2002-Disco del Mes

 George RussellGeorge Russell estuvo durante demasiado tiempo en segunda fila, de modo que fuese encasillado como un "músico para músicos". Probablemente buena culpa de ello fuese el haber proporcionado a Dizzy Gillespie en 1947 el enorme éxito de su orquesta "cubana-be-cubana-bop", o a Lee Konitz en 1951 su composición estrella "Ezz-thetics".

Tuvo mala suerte cuando la tuberculosis le impidió aceptar una oferta de trabajo junto a Charlie Parker, y esa fue la misma razón por la que abandonó la batería para dedicarse al piano y la composición. Sus arreglos obtienen mucho éxito entre los músicos de jazz de New York, y es frecuente que Gil Evans, Joh Lewis, Miles Davis, Gerry Mulligan o el mismo Charlie Parker, le encarguen algunos arreglos.

Tras su exitoso disco de debut como líder en 1956, George Russell atraviesa una etapa muy creativa tocando con algunos d elos mejores jazzman del momento como John Coltrane, Benny Golson o Paul Bley. En 1960 formó su famoso sexteto, una formación con ala wue grabó entre 1960 y 1962, cinco álbumes de los cuales destaca este que recomendamos en esta sección de Apoloybaco: "Ezz-Tehtics".

La calidad de los músicos que acompañan a George Russell en esta grabación, ha sido determinante para la elección. Don Ellis era por entonces uno de los trompetistas mas vanguardistas del momento; el trombonista Dave Baker era uno de sus colaboradores habituales; Eric Dolphy aporta una memorable versión de "Round Midnight" y Russell es capaz de dirigir el grupo con maestría e inteligencia de forma que consigue que sus arreglos y sus solos al piano, no encorsetasen al setxeto.

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Don EllisTrompetaSello discográfico: Riverside
Dave BakerTrombónNúmero de serie:OJCCD- 070-2
Eric DolphySaxo Alto y ClarineteFecha de grabación. Mayo 1961
Steve SwallowContrabajoLugar de grabación: New York
Joe HunyBatería 
George RussellPiano, arreglos y líder 

 

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE GEORGE RUSSELL

 

JAZZ WORKSHOP

THE OUTER VIEW

ELECTRONIC SONATA FOR SOULS LOVED BY NATURE, 1968.

Grabado para la RCA, este disco fue el primer trabajo como líder de George Russell. La sorpresa cuando se publicó fue mayúscula, no sólo porque por entonces, y desgraciadamente aún hoy, Russell era un perfecto desconocido en el mundo del jazz, sino por la calidad de las composiciones, y la sensación de que en la grabación intervienen muchos más músicos de lo que en realidad era un sexteto.

Armonías muy originales, y composiciones complejas y densas, constituyen el cuerpo de este disco debut de uno de los músicos de jazz más originales que dio el jazz en la década de los sesenta del Siglo XX.

Otro estupendo disco de George Russell, y el último que grabó para el sello Riverside. El sextode aquellos primeros años de la década de los sesenta, fue la época más fructifera de su carrera profesional.

El álbum tiene la particularidad e escuchar por primera vez en una grabación discográfica a la maravillosa cantante de jazz, Sheila Jordan.i
 

George Russell debutó con su composición maestra de 14 partes "Sonata Electronic for Souls Loved By Nature" el 28 de abril de 1969, en un concierto en Noruega. El ambicioso proyecto, mezcla el bebop, con notas de blues, y el uso de elementos electrónicos. La masterización digital, permite a los oyentes escuchar plenamente los estilos dispares que convergen, y entender cómo los conceptos avanzados de Russell eran, sobre todo por el momento en el que se creban, muy originales. Quizás este ambicioso proyecto, fuese el paso más decidido de George Russell por no perder la estela del "free jazz2 que ya había iniciado, Ornette Coleman.

 

GEORGE RUSSELL

El compositor, arreglista, director de orquesta y pianista, George Russell (Cincinnati, 1923) encauzó sus estudios musicales siendo muy joven y pronto debuto en 1938 -con tan solo quince años- en Chicago con dos vacas sagradas del swing, Benny Carter y Earl Hines. Durante la Segunda Guerra Mundial se afincó en New York y allí encontró a Charlie Parker con el que llegó a tocar, insólitamente como baterista, interrumpiendo esa relación al contraer la tuberculosis. También se vio forzado a abandonar la batería y dedicarse exclusivamente a los arreglos.

Considerado como uno de los grandes teóricos del jazz, y a pesar de que proporcionó a Dizzy Gillespie en 1947 la famosísima composición "Cubana be-cubana bop" y a Lee Konitz: "Ezz-thetic" y "Odjenar" -dedicada esta última a su mujer, Juanita Odjenar, y grabada por Miles Davis y Max Roach, George Russell, permaneció una larga temporada oscurecido y encasillado con la etiqueta de "un músico para músicos". En 1949, trabaja para el clarinetista, Buddy de Franco a quien compone y arregla "A Bird in Igors Yard" un intento de fusión de elementos parkerianos y concepciones de Igor Stravinsky. Desde los principios de la década de los cincuenta, su trabajo se centró en el desarrollo de su recién creada "Lydian Chromatic Concept Of Tonal Organization", un esfuerzo serio y riguroso sobre la modalidad, en especial el modo Lydio, que consistía en una ampliación del abanico de notas disponibles para los solistas, improvisando sobre modos y escalas mas que sobre acordes, tal como Miles Davis había popularizado.

En 1956 aparece el primer disco como líder de George Russell íntegramente dedicado a sus composiciones e interpretadas por una pequeña formación -el Smalltet - con sus amigos, Art Farmer, Hal McKusick y Bill Evans como principales instrumentistas. El disco grabado para el sello "Koch" se titula expresivamente "Jazz Workshop" y el éxito del mismo es extraordinario. Los mismos protagonistas integran una bigband junto a solistas de la talla de John Coltrane y Benny Golson para grabar otro extraordinario disco en 1958 para el sello Impulse!: "New York, New York" con el que intentan describir musicalmente la ciudad. En el mismo formato de bigband, con Bill Evans y Paul Bley alternadose en el piano, graba otra obra maestra en 1960: "Jazz in the Space Age" para el sello DECCA/GRP. Sin interrupción alguna en su trabajo, formo su sexteto, una formación con él mismo al piano y que mantuvo hasta 1962, realizando cinco discos, siendo el grabado en mayo de 1961: "Ezz-Thetics" el mejor de todos.

A finales de 1964, y después de haber participado con su sexteto en el festival de Jazz de Paris, cruzó el charco y se afincó en Suecia durante quince largos años. En Europa su carrera se relanzó y firmó un contrato con la casa discográfica "Soul Note" con quien grabó regularmente hasta 1996. Formó una nueva bigband denominada "Living Time Orchestra", fue profesor del "New England Conservatory" de Boston y en la actualidad, octogenario ya, vive retirado de la música.

Temas

Duración

Ezz-Thetics8,57
Nardis4,34
Lydiot8,06
Thoughts5,32
Honesty9,00
Round Midnight6,33

 cecil taylorCecil Taylor representa en el jazz, la cresta de una ola imparable que ha recorrido la música de jazz en los últimos cuarenta años. Su música huye de terrenos tibios y produce en quien la escucha sensaciones encontradas: o se engancha a ella de manera irremisible, o la rechaza sin rubor.

Ya cuando grabó su primer disco, el formidable "Jazz Advance" en 1956 junto a Steve Lacy, Taylor dejó boquiabierto a todo el mundo. El pianista ofrecía una solución distinta desde la enorme influencia que le producía la música de Duke Ellington o Thelonious Monk, sus pianistas preferidos. Pero Taylor era, no solo más visceral que esos dos gigantes del jazz, sino también un absoluto provocador en sus conceptos jazzísticos. Sus posteriores trabajos para el sello Candid, son todos ellos, intentos de explorar la música de Ellington desde otro punto de vista mas espontáneos y buscando otras soluciones más radicales. En ese camino, hasta entonces ahora inexplorado, contó con la inestemable ayuda de uno de los grandes músicos de la orquesta de Ellington, el trompetista Clark Terry.

"Conquistador!", el álbum que recomendamos este mes de Octubre de 2013 en Apoloybaco, es, probablemente, su mejor trabajo. Lo graba en 1965 para Blue Note junto con  el infravalorado Bill Dixon, un músico muy representativo del frejazz, y el polifacético saxofonista alto Jimmy Lyons, inseparable de Taylor hasta su muerte, abordan con un ritmo casi asfixiante, con las notas saliendo de los instrumentos como un torrente imparable y consiguiendo un discurso coherentemente frenético, caótico y lúcido al mismo tiempo.

"Conquistador!" no es desde luego un álbum apara recomendar a los que se quieren iniciar en el jazz; al menos no es el punto de partida recomendable a quien se acerca por primera vez a esta música. Pero en cualquier caso, Cecil Taylor representa en el jazz moderno, además de un instrumentista portentoso, un indudable creador y aquí demuestra toda su enorme capacidad.

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Bill DixonTrompetaSello discográfico: Bluen Note
Jimmy LyonsSaxo altoNúmero de serie: 7243 5 76749 2 8 
Henry Grimes y Alan SilvaBajosFecha grabación: 6 de octubre de 1966.
Andrew CyrilleBateríaLugar de la grabación: Englewood Clifs, New Jersey
Cecil TaylorPiano y LíderCalificación: 5* de 5

 

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE CECIL TAYLOR

 

WHAT'S NEWS

JAZZ ADVANCE

SILENT TONGUES

Este LP nos presenta parcialmente el concierto que Taylor ofreció en directo en el Cafe Montmartre de Copenhague el año 62 y documenta a la perfección el momento en que el pianista catapulta su carrera hacia la estratosfera. Sus acompañantes tambien ponen de su parte para que el disco salga redondo. Jimmy Lyons, al saxo y Sonny Murray a la bateria.

En 1956 y 1957 Cecil Taylor apareció en la escena del jazz moderno con estas grabaciones realizadas en Boston y en el Festival de Newport y no entendidas por entonces por la mayoría de los críticos. Los oídos de los aficionados al jazz y de la mayoría de la prensa especializada no estaban preparados para esta propuesta musical de vanguardia y que sin embargo, fue el principio de lo que posteriormente se denominó "freejazz".

Grabado en directo en el Festival de Jazz de Montreux de 1974, "Silent Tongues", es uno de los mejores registros de Cil Taylor al piano solo y donde interpreta una "suite" de cinco movimientos, junto con un par de breves bises. Taylor utilizaba el piano con el concepto rítmico de los instrumentos de percusión, y para ello creaba e improvisaba sonidos extremadamente creativos y su música era, además de pura energía, muy bella.

cecil taylorcecil taylorcecil taylor

 

CECIL TAYLOR

 

cecil taylorPianista, y compositor, Cecil Taylor (Long Island, 1933) tenía en su sangre inoculado el mestizaje que después musicalmente explotaría. Su padre originario del sur, era cocinero y sirviente de un senador y su madre era india y los abuelos escoceses. Desde 1938 estudia música bajo la dirección de una profesora de piano, con quien aprende los conceptos de la música clásica. Mas tarde estudia percusión, con músicos de la NBC Symphony Orchestra. En 1951, se marcha a Boston, donde tiene familia y al año siguiente se inscribe en el New England Conservatory. Durante tres años estudia arreglos y armonía. Es por esta época cuando descubre el bebop. Conoce a los mejores jazzmen de Boston: Gigi Gryce, Jaki Byard, Charlie Mariano, Sam Rivers y Serge Chaloff, y en 1951 cuando, en el club Hit Hat, ve por primera vez a Charlie Parker.

Cecil Taylor, siempre citó entre los pianistas que le influenciaron a Lennie Tristano, Bud Powell, Mary Lou Williams (con quien tocara en dúo veinticinco años mas tarde en 1977 en el Carnegie Hall), Horace Silver y Thelonious Monk. A partir de 1952, empieza dar cuerpo a la idea de formar sus propios grupos pero mientras tanto, forma parte brevemente de la orquesta de Johnny Hodges y toca con el saxofonista soprano, Steve Lacy, a quien incluso da clases como complemento importante de sus fuentes de ingresos.

En 1957, es contratado en el club Five Spot para acompañar al violinista-multiinstrumentista, Dick Whitemore y el club se pone de moda entre la vanguardia jazzistica. A principios de los años sesenta, además de participar en la obra "The Conection" con Archie Sheep, comienza a trabajar con el saxofonista Jimmy Lyons y el baterista Sunny Murray, que le acompañan a Europa (1962). De regreso a Nueva York, toca por ultima vez con Albert Ayler en el Lincoln Center (1963). En 1966 firma dos álbumes en sexteto para el sello Blue Note, entre ellos, el que está considerado su obra maestra, el titulado "Conquistador". Cecil Taylor no tuvo fácil el que las compañías discográficas aceptaran su música por la evidente falta de comercialidad del freejazz, y eso le obliga, a principios de los años 70, a crear su propia compañía, la Unit Core.

Se dedica a la enseñanza y colabora con bailarines y coreógrafos, entre otros con Mijail Baryshnikov (1979); realiza conciertos con el baterista Max Roach (1979); un "All Star International" (1984) compuesto por Enrico Rava, Frank Wright, John Tchicai, Andre Martínez, etc. Y con el Art Ensemble Of Chicago (1985). Energía, percusión, movimiento o danza: tres constantes que se esfuerza en dominar, con el fin de lograr perfección en el momento de la improvisación. Particularmente cuando toca en solitario, emplea un modo de desarrollo, de expansión, por acumulación y efectos de aceleración, subrayando así la idea de una "danza'' sobre el teclado. Cecil Taylor, esta unánimemente considerado, como uno de los fundadores y máximos exponentes del freejazz; su pianísmo es al mismo tiempo un derroche de virtuosismo, una demostración de fuerza con el piano y hacia el público, y de una intensidad extrema.

Temas del disco

Duración

Conquistador17,51
With (Exit)19,17
With (Exit) Alternate Take17,21

fontessa

Salvo contadísimas excepciones, y al contrario que en otros géneros musicales, los grupos de jazz no suelen tener demasiada estabilidad y en eso el Modern Jazz Quartet, creado en 1952, y activo hasta la última década del Siglo XX, fue una de esas raras excepciones. En origen, el combo estaba integrado por la sección rítmica de la orquesta de Dizzy Guillespie con John Lewis al piano, Milt Jackson al vibráfono, Ray Brown al contrabajo y Kenny Clarke a la batería.

Sólo unos meses después de su fundación, Brown dejó el sitio a Percy Heath, y en 1955, Connie Kay ocupó en las baquetas el lugar de Kenny Clarke. Sí quedó configurada la plantilla del mítico MJQ hasta sus últimos días. En el grupo era John Lewis quien definía con claridad el rumbo musical del combo; el fue quien dotó a sus miembros de esa imagen seria, con actuaciones en salas de concierto mejor que en clubes, rígida disciplina en los ensayos y sobre todo, dotó al MJQ de la mejor tradición del blues como centro de gravedad de sus discurso musical. Junto a Milt Jackson en el vibráfono, ambos fueron dos magníficos improvisadores, flexibles y sin embargo insobornables en su aportación al jazz moderno.

"Fontessa", el disco que recomendamos este mes en Apoloybaco, es su segunda grabación y contiene ejemplos de todo lo dicho. El tema que da título al álbum, es una preciosa suite a cuatro voces en forma de instrumentos que se completan perfectamente sin que rechine el sonido resultante; en la balada "Angel Eyes" domina sin rivales, el lirismo de los solos de Milt Jackson y el disco se cierra con un clásico gillespiano: "Woodyn' you" una magnifica ocasión para comprobar la afinidad del grupo con los músicos del bebop y al mismo tiempo constatar su diferente visión del mismo. Si los boopers renovaron el jazz con el expresionismo más visceral, el MJQ instauró en el seno del jazz moderno, una plausible devoción por el impresionismo.

Escucha el disco en Spotify

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
John LewisPianoSello discográfico: ATLANTIC
Percy HeathBajoFecha de grabación: 22 Enero de 1956
Connie KayBateríaLugar de grabación: New Jersey
Milt JacksonVibráfonoCalificación: 5* sobre 5

  

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE THE MODERN JAZZ QUARTET.

 

FOR ELLINGTON

LONELY WOMAN

THE COMPLETE STUDIO SESSIONS: 1951-1953

El MJQ, vio luz en 1951 a partir del cuarteto de Mil Jackson. Desde entonces es uno de los grupos mas singulares del jazz. Su presentacion en publico fue realizada con un aire de distincion musical, que sin renunciar al bebop, si lo desproveia de cualquier aspereza. Este homenaje a Duke Ellington, practicamente un mes despues de su muerte, es uno de los mejores realizados al Duke.

Un disco enorme de un grupo histórico en el jazz de mediados de siglo. "The Moderm Jazz Quartet" fue un grupo que rompió moldes y su forma de hacer jazz traspasó las fronteras de esta música. Este disco es uno de sus grandes exitos y en el homenajean indirectamente al gran músico Omette Coleman.

Una preciosa recopilación de las grabaciones completas en estudio durante los años 1951-1953, del Modern Jazz Quartet, uno de los grandes combos del jazz moderno en la historia del Jazz. Extraordinario.

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THE MODERN JAZZ QUARTET.

Formado inicialmente en 1952 por el vibrafonista, Milt Jackson, el pianista y director musical del mismo, John Lewis, el baterista, Kenny Clarke y el bajista, Ray Brown, el "Modern Jazz Quartet" es uno de los combos de jazz mas populares e influyentes de la historia del jazz moderno. Todos ellos habían pertenecido a la bigband de Dizzy Gillespie, a mediados de los años cuarenta y se establecieron como grupo por primera vez en el verano de 1951 bajo el nombre de "Milt Jackson Quartet" y solo con ocasión de una sesión de grabación.

En 1952, la formación adoptó el nombre con el que pasó a la posteridad en el jazz y al poco, Percy Heath, reemplazó a Ray Brown al contrabajo. En 1954, el grupo ya estaba suficientemente consolidado y empezó a obtener el favor del publico y comenzaron las grabaciones y conciertos con cierta asiduidad. A finales de ese año, Kenny Clarke, fue reemplazado en la batería por Connie Kay, quedando así configurado definitivamente el MJQ. El "MJQ" como ha llegado a ser conocido universalmente, consiguió alcanzar un equilibrio perfecto entre arreglos e improvisaciones debido al magnifico trabajo en la dirección musical de John Lewis, quien aportó construcciones magníficamente concebidas para que el grupo brillara con ellas. La influencia de la música y la cultura europea en Lewis, dieron al MJQ, una sucesión de formatos muscales que iban desde una suite clásica propia del Siglo XVIII como queda plasmado en su extraordinario álbum "Fontessa", hasta bandas sonoras para filmes como "No Sun In Venice".

El MJQ también disfrutaba haciendo música con sus invitados produciendo en los años cincuenta álbumes notables con Sonny Rollins o Jimmie Giuffre, o en los sesenta con Paul Desmond. Sus grabaciones con orquestas interpretando la música que John Lewis componía, era otra de sus habilidades. The Modern jazz Quartet, tuvo la capacidad y la calidad de ser escuchado en ámbitos no estrictamente jazzisticos, y eran muchos los aficionados a otros estilos de música que se mostraban interesados en su música. La prueba de ello fue cuando el sello discográfico que producía a "The Beattles", (Apple) se intereso en grabar con ellos, hecho no conocido nunca en la historia del jazz.    Hacia 1974, y dado el enorme esfuerzo que todos hacían por mantener fresco musicalmente al grupo, todos los miembros de la banda sintieron la necesidad de separarse, pero desde 1982, el productor del sello discográfico, Pablo Records, los persuadió para que, al menos una vez por año, se unieran de nuevo para realizar una gira, cosa que hicieron ininterrumpidamente hasta finales del pasado siglo.
  
Más información sobre MJQ en Apoloybaco

Temas

Duración

Versailles3,22
Angel Eyes3,48
Fontessa11,12
Over the rainbow3,50
Bluesology 5,04 
Willow weep for me 4,47 
Woodyn you 4,25 

Cuando en 1926, Ferdinand La Menthe, conocido en el mundo del jazz como Jelly Roll Morton, inicia su periplo musical con los "Red Hot Peppers", los famosos "Hot Five" de Louis Armstrong ya llevaban un año grabando discos. Es decir, mientras Armstrong iniciaba el camino triunfal que recorrería el jazz en las próximas dos décadas, Morton, con enorme calidad, eso sí, deambulaba con una música que poco tiempo ya estaba desfasada.

Morton fue un gran pianista y compositor de jazz, quizás el más importante en aquella época primigenía de los orígenes del jazz, y tuvo un destacadísimo papel en llevar el sonido sincopado del ragtime a los ámbitos del jazz, pero no fue, como é fanfarroneaba, el inventor del jazz.

En este álbum recopilatorio de sus música grabadas para el sello Víctor, recoge sus grandes composiciones entre 1926 y 1939 al frente de los Red Hot Pepper, es una magnífica visión para conocer como sonaba el jazz de la segunda década del Siglo XX. Morton supo formar un grupo muy compacto, muy bien trabajado en los ensayos y los dotó de un sonido propio gracias a unos arreglos – del propio Morton – muy comoeljos para la época y que se adelantaban a su tiempo ofreciendo a los solistas su propio espacio en el grupo.

Con las series limitaciones de tres minutos que imponían las grabaciones en los años veinte, supo con sólo siete mucisos, alcanzar un perfecto equilibrio entre escritura e improvisación, utiliaando para ello todas las combinaciones posibles. En su banda los solistas no tenían cortada la inspiración y los arreglos estaban hechos para dar consistencia al sonido colectivo.

Destacan entre ese ramillete de pequeñas "obras maestras" de tres minutos de duración , el tema que abre el disco: "Black bottom stomp", el maravilloso "Smokehouse Blues" (que no es un blues), y el maravilloso "Grandpa's Spell". Morton ofrece asimismo algunas joyas en formato de trío como "Wolverine Blues" o su conocidísimo: Mr Jelly Lord".

Los cambios del jazz en la década de los treinta con la irrupción volcánica de la época del swing, y la crisis del 29 en los EE.UU, marcaron el final de su brillante carrera en las postrimerías de los años treinta.

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
George Mitchell, Sidney de Paris, Clifford Brown, Clark Terry y Maynard Ferguson Trompetas Sello discográfico: RCA/BLUEBIRD 
Kid Ory y Claude Jones Trombones Número de serie: CD ND 86588
 Omer Simeon, Johnny Doods y Albert NicholasClarinetes Fecha grabación: entre 1936 y 1939 con distintas formaciones 
Joe Garland, Joe Thomas y Sidney Bechet Saxos Lugar de grabación: Chicago. Camden y New York. 
 Johnny St CyrBanjo y Guitarra Calificación: 5* sobre 5. 
John Lindsey Contrabajo 
Andrew Hilaire, Baby Dodds y Zutty SingletonBatería 
Jelly Roll MortonPiano y arreglos 

 

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE JELLY ROLL MORTON.

 

THE CRONOLOGICAL JELLY ROLL MORTON: 1923-1924

DOCTOR JAZZ

THE LIBRARY OF CONGRESS RECORDINGS. VOL 1 AL 5.

El prestigioso sello Milestone, edió en 1974 las grabaciones originales de Morton por orden cronológico entre 1923 y 1924 para en legendario sello Gennet. Los solos de piano aquí grabados, constituyen el mejor testimonio discográfico de la transicion entre el ragtime y el jazz. Imprescindible e histórico disco, incluido en el libro "Los 100 Mejores Discos de Jazz".

Jelly Roll Morton, fanfarroneaba con ser nada más y nada menos que el "inventor" del jazz. Sin llegar a tanto, si es cierto que cubrió con enorme clarividencia, el paso entre el ragtime y el piano de jazz. El periodo de los primeros meses de 1926 al frente de los Red Hot Peppers, es el mejor testimonio grabado del jazz que se hacía en New Orleans a principios del siglo XX.

Grabadas entre Junio y Diciembre de 1938 para la Biblioteca del Congreso de los EE.UU., esta serie de 5 CD's contiene documentos insoslayables en la historia del jazz y en la carrera de Jelly Roll Morton. La propuesta para grabar estas sesiones, le vinieron cuando atravesaba horas bajas y ello le sirvió de acicate. Grabaciones históricas que quedan en la memoria colectiva del patrimonio cultural de la humanidad.

And Red Hot PeppersDoctor JazzThe Library of Congress

 

JELLY ROLL MORTON

 

Jelly Roll Morton

En los orígenes del jazz, la realidad y la fantasía se cruzan hasta un grado indiscernible. Y este es el caso de Jelly Roll Morton, (1890-1941) cuyo nombre verdadero fue Ferdinand Joseph LaMothe. Nacido en una familia de la pequeña burguesía criolla de la capital de Louisiana, se inicio en la música desde pequeño. En su adolescencia probó con la armónica, el tambor, el violín, el trombón, y la guitarra, hasta que finalmente se decidió por el piano. Realizo estudios intensos de solfeo y empleaba mucho de su tiempo para mejorar la técnica pianística para lo que recibió clases de Tony Jackson.

Tras la muerte de su madre y la desaparición de su padre, Morton, vivió con su madrina que regentaba un prostibulo en New Orleáns y allí aprendió a tocar en publico y a llevar pistola al cinto. En aquel ambiente su juventud estuvo plagada de detenciones, encierros en la cárcel, varias condenas por delitos menores y hasta una fuga de la prisión. En 1905 trabajó como pianista en el barrio de Storyville, centro de todos los tugurios y burdeles de la ciudad. Tras alguna composición exitosa, probó suerte en Chicago y mas tarde en California, ciudad que visitó cuando se celebraba la Exposición Universal de San Francisco.

Emprendió una gira por el Sur con mas fracasos que éxitos, y en 1917 recaló en Los Ángeles donde se emparejó con un paisano de New Orleáns llegando a regentar un hotel. En 1923, le llegó la oportunidad de demostrar que si en lo relativo a su vida, fue un farsante, un pequeño granuja y un embaucador, en la música fue honesto, serio y riguroso. Descubrió en Chicago que allí se tocaba el jazz de New Orleáns. En junio de aquel año están recogidas sus primeras grabaciones, un par de temas al frente de un grupo irrelevante. Pero un mes después graba sus primeros solos de piano para el sello "Gennett" con lo que se inicia, hasta mediados de 1924, uno de los tres momentos estelares de su discográfica.

Los otros dos son las grabaciones en Chicago y en New York, al frente de sus "Red Hot Peppers" entre 1926 y 1928, y por ultimo las sesiones para la Biblioteca del Congreso Norteamericano en 1938, cuando Morton ya era una leyenda viva. Los solos de piano de Morton en 1923, constituyen el mejor testimonio de la transición entre el "ragtime" y el jazz propiamente dicho. La segunda cita de su intensa carrera, comienza a finales de 1926, cuando su editor, Walter Melrose, le consigue un contrato con el sello Víctor. Durante los nueve meses siguientes, con un grupo al que llamará los "Red Hot Peppers", grabará dieciséis piezas consideradas el mejor testimonio del jazz de New Orleáns en estado original. En 1928, Morton deja Chicago, donde pasó la etapa mas feliz de su vida, y se traslada a New York, el nuevo centro del jazz y allí descubriría que su música ya no era la mas avanzada. Hacia 1930, su estilo estaba pasado de moda y sus intentos por subirse al tren de la nueva música (el swing) fracasaron. solo fue hasta finales de la década de los treinta cuando fue redescubierto para el jazz.

Fue en 1938 cuando Morton trabajaba como pianista en "The Jungle" un modesto club de Washington, cuando fue reconocido por Alan Lomax, un musicólogo de prestigio, que convenció a Morton para llevar a cabo un ambicioso proyecto musical: enfrentarlo a piano solo, con una botella de whisky y un micrófono, para grabar para la Biblioteca del Congreso norteamericano y reproducir el estilo de colegas olvidados, y dejar el testimonio mas fiel de sus habilidades pianísticas en un documento sonoro y artístico irrepetible. Fue el canto de cisne de su carrera. Dos años después, en 1941, con la salud ya muy quebrantada, Morton murió en Los Ángeles tras un episodio de afección asmática. Jerry Roll Morton y sus "Red Hot Peppers", continuaron el camino principal del jazz emprendido por Joe King Oliver y que luego continuaría, Louis Armstrong y Duke Ellington.

Temas

Duración

Black Bottom Stomp3,12
Somokehouse Blues3,26
The Chant3,11
Sidewalk Blues3,52
Dead Man Blues3,13
Steamboat Stomp3,01
Grandps's Spell2,53
Original Jelly Roll Blues3,08
Doctor Jazz3,26

our man in paris

Si en la música de jazz, Charlie Parker fue sin duda el músico que elevó el saxo alto hacía cotas inigualables, en el saxo tenor, la situación es más compleja dada la influencia de dos estilos tan dispares como los de Coleman Hawkins, y Lester Young, los dos maestros del saxo tenor en las primeras décadas del siglo XX.

Y en esa dificultad reside la meritoria tarea acometida por Dexter Gordon (1923-1990), un músico que en su juventud logró destacar en las orquestas de Lionel Hampton, Fletcher Henderson, Louis Armstrong y Billy Eckstine, y que al mismo tiempo compartió pupitre con la mayoría de los boopers. Y ahí, en esa permanente lucha por conciliar su afinidad musical con Lester Young, sin renunciar a la estética parkeriana, reside su éxito.

Ese irrenunciable sonido musculoso y potente le valió para ser punto d referencia para muchísimos saxofonistas coetáneos, entre ellos Coltrane y Rollins, quienes siempre le escucharon atentamente. Este álbum esta grabado a principios de los años sesenta, ya superada su adición a la s drogas que lo llevó, en los años cincuenta, a casi arruinar su carrera. En esa época firmó un contrato con Blue Note que originó toda una serie de extraordinarias grabaciones que dejaron huella en la historia del sello azul. Dexter Gordon grabó esta obra maestra titulada "Our Man in Paris" en Mayo de 1963 y las seis piezas que componen el álbum, son sin duda un monumento jazzístico de primer orden.

El swing contagioso, el dinamismo y la creatividad melódica presiden estas grabaciones de clásicos del bebop como "Scrapple from the apple", el tema que abre el álbum, o la maravillosa versión de "A Night in Tunisia". El homenaje a Lester, su maestro, está presente en Broadway, de desbordante alegría y su habilidad inconmensurable para las baladas, se puede comprobar en el clásico "Willow weep Foz me" o en "Stairway, to the stars".

El álbum tiene además el plus de comprobar la calidad de los acompañantes: un extraordinario Bud Powell, un maestro sabio en la batería con Kenny Clarke, y el que por entonces ostentaba el trono del rey del contrabajo en Europa, el parisino, Pierre Michelot. Un disco disfrutable de principio a fin, que está incluido entre los 100 mejores discos de la historia del jazz.

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Bud PowellPianoSello discográfico: BLUE NOTE
Pierre MichelotContrabajoFecha de grabación: Mayo de 1963
Kenny ClarkeBateríaLugar de grabación: Paris
Dexter GordonSaxo tenor y líderCalificación: 5* sobre 5

 

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE DEXTER GORDON.

 

DEXTER RIDES AGAIN

GO!

HOMECOMING

Los inicios discográficos de Dexter Gordon no está bien documentados en formato CD, y en especial su etapa inicial en el sello Savoy. Esto ocurre con "Dexter Rides Again", las unicas grabaciones disponibles del encuentro musical de Dexter Gordon con Wardel Gray, otro extraordinario tenor que en algunos de los temas del álbum caldea el ambiente de tal manera que es dificil saber cuando toca uno u otro. En este disco tambien aparece un magnifico trompetista infravalorado y que permanece oculto en espera de reconocimiento: Howard McGghee.

Desde el principio de la grabación, apenas los primeros fraseos del primer tema, estaba claro que "Go" es uno de esos discos que te dejan impregnado de una estela mágica. Grabado a cuarteto con el pianista Sonny Clark, el baterista Billy Higgins, y el bajista Warren Butch, la aportación de estos músicos es crucial para el éxito del álbum, y Dexter Gordon sobrevolando con su saxo por encima de sus acompañantes. Los discos de Dexter Gordon para el sello Blue Note tienen todos el mismo denominador común: son autenticas obras maestras.

Dexter Gordon fue un músico que daba lo mejor de sí en ambientes propios de esta música: los clubes de jazz eran su predilección y este "Homecoming", un doble álbum grabado para el sello Columbia en 1976, en el Village Vanguard, es muy representativo de su afección por las atmosferas densas e intimas de un escenario de club. Acompañado por Woody Shaw, el disco fue considerado por el prestigioso crítico de jazz, Chuck Berg, como uno de los discos de jazz más importantes de la década de los setenta, y por supuesto uno de los directos más conseguidos por Dexter Gordon en toda su carrera.

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dexterdexter

 

DEXTER GORDON.

Nacido en Los Ángeles, el que fuera uno de los mejores saxofonistas tenores del bebop y el hardbop, el joven Dexter Gordon, aprendió teoría musical y clarinete, antes de escoger, el saxo alto a los quince años y, definitivamente el tenor dos año después. Su carrera comenzó con la orquesta de Lionel Hampton, con la cual permaneció tres años. Después de actuar durante seis meses con la orquesta de Louis Armstrong (1944), fue contratado por Billy Eckstine, por un periodo de un año y medio.

De nuevo en Los Ángeles, participó en un sexteto al lado de Charlie Parker y Miles Davis, para, seguidamente, crear su primer cuarteto, con el que desarrolló una intensa actividad entre Los Ángeles y Nueva York. Durante esta época grabó con Dizzy Gillespie, Fats Navarro, Charlie Parker, J.J. Johnson y Tadd Dameron, antes de asociarse con Wardell Gray, con quien protagonizó interesantes duelos entre 1947 y 1952 y de los que nació el disco "The Chase" (1947).

Después de pasar unos años en prisión (1953-1955) por un asunto de drogas, grabó tres discos, "Daddy Plays The Horn", "Stanley The Steamer" y "Dexter Plays Hot and Cool", al que siguió un periodo de olvido para volver en 1960 cuando escribe la música para la obra de teatro, posteriormente pasada al cine, "The Connection" y graba el disco "The Resurgence of Dexter Gordon". Seguidamente firmó un contrato con Blue Note que daría siete excelentes discos, entre los que destacan "Doin' Allright", "Dexter Calling" (ambos de 1961), "Go" y "A Swingin' Affair" (ambos de 1962) y sobre todo, "Our Man In Paris" en 1963.

Dificultades laborales le impidieron el poder desarrollar todo su talento expresivo. Fue providencial la invitación a actuar al Ronnie Scott's de Londres, que significó el inicio de un largo exilio europeo. A partir de 1962 se instala en Dinamarca, donde es tratado con respeto y afecto, grabando muchos discos para el sello SteepleChase con músicos que viven o están de paso por Copenhague, como Kenny Drew, Horace Parlan o el pianista español, Tete Montoliu. Al mismo tiempo se presenta en muchos festivales europeos (Malmoe, Molde, San Remo, Berlín, Lugano) y también en pequeños clubes, dejando su magistral huella en París a través de dos discos históricos de Blue Note, el ya citado, "Our Man in París" (1963, con Bud Powell) y "One Flight Up".

Sin embargo siguió yendo a Nueva York por cortos periodos de tiempo; en 1976, por ejemplo fue contratado por el Village Vanguard, en un regreso que significó el renacimiento del Bebop en los Estados Unidos. A partir de entonces, su vida se dividió entre Estados Unidos y Europa. Su estelar participación en una de las obras cumbres del jazz y el cine como fue la película dirigida por el cineasta francés, Bertrand Tavernier en 1986 y titulada "Round Midnight" fue el punto y final glorioso a una vida llena de música y sensibilidad. 

Temas

Duración

Scrappe from the Apple7,22
Willow weep for me8,47
Broadway6,45
Stairway to the stars6,57
A night in Tunisia8,15
Our love is here to stay5,39
Like someone in love6,18
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