2016-Discos del Mes

12-dias-pedro-cortejosa

El saxofonista gaditano Pedro Cortejosa (Cádiz 1968) forma parte de esa gran hornada de músicos de jazz que durante las dos últimas décadas vienen apretando fuerte a lo largo y ancho de la geografía andaluza.
 
Pedro Cortejosa no es nuevo en la escena del jazz porque él, junto a otros grandes músicos, forman parte del valioso patrimonio jazzístico andaluz y español. Sus comienzos están vinculados a una estupenda y prolífica cantera gaditana de músicos de jazz nucleados en torno al mítico “Cambalache Club” entre los que cabe destacar a: Chano Domínguez, Javier Ruibal, Javier Galiana, Juan Galiardo, Manolo Perfumo, Antonio Mesa, David León, Teresa Luján y Alfonso Gamaza entre otros. De ese grupo de músicos nacieron muchas formaciones que hoy pertenecen a la memoria musical del jazz de Andalucía, entre ellas la estupenda “Sonora Big Band” de Cádiz en la que Pedro Cortejosa dejó su impronta con  su saxo en numerosas ocasiones.
 
Ya entonces Pedro Cortejosa apuntaba alto, porque poseía el don de la creatividad y una capacidad innata para desplegar con su saxo una amplia sonoridad, como posteriormente quedaría demostrado en sus registros tanto individuales como grupales.
 
Hasta llegar a “12 Días”, el álbum recomendado por nuestra sección de jazz para empezar el año 2016, Pedro Cortejosa había grabado anteriormente tres discos: “Mosaico” en 2002; “Numen” en 2005 y “Trivio” en 2009 y había transitado por varias formaciones germinales del jazz moderno en Andalucía: “Mais que nada Quinteto”, la “Blues Band” de Granada, “Los Trapecistas”, “Nota im Blues”, “Azul”, “Confirmation Quinteto”, la Orquesta de Jazz de Andalucía dirigida por Perico Sambeat, la ya citada  “Sonora Big Band” de Cádiz y finalmente su propio cuarteto. 
 
En ese fructífero caminar por la senda del jazz, dio un paso más creando su propio grupo y fundando en 2014 su propio sello discográfico, “Corleone Música Creativa”  junto al batería David León, con el que producen varios discos importantes: “Ocho”; “Corleone Dúo” y “Multiverso Imagen”. 
 
“12 Días”, nuestro álbum del mes de Enero de 2016, fue concebido por Pedro Cortejosa como una especie de reto personal y musical; una propuesta experimental muy intima en la que la idea de partida era enfrentarse cada uno de los 12 días de grabación con una composición distinta: 12 días, doce tonalidades y 12 temas sin interrumpir el flujo creativo durante ese tiempo bajo ninguna circunstancia. El resultado de esa experiencia compositiva es este disco con 12 temas absolutamente diferenciados entre sí y que se mueven oscilando entre lo extrovertido y lo intimo, entre el jazz más clásico y el free. Cada tema refleja un estado de ánimo diferente, una tonalidad diferente, una forma distinta e improvisada que cada día fluía de manera creativa a partir de un texto, un acorde o una simple nota. 
 
El álbum está producido por Pedro Cortejosa y Jorge Moreno y está editado por Factoría Jazz” para Blue Asteroid Record, el sello discográfico creado por Jorge Moreno (Naima Jazz Café), y que en su todavía breve catálogo, hay algunas joyas del jazz moderno que se está haciendo en este Siglo XXI en Andalucía y que, en mi opinión, va camino de convertirse, si no lo es ya, en un icono dentro de los sellos discográficos de jazz en España.  
 
12dias-pedro-cortejosaEl disco, que tuve el honor de que Pedro me lo dedicase en una feliz coincidencia en el Teatro Central de Sevilla,  viene presentado en una cuidada y elegante edición enriquecida por un precioso libreto con textos del propio Pedro Cortejosa (con excepción del poema “El Príncipe” que es de Amada Blasco Vallés y las letras de “Mirella” y “La Flor”, que son de Elie Massias) y varias ilustraciones, una por cada tema del disco realixadas por: Fernando Rivas, Aurora Villaviejas, Guridi, Fernando Pérez, Federico Granell, Ximo Abadía, Inma Serrano, Raul Ruíz Mateos, Jimi Macías, Nanen García, Sergio Olivoti y Javier Infante.ros, correspondiendo a cada una de sus piezas. 
 
“12 Días” es en definitiva un disco grande, uno de los mejores álbumes de jazz que he escuchado en este año que ahora nos ha dicho adiós y que de principio a fin, rezuma música creativa e improvisada, la esencia misma del jazz. Su música es envolvente, reflexiva, onírica y cautivadora. Un disco que es capaz de producirte sensaciones nuevas y matices distintos cada vez que lo escuchas. “12 días” de Pedro Cortejosa es, además de todo lo dicho, una apuesta personal de Pedro Cortejosa por mostrarnos el jazz tal y como él lo entiende: diáfano, sin aditivos ni arabescos.  
 
En el fondo ese es lo que ha hecho Pedro Cortejosa en este disco: Desnudar su alma de compositor ante nosotros durante 12 días gloriosos. 
 
Grabado en directo en Trafalgar Estudio,  Pedro Cortejosa está acompañado en este precioso trabajo por un veterano grupo de músicos, con los que ha venido compartiendo otros trabajos anteriores. Estos son: 
 
Pedro Cortejosa: saxos tenor y soprano
Elie Massias: guitarra y voz
Juan Galiardo: fender rodhes y piano
José López: contrabajo
David León: batería, percusiones y voz
 
 
LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Elie Massias.Guitarra. Voz en días 2 y 11.

Lugar de grabación: Trafalgar Estudios (El Puerto de Santa María- Cádiz)

Juan GaliardoFender Rhodes. Piano en días 1, 3 y 11.Sello discográfico: Blue Asteroid Records
José López ContrabajoNº de Serie: CMC- 07720158
David LeónBatería y percusiones. Voz en día 4.Nº de temas: 12
Pedro Cortejosa

Saxo tenor. Saxo soprano en días 4 y 6. Líder de la grabación.

 
  
 
PEDRO CORTEJOSA
 
 
pedro-cortejosaProfesor de saxo por el Conservatorio Profesional de Música “Manuel de Falla”, completa sus estudios de saxofón, armonía y música moderna en el Taller de Músics de Barcelona, seminarios de jazz de Sevilla, viajes a Berkleey (Boston) y Nueva York o Workshop Internacional de Tavira (Portugal), estudiando con profesores como Mark Turner, Jerry Bergonzi, Frank Tiberi, Paolo Fresu, Mike Mossman y Dave Santoro.
 
Durante los diez años que lleva dedicándose profesionalmente a la música, además de haber realizado grabaciones y colaboraciones en directo para numerosos grupos y solistas fuera del ámbito jazzístico, ha consolidado su nombre como un referente ineludible del jazz Andaluz, habiendo formando parte de bandas como Confirmation, Jambá Dixieland, Big Band del Teatro Central, Sonora Big Band, o su propio Cuarteto con el que edita el disco Mosaico (2002) y obtiene el Primer Premio al mejor grupo de jazz Andaluz en el Festival Internacional de Jazz de Granada. En ese año edita un nuevo disco a su nombre, Numen (2005), donde cuenta con colaboraciones de primera fila, como la de Perico Sambeat, Arturo Serra o Markku Ounaskari, entre otros. Trabajo, este, con el que ha recorrido la geografía nacional e internacional de los festivales de jazz.
 
Junto a Arturo Serra ha grabado un homenaje a Jerry Bergonzi (Sin Bergonzi. 2007) íntegramente con material compositivo del saxofonista americano. En 2009 edita su tercer disco como líder, Trivio, un proyecto singular con formación de septeto cuyo punto de partida son tres historias diferentes: Vampiros, lugares y personas. Temas libres sobre los que construir una propuesta musical creativa para todos los miembros de la banda y el oyente. Como dato novedoso, este directo cuenta con la figura del Narrador, quién a través de unos textos, va hilvanando las historias que los músicos interpretan en el escenario.
 
En 2010 graba su cuarto disco como líder, Intercambio, en esta ocasión de nuevo junto a Arturo Serra, coproduciendo el trabajo y aportando a medias el material compositivo del CD. En 2011 crea el Songbook Trío (SBT). Una formación dónde realiza una cuidadosa selección de algunos de los temas que se integran en estas cuatro grabaciones como líder: “Mosaico”, “Numen”, “Trivio” e “Intercambio”.
 
Estos diferentes discos, grabados con diversas formaciones, se actualizan ahora en este formato de trío, donde la ausencia de piano o instrumento armónico se complementa con diferentes recursos que van desde la simple y efectiva desnudez del trío hasta el uso de efectos electrónicos o loops grabados. La paleta tímbrica de esta formación gana en rango dinámico desde estas premisas. El trío acústico puede doblarse así en instrumentos, y conseguir, improvisando con estos nuevos elementos, intensidades compactas y nuevas sonoridades.
 
La música de Pedro Cortejosa nace del jazz pero bebe de otras muchas influencias. El lenguaje jazzístico se enriquece con elementos propios de la música pop, lirismo directo y sin ornamentaciones, ritmos contundentes prestados del rock o improvisación colectiva heredada de la “free music”. En Abril de 2012 se presenta el primer trabajo original de SBT: “Simetrías”. Toda la música que se incluye vuelve a ser original de Pedro Cortejosa.
 
Además de liderar estos proyectos forma parte de algunas bandas andaluzas como “Tumbando a Monk”, “Evora Cool Project” o “Parkerland Nonet”. En la actualidad experimenta con diversas formaciones de música totalmente improvisada en la que la ausencia de consigna alguna se convierte en la norma de partida para elaborar canciones del momento. Músicos como Elíe Massías, Harris Eisenstadt o Baldo Martínez son algunas de las referencias con las que el músico ha hecho incursiones en este terreno. O diversos proyectos propios, como FLED, mezcla de instrumentos acústicos y electrónicos con percusiones, MULTIVERSO, una fusión artística interdisciplinar y OTO, la unión de música y danza.
 
En 2014 funda su propio sello discográfico, CORLEONE MÚSICA CREATIVA, junto al batería David León, con el que comienza a registrar toda la fructífera colaboración de esta asociación: OCHO, CORLEONE Dúo, MULTIVERSO Imagen, etc. Dentro de el flamenco ha compartido escenario y grabaciones con artistas de la talla de Raimundo Amador, David Palomar, Diego Carrasco, entre otros. Su labor didáctica se inicia con el Grupo Jazz A-4, con el que durante un periodo de cinco años recorre centros de secundaria y universidades ofreciendo conciertos didácticos y charlas sobre la música de Jazz. Ha sido fundador del “Curso de jazz de la Universidad de Cádiz”, que este año ha celebrado su “X Edición”, impartiendo, en ese espacio de tiempo, clases de improvisación dirigida a todos los instrumentistas, saxofón, combo, teoría, armonía y lenguaje musical. En su haber tiene multitud de master class y cursos de jazz en conservatorios y escuelas de toda Andalucía. En la actualidad es profesor de saxofón del Conservatorio Profesional de Música Manuel de Falla (Cádiz). En este centro imparte el itinerario de música moderna y jazz para la especialidad instrumental de saxofón y las asignaturas “Jazz” y “El músico en el escenario”.

TEMAS DEL DISCODURACIÓN DEL DISCO
Día 1. Una fina capa de La Bemol envuelve al mundo
4,40
Día 2. Mirella5,48
Día 3. Sol5,53
Día 4. El Príncipe3,36
Día 5. El baile menguante4,43
Día 6. El viaje4,43
Día 7. Continuum2,33
Día 8. Llego tarde4,45
Día 9. Delirio3,35
Día 10. Godzilla en Gibraltar5,00
Día 11. La Flor4,56
Día 12. 12 días (caminar, morir, nacer)3,06

A Paul Bley in memorian.

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El pasado 3 de Enero de 2016 se fue del mundo de los vivos, el maestro del piano de jazz moderno, Paul Bley. Bley fue siempre un músico sin fronteras, abierto desde su perspectiva musical a todo aquello que sonaba a frrejazz, aventurero y arriesgado. Sin embargo este músico, que fue capaz con apenas 30 años de dejarnos toda una obra maestra con FOOTLOOSE, en el disco que recomendamos este mes de Febrero en la sección de jazz de nuestra asociación, siempre huyó de estereotipos y etiquetas al uso.
 
Paul Bley forma parte, sin duda alguna, de la historia del piano de jazz moderno, y con su muerte, a los 83 años, deja un camino trazado que ha recorrido durante cerca de sesenta años, la vanguardia jazzística del jazz. El maestro canadiense estuvo siempre considerado por la crítica especializada y por los aficionados al jazz, como uno de los pianistas y compositores (faceta esta donde destacó especialmente), más influyentes y autorizados del freejazz, aunque la música que salía de su cabeza y que plasmaba perfectamente al piano, era mucho más que eso.
 
Paul Bley era de esos músicos que tocaba y grababa cuando tenía algo que decir y por ello, en esos casi sesenta años de profesión, sus actuaciones en público y sus grabaciones en estudio, no son lo prolíficas que los aficionados hubiéramos deseado. Para Bley, la inspiración era un estado de ánimo, una idea rondando la cabeza, una nota sobre la que consolidar un discurso musical y no siempre aparecía regularmente.
 
Paul Bley formaba parte de esa hornada de músicos y pianistas que estaban en la cima del piano de jazz moderno y junto con Cecil Taylor, Joachim Kühn o Agustí Fernández, por citar a alguno de nuestros paisanos, tenían en común un discurso musical propio, arriesgado, atrevido, renovado y muy singular. Compatriota de otro maestro del jazz canadiense como Óscar Peterson, (ambos nacieron en Montreal con apenas 5 años de diferencia), Paul Bley estaba sin embargo en las antípodas del orondo maestro. Sus colaboraciones en distinto formato (tríos, cuartetos o quintetos) con lo más granado del Freejazz como Ornette Coleman, Don Cherry, Steve Swallow o su experiencia tocando con las vacas sagradas del jazz (Coleman Hawkins, Charlie Parker, Sonny Rollins, Lee konitz, Jimmy Giuffre, etc) nos sitúan ante un músico excepcional, probablemente en el pódium de los diez mejores pianistas de toda la historia del jazz moderno.
 
Y aunque su discografía, como ya hemos señalado, no es muy amplia, si hay auténticas perlas que el aficionado debería de conocer, como por ejemplo, su disco de debut en 1953 (tenía sólo 21 años¡¡¡) con dos genios del jazz como Charles Mingus y Art Blakey y que tenía como premonitorio título: Introducing Paul Bley)...casi nada. De ahí hasta sus últimos trabajos como el concierto grabado en Oslo en 2008, (publicado en 2014), Paul Bley ayudó como pocos a entender la música siempre desde la atalaya de la búsqueda y la revolución, un mirador al que nunca traicionó en sus seis décadas de impecable ejercicio.
 
Los testimonios discográficos que Paul Bley nos ha dejado a lo largo de esas seis décadas: Footloose, Mr. Joy, Open for love, Barrage, Closer, Ramblin, Time will tell, Annette o Reality Check...son suficientes perlas para conocer la enorme creatividad de este extraordinario músico de jazz y pianista que nunca renunció a su compromiso con la creatividad. Disfruten de su música con este extraordinario álbum titulado Footloose, grabado en 1963 para el sello Savoy con el formato de trío junto a Steve Swallow al bajo y Pete LaRoca a la batería.
 
LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Steve SwallowBajoLugar de grabación: New Jersey
Pete La RocaBateríaSello discográfico: Savoy Records
Paul Bley Piano y líderNº de Serie: MG-12182
  Nº de temas: 8
  Fecha de grabación: Agosto 1962-Septiembre 1963
 

 

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE PAUL BLEY

 

OPEN TO LOVE (1973) 

PARTNERS (1989)

HOMAGE TO CARLA (1992)

"Open to Love", es probablemente, junto con Footloose, el disco recomendado de nuestra sección en el mes de Febrero, la obra más reconocida de Paul Bley. Grabado una década después de Footloose, este álbum forma parte de una de las grabaciones de piano de jazz más influyentes del jazz moderno, y una de las grabaciones más importantes de todo el catalogo del prestigioso e innovador sello alemán: ECM.

Consta de siete pistas, cinco de los cuales fueron compuestas por Carla Bley (su ex esposa) y dos composiciones originales de Paul Bley. Un disco brillante de un músico y pianista ya en plena madurez.

Paul Bley cuando grabó este disco, ya había conocido y colaborado con Gary Peacock en 1962, así que este nuevo encuentro ya contaba con la seguridad de que entre ellos había cierto grado de empatía musical. Y efectivamente, Partners, es una especie de puesta en escena común  donde ambos maestros convierten la grabación a lo largo de los 15 temas recogido en el álbum, en una especie de toma y daca continuo, un desafío a la creatividad del uno sobre el otro.

De hecho, diez de esos quince temas son improvisaciones solistas de cada músico alternándose entre ellos de manera simultanea. Muy recomendable.
 
Homage to Carla es, obviamente, el tributo musical que Paul Bley rinde a su ex-esposa, la compositora Carla Bley, una mujer clave en la evolución musical de Paul Bley y de otros grandes músicos del jazz moderno surgidos en la dos últimas décadas del siglo XX.
 
La música que contiene es extraordinariamente bella, y Bley logra transmitir lo que quería cuando lo grabó: una experiencia muy intima generada en una relación que fue más allá de lo personal con Carla Bley. Magnifico.
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PAUL BLEY
 
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Nacido en Montreal, el pianista Paul Bley, llegó al jazz con una excelente formación académica. Estudió piano y violín completando un curso (1950-1952) en la prestigiosa "Julliard School" de New York. Músicos de prestigio le ayudaron a salir adelante con trabajos ocasionales en clubes, bares y pequeños locales. Así conoció y entabló amistad, con Charles Mingus, Oscar Petifford e incluso Charlie Parker. En 1953, graba un disco con el contrabajista y figura del bebop, Charles Mingus y el excepcional baterista, Art Blakey, que tuvo un notable éxito. En 1955, se trasladó a Los Ángeles y orientó su carrera a formas musicales más avanzadas y progresistas. Su quinteto de finales de los años cincuenta, incluía a los cuatro miembros del "Ornette Coleman Quartet" original antes de su formación.
 
Conoció y se casó con la compositora, Carla Borg, a quien alentó para que compusiera de manera libre y sin prejuicios ni ataduras. Acompañó en los primeros años de los sesenta a figuras en ciernes del jazz como, Sonny Rollins, o a artistas súper consagrados como el propio, Charles Mingus. Siempre flirteando con la vanguardia jazzística. Paul Bley, es una referencia indiscutible en el jazz moderno que se hace en el mundo desde los setenta hasta ahora. Con setenta años cumplidos, este maestro del piano sigue cultivando su talento para la composición de manera extraordinaria.     
 
Colabora con la Jazz Composers Guild, junto con su esposa Carla Bley, separándose de ambas en 1964, aunque participa en el manifiesto del free jazz que se plasma en la "revolución de octubre de 1964", junto con Cecil Taylor y Archie Shepp. A partir de 1968 comienza a interesarse por los teclados electrónicos y los sintetizadores, trabajando junto a la cantante Annette Peacock, aunque desde mediados de la década de 1970 regresa al piano acústica en formato de solo. Ya en los años 1980, vuelve a tocar en cuarteto, con John Surman, Paul Motian y Bill Frisell.
 
En 1999 se publica su autobiografía, Stopping Time: Paul Bley and the Transformation of Jazz y, en 2003, la obra Time Will Tell: Conversations with Paul Bley. Un año después, en 2004, se publica en italiano el libro Paul Bley: la lógica del caso. En 2007 graba su último disco en estudio para el sello Justin Time y un año después, en 2008, es nombrado miembro de la Orden de Canadá y graba en Oslo su último álbum en directo en el Festival de Jazz de Noruega. El álbum no se publicó por ECM hasta 2014. Paul Bley fallecía el 3 de Enero de 2016 y con él se fue uno de los grandes creadores del piano de jazz moderno.

TEMAS DEL DISCODURACIÓN DE LOS TEMAS
When Will The Blues Leave
6,08
Floater6,23
Turns3,14
Around Again4,04
Syndrome7,07
Cousins4,39
King Korn3,57
Vashikar4,06
daniel-canoDaniel Cano es un trompetista andaluz (Palos de la Frontera-1983) que reparte su presencia entre Londres y Sevilla. Colaborador en discos de O Sister!, comenzó su formación musical en el Conservatorio de Huelva para después pasar por esa cantera inagotable para el jazz que es Musikene. En 2011 formó parte de Ornetillos, un grupo tributo a Ornette Coleman que fue la única formación española en la final del Concurso Internacional de Jazz de Getxo. En el último trimestre de 2015, publicó con el jovencísimo y selecto sello discográfico sevillano "Blue Asteroid Records", su primer disco como líder, un álbum en quinteto titulado: Don't Touch The Blue. 
  
Como suele ser ya habitual y "marca de la casa" en Blue Asteroid Records, el diseño del disco es de una sobria elegancia, haciendo honor a la influencia de Blue Note con la que este sello nació. Destacar que ocho de los nueve temas del disco son composiciones originales de Daniel Cano que ha trasladado al disco, su experiencia musical y su bagaje formativo en los últimos 5 años de su carrera profesional como músico de jazz. El único tema versionado en el disco es todo un clásico de los standars de jazz: "Chelesea Bridge", compuesto por Billy Straihorn.
 
Don't Touch The Blue es un álbum dificil de encasillar en un determinado estilo jazzístico; a lo largo de los más de cincuenta minutos de música, aparece el hardbop, el freejazz, el groove, el funk y por supuesto el swing, un elemento imprescindible en cualquier disco de jazz que se precie. Antes de grabar este álbum, Daniel Cano había actuado de sideman en tres magníficos trabajos: Dreams (2012) con Carlos Bermudo, Spooky Sessions (2014) con O'Sister y con Lakunza Brothers (2012). Y algo de todos ellos hay en este magnífico Don't Touch The Blue. 
 
Disco moderno y clásico al mismo tiempo, redondo y maduro para ser su primer trabajo y sorprendente por el riesgo de sus composiciones y por el altísimo nivel de los músicos que junto a Daniel Cano, intervienen en la grabación: Pedro Cortejosa a los saxos tenor y soprano, Paco Charlín al contrabajo, Wilfried Wilde a la guitarra, y Jesús Pazos a la batería. Desde el primer tema del álbum, la arrolladora pieza "Sin Trom", hasta el magnífico solo de trompeta de Daniel Cano en el blues que le da nombre al disco, todo el álbum atrapa al oyente en una sinfonía musical que fluctúa entre el optimismo, la reflexión, y el equilibrio entre tradición y modernidad. Disco importante con el que debuta un músico andaluz que se acercó al jazz a través de otras influencias musicales y que merece estar por méritos propios, entre los discos recomendados por la sección de jazz de Apoloybaco en este año 2016.
 
LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Pedro CortrejosaSaxos tenor y soprano.Fecha de grabación: Febrero 2014
Paco CharlínContrabajo.Sello discográfico: Blue Asteroid Records
Wilfried Wiley Guitarra.Nº de Serie: DCQ-012154
Jesús PazosBatería.Nº de temas: 9
Daniel CanoTrompeta, fliscornio, composición y líder. 
 
DANIEL CANO
 
daniel-canoDaniel Cano (Huelva, 1983) es un trompetista, fliscornista, compositor y educador residente en Canterbury (Inglaterra) desde 2014. Ha actuado y/o grabado con músicos de jazz de renombre como: Doug Sides, Paco Charlín, Bob Sands, Pedro Cortejosa, Dick Pearce, Wilfried Wilde, Arturo Serra, Markku Ounaskari, Harris Eisenstadt, Carlos Bermudo, Lakunza Brothers, Andalucia Big Band, entre otros. En 2015 publicó su primer álbum como líder, titulado “Don’t touch the blue”, editado por Blue Asteroid Records.
 
Daniel Cano y los “Ornetillos” (banda tributo a Ornette Coleman) fue uno de los cuatro grupos elegidos, a nivel mundial, para participar en la final del “Concurso Internacional de Grupos de Getxo” en la edición de 2011. Ganó el “Premio Impulso BBK” con Lakunza Brothers Sextet en 2012. “Daniel Cano Quintet” participó en la final del “Concurs de Jazz a Castelló” en la edición de 2010 y en 2012 en el “Concurso de Jazz Palma Comercial”. 
 
Ha impartido Master Classes y workshops de trompeta, improvisación, ensemble y composición en jazz en España en el “X Seminario de Improvisación de Siero” (Asturias), Conservatorio Profesional de Música de Huelva, “Pentagrama de Culturas” (Badajoz) y “Taller Permanente de Jazz y Música Moderna” (Huelva).
 
Daniel Cano estudió en Musikene, el prestigioso Conservatorio Superior de Música de San Sebastián donde se diploma en Jazz-Trompeta, en 2012, y donde tuvo la oportunidad de actuar con Perico Sambeat. Sus profesores han sido reconocidos músicos de jazz como Chris Kase, Bob Sands, Bill McHenry, Guillermo Klein, Andrzej Olejniczak, Roger Mas y Miguel Blanco. Actualmente, Daniel mantiene una activa agenda de conciertos entre Inglaterra y España.
 
De él ha dicho el italiano Paolo Fresu, quizás uno de los trompetistas más importantes que hay en Europa: "El álbum es un hard bop bien hecho que de vez en cuando se desliza también hacia Douglas. Lo que más impacta es el sonido, claro y definido. Tiene algo que no se puede catalogar y datar como les pasa, por ejemplo, a los jóvenes trompetistas italianos." 
 
 
TEMAS DEL DISCODURACIÓN DEL DISCO
Sin Trom
3,39
Changes5,37
¿Tú siempre tienes que ser el mismo?4,38
Don't touch the blue5,41
Plutón5,38
Chelsea Bridge7,36
Buenordias5,08
Sanae6,39
Canción Carpiana5,43

illuminationMe ha llegado del siempre selectivo sello discográfico “Quadrant Records”, este precioso trabajo de Rafa Madagascar, un excelente pianista y arreglista colombiano que reside desde hace algunos años en Barcelona, ciudad donde obtuvo en 2004, el Grado Superior en el prestigioso Conservatorio del Liceo.
 
Pianista versátil y autodidacta, sus orígenes musicales se desarrollaron entre el latin jazz, la salsa y otros ritmos afrocaribeños. En esos ámbitos grabó casi una docena de discos entre 2000 y 2012, a su nombre unos, y como sideman otros.  Y no es hasta el 2015 cuando decide reunir a un grupo de grandes músicos bajo el clarificador nombre de "Ancestral Project", y grabar este excelente disco que desde nuestra sección del “Disco del Mes” de Apòloybaco, presentamos en este mes de Marzo de 2016.
 
“Illumination”, que así se llama este excelente trabajo es un disco que te conquista desde la primera nota y ya no lo abandonas hasta el último segundo de los ocho temas que componen el álbum. Aún sin renunciar a sus orígenes, Illumination no es un disco de latin jazz, ni camina por los vericuetos de la llamada y a veces difusa etiqueta de la "Fusión". "Illumination", nuestro disco del mes de marzo, es jazz sin adjetivos, música moderna con mayúsculas y con originales y creativos arreglos en todos y cada uno de los ocho temas que contiene el disco, todos ellos, es muy importante precisarlo, de cosecha propia producidos por Rafa Madagascar. 
 
El álbum está muy bien trabajado y eso se percibe desde que uno escucha las primeras  notas del primer tema que lleva por título el mismo del disco: Illumination. Contribuye a ello, sin ninguna duda, el excelente elenco de músicos que forman Ancestral Project y que acompaña a Rafa Madagascar en la grabación. El soporte rítmico a cargo de Gonzalo del Val en la batería, Nico Sánchez a la guitarra y Paco Whet en el contrabajo, son claves para consolidar una propuesta musical de primerísimo nivel. A ello se le suma la lúcida sonoridad de Vicent Macian en los saxos tenor y soprano, y el virtuosismo de Erik Ibars en la percusión para que, de ese cóctel sonoro, salga un disco irreprochable, redondo, y –por usar un término latino– sabrosón. 
 
No conocíamos de la habilidad de este pianista y arreglista colombiano, ni siquiera habíamos oído hablar de él, pero en su primer trabajo jazzístico, ha demostrado que sabe hacer bien las cosas, que conoce los ámbitos por donde se mueve el jazz contemporáneo sin necesidad de renunciar a la tradición, y que ha sido capaz de conformar un sexteto que hace música de jazz con franqueza, sentimiento, creatividad y originalidad.
 
“Illumination”, es en definitiva un magnifico principio de un camino que Rafa Madagascar tiene que seguir recorriendo. Lo estaremos esperando. Escúchenlo si pueden. 
 
LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Gonzalo del ValBatería.Lugar de grabación: Medusa Estudios (Barcelona)
Vicente MaciánSaxos tenor y soprano.Fecha de grabación: Diciembre 2015
Paco Weht Contrabajo.Sello discográfico: Quadrant Records
Nico SánchezGuitarra.Nº de Serie: Q00065J
Erik IbarsPercusión.Nº de temas: 8
Rafa MadagascarPiano, arreglos, producción y líder. 
 
  
RAFA MADAGASCAR
 
rafa-madagascarRafael Arciniegas, conocido como “Rafa Madagascar”, compositor y pianista licenciado en Grado Superior con especialización en jazz y música moderna en el Conservatorio del Liceu de Barcelona. Es uno de los pianistas de salsa y latín jazz más solicitados de la escena actual en Barcelona.
 
Comenzó su incursión en la música a la edad de 6 años de manera autodidacta bajo la batuta de su padre. Años mas tarde ingresa al conservatorio de música su ciudad natal Bucaramanga, Colombia. A su vez toma clases particulares de armonía y piano con las profesoras Irina Sachli y Victoria Zivorova. Durante su adolescencia adquiere una fuerte experiencia como pianista y productor tocando con varios grupos de jazz, orquestas de salsa y latín jazz, así como produciendo música para spots publicitarios, radio y televisión. 
 
Años mas tarde ingresa al Conservatorio de la Universidad de Bogotá. Además toma clases particulares de piano jazz con el maestro colombiano Joe Madrid y el cubano Rodolfo Argudín Justiz. En el año 2004 establece su residencia Barcelona donde estudia en el Aula de Música Moderna y Jazz, y posteriormente ingresa al grado superior en el  Conservatorio del Liceu.
Dentro de sus profesores de piano se encuentran Jon Urrutia, Iñaki Sandoval, Stefan Karlsson y Mariano Díaz. Además ha participado en masters class con músicos internacionalmente reconocidos como Michel Camilo, Joan Albert Amargós, Gary Willis, Dave Frank, Stefan Karlsson, Llibert Fortuny, Jon Robles, Gonzalo Rubalcaba y Chucho Valdez.
 
Su primer disco lo graba en el 2000 en solitario, bajo el título de “Piano para el Espíritu” de su propia autoría. En el 2009 Rafa Madagascar trío, es seleccionado finalista del concurso "Audiciones" organizado por la fundación Canal Isabel II en Madrid. Así mismo es seleccionado finalista en el Concurso de jazz de Barcelona. En el 2009 publica un nuevo disco con su trío titulado "Secret Signals" (autoeditado).
 
Vinculado al mundo del Latín jazz, la salsa y la música latina, ha realizado giras y conciertos por Bélgica, Holanda, Túnez, Francia, Eslovaquia, Hungría, Alemania, Dinamarca, Polonia, Italia, Suiza, Turquía, Reino Unido, Líbano, México, Colombia, Venezuela, formando parte de varios proyectos como La Sonora Libre, Bloque 53, Tromboranga, Tamayo Salsa Orquesta, La Sucursal S.A., Sacái Trío, Fields Quartet, Oscar Feldman Quartet (USA), Juan Ull Quartet, Sandra Ortega Dúo, Leila Sound, Gonzalo del Val, Nico Sánchez, Oscar Neira Latín Project, entre otros. Además ha trabajado con diversos artistas en el múndo de la salsa como Tony Vega, Paquito Guzmán, Maelo Ruiz, Frankie Vasquez, Osvaldo Román, Cano Estremera, Rey Ruiz, entre otros. También ha trabajado como arreglista, pianista y compositor para La Sucursal S.A. el JD Latin Project, Tromboranga y La Sonora Libre entre otros.
 
 
TEMAS DEL DISCODURACIÓN DEL DISCO
Illumination
6,54
Redemption7,52
Salma8,53
Aural Blue6,43
The Grasshopper5,53
Meditaciones6,17
Ancestral Collapse6,51
El reencuentro6,04

gatoEl 2 de Abril de 2016, falleció a los 83 años de edad en un hospital de New York, el que fuese probablemente, mejor saxofonista de jazz de Argentina, el maestro Leandro "Gato" Barbieri.

Gato Barbieri pasó, a la fama por ganar un premio Grammy al componer la célebre película de Bernardo Bertolucci: El Último Tango en París, la de la célebre escena de Marlon Brando y María Schneider. Pero esa película fue sólo un escalón de su prolija carrera como músico de jazz. Barbieri fue un extraordinario músico y compositor argentino que se empeñó desde pequeño en ser músico de jazz. Con sólo 12 años ya tocaba el clarinete y poco después, tras escuchar en una ocasión al maestro Charlie Parker, se cambio al saxo tenor. Pocos meses antes de su fallecimiento, le fue concedido un Grammy Latino en reconocimiento a toda su carrera, jalonada de grandes momentos como atestiguan sus más de cincuenta discos de jazz grabados en su carrera profesional.

No fue hasta 1953 cuando el mundo del jazz reconoció la valía de Gato Barbieri cuando el compositor Lalo Schifrin (junto con Gato Barbieri, los mejores representantes del jazz en la Argentina) lo contrató para su orquesta.: Más tarde, en los años sesenta y cuando el “freejazz” marcaba el camino del jazz, se unió al movimiento de saxofonistas que emulaban a Coltrane en su última etapa. Viajó a Europa y allí continuó con su manera de entender el jazz, la misma que en Buenos Aires le costó más de un disgusto por alinearse con las corrientes mas modernas del jazz y enfrentadas claramante al tradicionalismo. Nunca pretendio ser encasillado en estilo jazzístico alguno, le repelía incluso que tildaran su música como "Latin Jazz". En Roma tomó contacto con las vanguardia jazzística de Italaia y son célebres sus encuentros con Enrico Rava, Don Cherry o Charlie Haden. Con este último competía una visión musical por la cual consideraba que el jazz debía servir a los pueblos para hacer la revolución y abrazó la causa de los pueblos oprimidos.

Fue su activa vida musical en Roma lo que llamó la atención de Bernardo Bertolucci para encargarle la banda sonora de "El último tango en Paris". Aquello le valio para ganar fama y dinero y sus discos, con títulos comprometidos: Hasta siempre-1973 (Homenaje al Che Guevara) o Viva Emiliano Zapata-1974, empezaron a venderse como churros y poco tardó en ser comparado con el maestro John Coltrane, a quien Gato sencillamente admiraba. 

En memoria de uno de los mejores músicos de jazz de toda Latinoamérica, traemos este mes de Mayo a nuestra sección de “Disco recomendado del mes” uno de sus álbumes; probablemente el que mejor sintetiza su carácter musical. Gato Barbieri fue un personaje y un músico temperamental, y “Caliente”, el álbum que recomendamos hoy  aquí, refleja con toda la pasión posible, la manera de entender el jazz de este gran músico.

La portada del disco ya indica la fuerza del mismo; Gato entre llamas grabando un disco caliente versionando la música de dos colosos de la música: Carlos Santana y Marvin Gaye. Entre los nueve temas del álbum, algunos han quedado para la posteridad como autenticas obras de arte jazzísticas destacando: “Fiesta”; “Detrás de la lluvia”, “Los Desperados” y “Europa” fundamentalmente. Música emocional, a contracorriente del momento histórico cuando se grabó; áspera y dulce al mismo tiempo; seductora y expresiva, latina y europea al mismo tiempo. Así fue Gato y así fue su música.

Reproducimos a continuación una historia contada por el añorado y querido maestro Juan Claudio Cifuentes en su obra “El Gran Jazz” Volumen 5. (ediciones del Prado-1995) en relación con el primer encuentro físico entre John Coltrane y Gato Barbieri (Maestro y discípulo) en París.

Escribía Cifu:…..”El descubrimiento de la música de John Coltrane a través de los discos tuvo efectos decisivos en la formación de un saxofonista argentino, Leandro “Gato” Barbieri. Poco antes de abandonar Argentina par instalarse en Europa – donde tocaría y grabaría con Don Cherry, convirtiéndose en uno de los abanderados del free jazz-, quiso enviar a Coltrane un regalo por medio de un amigo, para darle las gracias por todo lo que su música le había aportado. Se trataba de un soberbio estuche para saxo tenor, en cuero verde, totalmente hecho a mano, revestido de seda en su interior, con la palabra TRANE grabada en letras de oro sobre la cubierta, ofrecido por Gato y su esposa Michelle.

El estuche fue entregado a Coltrane, pero sin conocer en absoluto la identidad del expedidor, pues Barbieri se había contentado con indicar: “De parte de un amigo de Buenos Aires”.
 
Al año siguiente los Barbieri se instalaron en Roma. Cuando se enteraron de que Coltrane iba a tocar en Milán, fueron allí a escucharlo. Al acabar el concierto se acercaron al camerino para conocerle. Allí, en un rincón, vieron el estuche que le habían enviado.
 
“¡Ah! así que sois argentinos”, exclamó Coltrane cuando fueron presentados. Y , señalando con el dedo el famoso estuche, dijo: “Precisamente es un argentino quien me ha hecho el regalo. Lo utilizo siempre”.
 
Cuando Barbieri reveló que él era el argentino en cuestión, Trane le dio las gracias efusivamente. Después, con tanta seriedad como humor, añadió: “¿Crees que podrías enviarme otro para el soprano?”.
 
¡Hasta siempre Maestro! In memorian de Gato Barbieri.
 
LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Lenny White.BateríaLugar de grabación: New York
Cachete Maldonado, Ralph MacDonald y Mtume.Percusión.Fecha de grabación: 1976
Paco Weht.Contrabajo.Sello discográfico: A&M Records
David Spinozza, Joe Beck y Eric Cale.Guitarras.Nº de Serie: AMLH 64597
Eddy Martínez y Don Grolnick.Keyboards.Nº de temas: 9
Gary King.Bajo. 
Gato Barbieri.Saxo tenor y líder. 
 
 
GATO BARBIERI
 
 
 
Gato
Gato Barbieri, descubre el saxo tenor gracias a un tío saxofonista y el jazz escuchando a Charlie Parker en 1944. Comienza tocando el requinto (clarinete pequeño). Durante cinco años toma clases particulares de clarinete en Buenos Aires, aunque también se interesa por el saxo alto y la composición. En 1955 toca en la orquesta de Lalo Schiffrin, y adopta el saxo tenor. En 1962, tras un breve periodo de tiempo en Brasil, se instala en Roma y trabaja como con el guitarrista Jim Hall, y el trompetista Ted Curson. En 1965 conoce a Don Cherry en París y graba con él dos discos para Blue Note: "Complete Communion" (1965) y "Simphony For Improvisers"(1966). Graba por primera vez bajo su nombre en 1967 dos discos ("In Search Of The Mistery" y "Obsession"). Colabora luego con Carla Bley y con Charlie Haden en la "Liberation Orchestra".
 
Sus dúos con Dollard Brand (1968) le dan a su música un giro decisivo hacia sus raíces sudamericanas, y mas ampliamente, hacia las músicas del tercer mundo. Dirige numerosos grupos, en los que intervienen entre otros: Joe Beck, John Abercombie, Stanley Clarke, Ron Carter, Lennie White, Roy Haynes, o Airto Moreira. A pesar de su triunfo en el Festival de Montreux ("El Pampero") y de su celebrada participación en la banda sonora de la película "El ultimo tango en París" de Bernardo Bertolucci, Gato Barbieri, acentúa desde 1973, las referencias a sus raíces y se rodea de músicos sudamericanos, en especial en la serie "Chapter One" a "Chapter Four" para el sello Impulse. Luego su trabajo asume moldes mas comerciales y se aleja del jazz en beneficio de un público más amplio. 
 
Receptor de la influencia coltraniana y, a la vez, marcado por su fructífera colaboración con el trompetista Don Cherry, Gato Barbieri se sitúa en el meollo de la problemática creada por la evolución del  Freejazz durante los años sesenta. Hasta su muerte, ocurrida el 2 de Abril de 2016, Gato Barbieri, fue un músico con enorme influencia y seguidores en el mundo del jazz y una de las figuras mas representativas del jazz que se hace en el cono sur de América.   
 
TEMAS DEL DISCODURACIÓN DEL DISCO
Fireflies
5,32
Fiesta5,10
Europa (Earth's Cry Heaven's Smile)4,27
Don't Cry Rochelle4,55
Adios. Part I0,33
I Want You5,58
Behind the rain5,39
Los Desperados6,19
Adios. Part II1,03
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