en este disco, la misma música que cada noche regalan al público en los clubes y locales donde actúan: música sincera, emotiva, rabiosamente moderna y con un tono envolvente que llega a emocionar al oyente.

A lo largo de los siete temas del disco, el trío suena equilibrado, muy compensado y sus voces a tres bandas no impide que el discurso sea uniforme y fluido. Un verdadero dialogo musical entres tres magníficos solistas que brillan individual y colectivamente.

yoPor si al disco le faltara algo, es muy destacable la calidad del diseño gráfico, sus preciosas fotografía en blanco y negro y ese aroma jazzístico que Blue Asteroid, la nueva casa discográfica que estrena catalogo en Sevilla, quiere plasmar en su recién inaugurada andadura a modo de homenaje a la plasticidad y elegancia de Blue Note.

Y para poner el broche de oro a este iniciático álbum de la carrera de Jaime Serradilla, no quiero pasar por alto el bello prólogo que del disco hace un maestro del contrabajo como es el gran Chuck Israels, sí el mismo que tocó con Bill Evans sustituyendo a Scott Lafaro, y que le otorga a esta grabación un valor añadido más. Pocos contrabajistas contemporáneos, y mucho menos españoles, tienen la suerte de presumir de un prólogo de tanta categoría. Una muestra más de que estamos ante un gran trabajo de Jaime Serradilla y del que auguramos un enorme éxito en las listas de los mejores discos del año.

Por todo lo dicho, "En el fondo", es un disco precioso, muy recomendable, imprescindible para conocer el jazz que se hace desde el sur de España y que hace justicia a la extraordinaria música que Jaime Serradilla, Roger Mas y Jo Krause, son capaces de hacer. Un excelente debut discográfico para un contrabajista extraordinario que, como escribe Jaime en la dedicatoria de su álbum a quién escribe, me ha hecho disfrutar con su música.

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Roger MasPianoSello discográfico: BLUE ASTEROID RECORDS
Jo KrauseBateríaFecha de grabación: 7 de Noviembre de 2013
Jaime SerradillaContrabajo y líder

Lugar de grabación: Teatro Duque (Sevilla) y Soberao Jazz (Dos Hermanas)

  Número de serie : JST - 0920143
  Número de temas: 7
TEMAS DEL DISCODURACIÓN DEL DISCO
En el fondo6,48
Fith House8,56
Kuka9,44
Buscándote6,41
Bossa para você4,28
Dr. Esmi7,46
Old Folks6,36

color changes

No por esperada, la reciente muerte de Clark Terry, ha dejado de conmover al mundo del jazz, a sus compañeros de profesión y aficionados que sabiendo de su larga y penosa enfermedad, iguieron muy de cerca sus pasos en los últimos años de su vida.

Inhabilitado para el ejercicio de su profesión, ciego e incapaz de utilizar sus manos, Clark Terry seguía atendiendo a quienes acudían a visitarle con la mejor de sus sonrisas, pero el pasado 13 de febrero fue ingresado para ser tratado de sus múltiples dolencias. La muerte le sobrevino ocho días más tarde cuando tenía 94 años. Se iba uno de los grandes maestros del jazz y uno de los grandes trompetistas del jazz de toda la historia.

Durante su carrera que abarcó más de siete décadas, Clark Terry fue maestro de varias generaciones de músicos de jazz, y entre sus primeros alumnos estuvo Miles Davis, que todavía era un adolescente cuando lo conoció en East St. Louis, al otro lado del río de donde vivía el gran artista. Clark Terry fue muchas cosas, pero antes quer nada fue un intérprete excepcional, un improvisador nato y poseedor de un estilo muy característico y personal que estaba por encima de cualquier encasillamiento estilista. También fue un virtuoso instrumentista con la trompeta y el fiscorno, instrumento del que fue pionero en el jazz, y tuvo la dicha de ser además, uno de los pocos músicos de jazz de la historia en tocar con dos de los grandes maestros de esta música: con Count Basie (entre 1948 y 1951) y Duke Ellington (de 1951 a 1959).

En homenaje a este maestro del jazz que se nos ha ido en este 2015, traemos a este rincón de Apoloybaco uno de sus mejores trabajos discográficos grabado en 1960 para el sello Candid y titulado "Color Changes". Grabado bajo la formula del octeto con arreglos extraordinarios de Yusef Lateef, Budd Johnson y Al Cohn, y la rítmica de Tommy Flanagan al piano, de Joe Benjamin al bajo y el baterista Ed Shaughnessy , el disco suena fresco, envolvente y con unos momentos de extrema belleza.

En aquella legendaria sesión de Noviembre de 1960, Clark Terry y sus acompañantes (además de los ya citados, estaban Jimmy Knepper en el trombón, Julius Watkins en la trompa, Seldon Powell en el saxo tenor y flauta y Buddy Johnson en el piano en el tema: "Naystye blues", grabaron un disco extraordinario, merecedor de estar entre los mejores álbumes de la historia y desde luego uno de los mejores registros de jazz en la década de los sesenta del pasado siglo XX. El álbum contiene 7 temas basado en composiciones del propio Clark Terry, de Duke Jordan, Yusef Lateef, y Bob Wilber. Muy recomendable.

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Jimmy KenepperTrombónSello discográfico: CANDID
Julius WatkinsTrompaFecha de grabación: 19 de Noviembre de 1960
Yusef LateefSaxo tenor, flauta, Oboe, corno inglés, voz y arreglosLugar de grabación: New York
Seldon PowellSaxo tenor y flautaNúmero de serie : CNADID-1478
Tommy Flanagan y Budd JohnsonPianosNúmero de temas: 7
Ed ShughnessyBatería 
Yusef Lateef, Budd Johnson y Al Cohn.Arreglos 
Joe BenjaminBajo 
Clark TerryTrompeta, Fliscornio y líder. 

 

In orbitThe happy horns at Clark TerryShades of Blues

 

CLARK TERRY

 

CLARK TERRYEl trompetista, Clark Terry, inició su actividad musical a mediados de los años treinta cuando formó parte de la banda de su ciudad y en la de su escuela. Tras pertenecer a la formación musical de la Marina Militar durante la guerra, en 1945 fue llamado durante varias semanas por la orquesta de Lionel Hampton. Las obligaciones militares le trasladaron a California y una vez licenciado firmo allí su primer contrato profesional con la famosa orquesta de Charlie Barnet. Posteriormente su éxito como trompetista, le abrió las puertas a otras formaciones similares hasta firmar por la bigband de Count Basie en 1948.

Con Basie, Clark Terry, estuvo hasta 1951, año en que es el mismísimo Duke Ellington quien lo reclama. Permanecería con Ellington, nueve fructíferos años, un periodo importantísimo en su formación musical y donde demostró con creces su valía. En el seno de la orquesta de Ellington, Clark Terry tenía mucha mas libertad de acción y mas espacio para desarrollar su fantasía improvisadora. En ese marco y en ese contexto, Terry se consolidó como uno de los grandes trompetistas de la época, a camino entre Rex Stewart por su sonoridad, y Dizzy Gillespie por su costumbre de introducir en su fraseo pasajes de tiempo doble. Su estancia con la orquesta de Duke Ellington, no le privó para desarrollar al mismo tiempo su camino en solitario o en compañía de otros grandes músicos. Es muy destacable, en este sentido, su aportación al extraordinario álbum liderado por Thelonious Monk, titulado: "Brilliant Corners", junto a Sonny Rollins, Paul Chambers y Max Roach.

Cuando terminó su etapa con Ellington, Clark Terry multiplicó su actividad musical participando en numerosísimos proyectos, conciertos, jam sesions y otros eventos. Entró a formar parte de la orquesta del "Apolo Theatre" de Harlem y paralelamente de la National Broadcasting Corporation, en la que permaneció cinco años interviniendo en numerosos conciertos y programas televisivos. En 1963, Clark Terry fue uno de los puntales de la orquesta de Quincy Jones y al año siguiente salió de gira por Japón con el trombonista, Jay Jay Johnson. A la vuelta de Asia, grabó un gran disco con el trío del pianista, Oscar Peterson. Esa colaboración se prolongó en 1965 cuando se fue de gira por Europa con el pianista y la cantante Ella Fitzgerald, preludio de lo que seria su adhesión, al año siguiente, al grupo dirigido por Norman Granz, el famoso "Jazz at the Philharmonic".

Clark Terry, desempeñó también una intensa actividad didáctica para lo que fundó una bigband formada por jóvenes músicos que le sirvió de laboratorio para desarrollar un estilo sutilísimo, moderno, lleno de swing y con una sonoridad a la trompeta, redonda y plena. Consumado maestro en el arte de la sordina, Clark Terry es un músico excepcional que logró sintetizar a la perfección, tradición y modernidad, por cuyos meritos aun no ha sido suficientemente valorados en el mundo del jazz.

Inhabilitado para el ejercicio de su profesión, ciego e incapaz de utilizar sus manos, Clark Terry seguía atendiendo a quienes acudían a visitarle con la mejor de sus sonrisas, pero el pasado 13 de febrero fue ingresado para ser tratado de sus múltiples dolencias. La muerte le sobrevino en Febrero de 2015 cuando tenía 94 años. Se iba uno de los grandes maestros del jazz y uno de los grandes trompetistas del jazz de toda la historia.

TEMAS DEL DISCODURACIÓN DEL DISCO
Blue Waltz6,37
Brother Terry3,54
Flutin' and Fluigin'6,46
No Problem5,49
La Rive Gauche5,28
Nahstye Blues6,00
Chat Qui Peche7,32

bb-king

El reciente fallecimiento de B. B. King ha sacudido los corazones y la memoria musical de todos los que en este planeta amamos la música negra. Con él se va uno de los grandes creadores y fundadores del blues, un músico que creó un nuevo lenguaje con la guitarra eléctrica y que elevó a la cima el género del blues dotando a este género del soporte esencial para todo lo que vino después en la música popular del Siglo XX.

Se va algo más que un simple músico. Porque B. B. King, muerto a los 89 años, representaba un modo de vida y de creación musical en Estados Unidos y una forma inigualable de tocar en directo aún en las precarias condiciones de salud de los últimos tiempos. Cuando B.B. King se subía a un escenario siempre pasaba algo extraordinario y su enorme capacidad para conectar con el público, su arrolladora fuerza en el directo y su talento con la guitarra, fueron algunas de sus cualidades que le acompañó durante toda su vida.

Diagnosticado de diabetes desde hacía más de dos décadas, estuvo en la carretera de ciudad en ciudad hasta el pasado mes de Octubre cuando su estado de salud empeoró notablemente.

En memoria del "Rey del Blues", en memoria del Blues de Memphis, y a la memoria de un músico extraordinario, la sección de jazz de Apoloybaco trae a la sección de "Disco recomendado del mes" de Mayo, a uno de los discos más emblemáticos de la vastísima discografía que B.B. King nos legó durante toda su carrera.

Y lógicamente ese disco no podía ser otro que un álbum en directo, allí donde B.B. King se sentía verdaderamente el "Rey" del blues, cuando tocaba los acordes de su inseparable "Lucille", la guitarra Gibson que le acompañó toda su vida. Con su voz aguda y el poder de su guitarra, B.B. King era el eslabón adecuado entre el blues rural del Mississippi y el blues urbano de Chicago, las dos grandes corrientes por donde ha discurrido el jazz desde su génesis hasta el Siglo XXI.

"Live at the Regal", fue grabado en directo en el Teatro Regal de Chicago el 21 de Noviembre de 1964, es decir hace más de cincuenta años años y ni el paso del tiempo, ni la incorporación a la música de blues de elementos técnicos novedosos, le han quitado un ápice de actualidad y vigencia a sus discurso musical. B.B. King se ganó en aquel concierto la fama que luego le precedió para toda su carrera y su show fue toda una exhibición de cómo conectar con el público hasta convertirse en un auténtico showman a partir de entonces.

"Live at the Regal" está considerada como uno de los 10 mejores álbumes de blues jamás registrado y en el año 2005, el Congreso de los Estados Unidos lo seleccionó para ser conservado para la posteridad en el Registro Nacional Sonoro en la afamada y prestigiosa Biblioteca del Congreso.

Aquel concierto de Chicago le cogió en su momento de plena madurez marcada por la perfección técnica y hasta una garganta que aún le permitía jugar con falsetes y en Live at the Regal están las canciones que le han acompañado la mayor parte de su carrera, las que en apenas tres minutos de duración media consigue condensar el espíritu de aquellos esclavos que lloraban sus penas entre el algodón. En este disco está su celebre: Everyday i have the blues, o "Worry, Worry" el pico más alto de su show, donde King te atrapa con su improvisación en un increíble solo de guitarra. Son seis minutos absolutamente magistrales. Y tampoco falta su eterno lamento de It's only my fault. Y también un tema fijo en su repertorio desde entones, el famoso: How blue can you get?, La marca de la casa.

Un disco imprescindible no sólo de blues, sino de cualquier género musical.

Biografía de B.B King, en Apoloybaco

 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Duke JethroPianoSello discográfico: MCA RECORDS
Sonny FreemanBateríaFecha de grabación: 21 de Noviembre de 1964
Kenny SandsTrompetaLugar de grabación: Regal Theatre (Chicago)
Bobby Forte y Johnny Board Saxos Número de serie: LP - CH 86
Leo LauchieBajoNúmero de temas: 10
B. B. KingGuitarra, voz y líder 
TEMAS DEL DISCODURACIÓN DEL DISCO
Every Day I Have the Blues (Memphis Slim)2,38
Sweet Little Angel (Riley King, Jules Taub)4,12
It's My Own Fault (King, Taub)3,29
How Blue Can You Get? (Leonard Feather)3,44
Please Love Me (King, Taub)3,01
You Upset Me Baby (King, Taub)2,22
Worry, Worry (Maxwell Davis, Taub)6,24
Woke Up This Morning (My Baby's Gone) (King, Taub)1,45
You Done Lost Your Good Thing Now (Joe Josea, King)4,16
Help the Poor (Charlie Singleton)2,5
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