2017- Discos del Mes

ernesto-aurignac-anunnakisLa primera vez que escuché al saxofonista malagueño Ernesto Aurignac en directo, fue en el concierto que ofreció en el auditorio del Teatro Central de Sevilla en Noviembre de 2011 en el ciclo "Jazz en Noviembre" de aquél año. Y lo que escuché me sorprendió enormemente. Ernesto Aurignac, lideraba su grupo al que singularmente llamó "Sindicato Ornette", un expreso manifiesto musical que pretendía de manera osada pero clarividente por perseverar en la senda jazzística que inició, a mediados del siglo XX en los EE.UU, el maestro Ornette Coleman.

Desde aquel maravilloso encuentro con la música de Ernesto Aurignac, no le pierdo la pista a este enorme músico andaluz, que en mi opinión, y tras su madurez musical forjada en centenares de escenarios, en decenas de proyectos y grabaciones tanto como sideman como liderando su propia formación, forma parte ya de lo más valioso del patrimonio musical y jazzístico de nuestro país y que desde Málaga, se expande por el mundo.

Ernesto Aurignac volvió por Sevilla varios años después para actuar, casi simultáneamente, en el marco del III Festival de Jazz de Assejazz (Junio 2015) en el auditorio del CICUS y en el Teatro Central (Noviembre 2015). Su música y su faceta compositiva había crecido en madurez y en calidad y de hecho, varios meses antes, había grabado a su nombre el frente de una Big Band, su primer disco a su nombre. "UNO", que así se llamó su primer disco, fue una bocanada de aire fresco en el universo de las big bands españolas, y cosechó la critica unánime de revistas especializadas del género que no dudaron en ver el trabajo compositivo de Aurignac para bigband, la misma creatividad que otras grandes orquestas jazzísticas de primer nivel ya consolidadas en el mundo del jazz. Y es que no todos los días la prestigiosa revista especializada "All About Jazz" dicen cosas como ésta de un combo liderado por un músico español: «La Erenesto Aurignac Orchesta, es una de las orquestas de jazz más sublimemente montadas del siglo XXI».

Tras aquel primer e inmenso trabajo, que dejó boquiabiertos a críticos y aficionados, Ernesto Aurignac grabó, dos años después, su segundo disco, este que aquí presentamos y recomendamos, titulado "Anunnakis", al frente de un quinteto extraordinario formado por Jaume Llombart a la guitarra; Roger Mas al piano; Dee Jay Foster al bajo y João Lopes Pereira a la batería. El disco se grabó en directo en el templo por antonomasia del jazz en Barcelona: El Jamboree Club de la Plaza Real en Junio de 2015. "Anunnakis" es, hay que decirlo ya, un disco extraordinario, que sirvió no solo para consagrar a Ernesto Aurignac como un extraordinario instrumentista, sino que además, demostró sus dotes compositivos de una manera ejemplar.

"Anunnakis" está inmesrso en un universo imaginativo en el que Ernesto Aurignac desarrolla creatividad y virtuosismo a raudales y no se si intencionadamente o no, veo claramente un homenaje en esa música “estelar”, al maestro Sum Ra, aquél al que casi todos tomaron por loco a mediados del Siglo XX y que se autoreconocía como embajador en la Tierra del mismísimo “Ra”, la deidad faraónica que representaba la luz solar. Al menos en el concepto, en los títulos de los temas y en las ilustraciones que acompañan al disco, aparece ese mundo visionario, fantástico, e imaginario que Ernesto Aurignac ha querido transmitir con este disco. De hecho el mismo declaró en su presentación que: «El título viene en relación a inquietudes y pensamientos que genera mi cerebro desde hace muchos años y que tienen que ver con el Universo, los planetas, las galaxias, las dimensiones, los sonidos, la vida y las teorías extraterrestres y terrestres. Todos los temas que he compuesto para Anunnakis tienen un reflejo de sonidos que imagina mi cabeza a partir de estas inquietudes cósmicas».

Considerado uno de los mejores saxofonistas del panorama de jazz en España, con una increíble madurez en el lenguaje de la tradición y de la vanguardia, situado en la estela de Charlie Parker y Ornette Coleman ( y esto son palabras mayores), Ernesto Aurignac posee, además de una enorme vitalidad y un derroche de energía musical que transmite en cada trabajo que hace, la fórmula para trasladar al jazz del Siglo XXI, los conceptos básicos que hicieron grande a esta música. Todas las composiciones de "Anunnakis" son propias, así como los arreglos. De hecho, a diferencia de "UNO", su primer disco, en este trabajo a quinteto, Ernesto se empeña, y lo consigue, en buscar un estilo propio, un sello muy personal a su música y a su sonido. "Anunnakis", es jazz sincero desde el primer tema hasta el último; es la sabia mezcla de lo puro, lo tradicional y lo genuino, con lo moderno. Es a la misma vez respeto a la tradición, a sus raíces y una gran dosis de aventurerismo jazzístico basado en un gran conocimiento de los tiempos y en una capacidad innata tanto para componer como para ejercer de líder en su formación. Ya lo demostró en su primer disco como líder donde se puso, sin que le temblara el pulso, al frente de más de treinta grandes músicos, en una grabación memorable, y vuelve a pasar con su segundo trabajo "Anunnakis".

Esto es JAZZ sin amaneramientos ni veleidades, música desde el conocimiento y el reconocimiento a la tradición, arreglos magistrales, magníficas composiciones y un virtuoso maestro de su instrumento. Las claves para ser alguien grande en el Jazz. Ernesto Aurignac, como pasó hace años con el maestro gaditano Chano Domínguez, ha puesto el pabellón andaluz del jazz en todo lo alto. Y es un honor traerlo a la sección de “disco del mes” de Apoloybaco. 

 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Jaume Llombart.Guitarra.Lugar de grabación: Live in Jamboree (Barcelona).
Roger Mas.Piano.Fecha de grabación: 28 de Junio de 2015.
Dee Jay Foster.Bajo.Sello discográfico: Fresh Sound New Talent (FSNT). FSNT - 487
João Lopes Pereira.Batería.Número de temas: 6
Ernesto AurignacSaxo Alto, composición y líder.Ilustraciones: Arkaitz del Río
 
 
 
ERNESTO AURIGNAC
 
 
 
ernesto-aurignacErnesto Aurignac (Málaga-1982) , se licencia de saxofón clásico a muy temprana edad en el Conservatorio Superior de Málaga. A continuación se instala en Barcelona donde estudia jazz, armonía moderna e improvisación de forma autodidacta. Ha actuado a lo largo y ancho de toda la geografía española cosechando siempre éxitos de crítica y público. También ha actuado en Nueva York, Finlandia, Polonia, Ecuador, Francia, Chile, Australia, Rusia, Alemania, Portugal, Inglaterra, Canadá y México.

Imparte clases en Seminarios de Jazz Nacionales e Internacionales como profesor de saxofón, iniciación al jazz, combos y armonía moderna. Ha compartido elenco de profesores con músicos de la talla de George Garzone, Seamus Blake, Dave Kikoski, Peter Berstein, Bob Gullotti, John Lockwood o Steve Grossman.

Ha trabajado en multitud de formaciones con músicos de la talla de Chano Domínguez, Perico Sambeat, Joachim Kühn, Darryl Hall, Gilad Hekselman, Eric Alexander, Cèdric Hanriot, Albert Bover, Javier Colina, Marc Miralta, Alain Pérez, Albert Sanz, Anders Christensen, Alexi Tuomarila, Mike Mossman, Ramón López, Massa Kamaguchi, Deejay Foster, Andre Sumelius, David Mengual, Ramón Prats, Bob Sands, Bobby Martinez, Jesús Santandreu, Pablo Martín Caminero, entre otros, y con figuras del flamenco como Gerardo Núñez, Antonio Rey, el Rubio de Pruna, el Piraña, Jesús Méndez, Sandra Carrasco, Cepillo, La Tremendita, La Genara e Israel Fernández.

Actualmente reside en su ciudad natal donde forma parte del elenco de músicos del espectáculo “Flamenco Hoy” del cineasta Carlos Saura bajo la dirección musical de Chano Domínguez, es fundador y vicepresidente de la Asociación de Jazz de Málaga y profesor de saxofón, armonía y combos del Centro de Artes y Música Moderna “Maestro Puyana” (CAMM).

Actualmente imparte clases en seminarios de jazz nacionales e internacionales como profesor de saxofón, iniciación al jazz, combos y armonía moderna y ha compartido elenco de profesores con músicos de la talla de George Garzone, Seamus Blake, Dave Kikoski, Peter Berstein, Bob Gullotti, John Lockwood o Steve Grossman.

Ha trabajado en multitud de formaciones con músicos de la talla de Chano Domínguez,2 Perico Sambeat, Gilad Hekselman, Eric Alexander, Albert Bover, Javier Colina, Marc Miralta, Alain Perez, Albert Sanz, Anders Christensen, Alexi Tuomarila, Mike Mossman, Massa Kamaguchi, Deejay Foster, Andre Sumelius, David Mengual, Ramón Prats, Enrique Oliver, Julián Sánchez, Toni Belenguer, Bobby Martínez, Jaume Llombart, Jesús Santandreu, Pablo Martin, entre otros, y con figuras del flamenco como Gerardo Nuñez, Antonio Rey, el Rubio de Pruna, el Piraña, Jesus Mendez, Sandra Carrasco, Cepillo, La Tremendita, La Genara e Israel Fernández.

Ernesto Aurignac es fundador y vicepresidente de la Asociación de Jazz de Málaga, director de la AJM Bigband y profesor de saxofón, armonía y combos del Centro de Artes y Música Moderna ‘Maestro Puyana’ (CAMM).

 
Más información de Ernesto Aurignac en su web: http://ernestoaurignac.com
 
 
TEMAS DEL DISCODURACIÓN DEL DISCO
Ufos are here!8,42
Anunnakis12,13
La órbita de Venus10,39
El giro del Cíngulo7,27
Bienvenidos al inframundo4,56
Todos somos Monguis8,10

ODJB-1917La música que llamamos Jazz, surgió bastante antes que su sonido quedara registrado en algún formato sonoro. Desde el último cuarto del Siglo XIX, el jazz estaba incubándose en los territorios federales de Louisiana (EE.UU). Su capital, New Orleans, fue el cruce de caminos donde convergieron distintas culturas (española, francesa, anglosajona y africana) que sirvieron de crisol para forjar distintas músicas: el blues, los cantos de trabajo en las plantaciones de algodón, las percusiones africanas, el ragtime, las marchas y danzas europeas, o los ritmos calientes de la cercana Cuba.

En el árbol genealógico del jazz, cobra especial importancia, además del blues, siempre presente en la historia de esta música, el ragtime. Los “rags” fueron durante la última década del siglo XIX y las dos primeras del Siglo XX, la música más popular de los EE.UU. En una época en la que aún no se había expandido el fonógrafo, los rollos de pianola (música escrita y por lo tanto no improvisada) sirvieron para difundir esa música que, sin ser jazz, si constituyó el punto de partida para la aparición de los primeros estilos pianísticos de jazz y particularmente el estilo llamado “stride”. Los pianistas criollos y negros del Delta del Mississippi, muchos de ellos educados musicalmente en la música clásica europea, utilizaron esos rollos de pianola para interactuar directamente con sus dos manos de manera independiente y comenzaron a introducir variaciones rítmicas de forma que favorecieron el desarrollo del piano-jazz, precursor de todo lo que vendría después. El máximo artífice de esa evolución musical entre el ragtime (pianola escrita) y el jazz (música improvisada), fue James Price Johnson ( 1891-1955) que entre 1917 y 1921, dejó marcado el camino sobre el futuro del jazz.

Sin embargo no fue James P Johnson, ni ningún otro músico negro o criollo quien pasaría a la posteridad por haber grabado los primeros sonidos del jazz. Como en muchas otras cosas, el racismo impidió que músicos negros se cubrieran de gloria y fue la Original Dixieland Jass Band (ODJB) -las zetas vendrían poco después- un combo blanco, que imitaba la música negra de New Orleans, quienes en 1917 grabaron en disco los primeros testimonios sonoros del jazz de la mano de las principales compañías discográficas de la época: Víctor o Columbia, que se negaron rotundamente a que músicos negros pisaran sus estudios de grabación.

odio-1917La ODJB era, no obstante, un buen quinteto de músicos formado por el clarinetista, Larry Shields, el cornetista, Nick La Rocca, el trombonista, Eddie Edwards, el pianista Henry Ragas y el batería Tony Sbarbaro. Todos ellos habían actuado ya de forma conjunta en diversas bandas de Nueva Orleans, desde 1905, pero el grupo surge realmente en Chicago, a iniciativa del propietario de un club local llamado Booster Club, que los llevó desde el Sur y los hizo debutar bajo el nombre de "Stein's Dixie Jazz Band". Tras una disputa por temas económicos, el combo se trasladó a Nueva York, donde por recomendación de Al Jonson, actuaron en un restaurante y club nocturno de moda llamado Café Reisenweber, en Columbus Circle con la 58th Street ya con el nombre de Original Dixieland Jass Band, (originalmente con dos eses) aunque poco después apareció un anuncio de una actuación en el New York Times, ya en 1917, donde definitivamente el Jass se convirtió en Jazz. Parece ser aun que no está definitivamente documentado, que el motivo del cambio es simplemente una cuestión fonética….jass, sonaba mal y podría ser interpretado en otro sentido.

Tras actuar con bastante éxito en Chicago y Nueva York hicieron sus primeras grabaciones para la entonces denominada “Víctor Talkin Machine Company”, -heredera del actual sello RCA Records-, en febrero de 1917, que incluyeron los temas "Livery Stable Blues" y "Dixieland Jass Step" (más tarde conocida como "Original Dixieland One step"), a las que seguirían otras como "Tiger Rag", grabadas no obstante con anterioridad a 1917, aunque Columbia Records, la publicó años más tarde. Estas fueron las primeras grabaciones de jazz de la historia y se realizaron el 26 de Febrero de 1917.

odio-1917En 1919, y tras el éxito de su primera grabación, realizaron una gira por el Reino Unido, con Emile Christian en el trombón y J. Russell Robinson en el piano con el que grabaron en Londres 20 nuevos temas, grabados esta vez para el sello rival de Víctor, la Columbia Records, heredera de la actual Sony Music. Durante el transcurso de la gira, Robinson dejó la banda y fue sustituido por el pianista británico Billy Jones, que se convirtió así en el primer músico de jazz británico que participaba en una grabación de jazz. La Original Dixieland Jazz Band, desapareció en 1925, aunque hubo una breve reunificación en 1936 para realizar una actuación y grabar de nuevo su material original. De todos sus integrantes, el único que permaneció en el grupo de principio a fin, fue el baterista Tony Sbarbaro. De regreso a los EE.UU, en julio de 1920, firmaron un nuevo contrato discográfico con el sello Okeh, una discográfica norteamericana fundada en 1918 y que años después sería absorbida por la propia Columbia, no sin antes dejar en sus arcas algunas de las mejores grabaciones del jazz primigenio grabadas a principios del siglo XX.

Esta es la historia de los protagonistas que grabaron las primeras tomas discográficas de la historia del jazz y como tales han sido editadas una y otra vez por numerosas casas discográficas a lo largo de la historia. Nosotros hemos escogido para nuestra sección de disco recomendado del mes de marzo de 2017, las grabaciones originales del sello Víctor, en una edición magníficamente documentada del sello RCA publicada para su sección francesa “Jazz en Black and White” bajo la marca de “Jazz Tribune”. En este doble álbum, editado en 1992 con el número 70 de la colección, están todas las grabaciones realizadas entre 1917 y 1936 por la ODJB, con profusión de datos, muy útiles para el aficionado, relacionados con los músicos que intervienen en cada momento así como las fechas y lugares donde se produjeron.

Que lo disfruten y….¡¡¡ Larga vida al Jazz !!!

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Larry Shields.
Clarinete.

Lugar de grabación: New York y Londres.

Nick La Rocca.Corneta.Fecha de grabación: Febrero 1917 - Septiembre 1936.
Eddie Edwards (1917 y 1918) y Emile Christian (1919).Trombones.Sello discográfico: VÍCTOR RCA
Henry Ragas (1917 y 1918), J. Rusell Robinson y Billy Jones (1919).Pianos.Número de serie: 35629 00262
Tony SbarbaroBatería.Fecha de edición: 1992
 
TEMAS DEL DISCOAÑO DE GRABACIÓNDURACIÓN DEL DISCO
Livery Stable Blues19173,06
Dixieland Jass Band One-Step19172,35
At the Jazz Band Ball19182,40
Ostrich Walk19183,14
Skeleton Jangle19182,53
Tiger Rag19183,06
Bluin' The Blues19183,20
Fidgety Feet19182,43
Sensation Rag19182,57
Mournin' Blues19182,54
Clarinet Marmelade Blues 1918 2,47 
Lazy Daddy 1918 3,20 
Margie1920 3,06 
Palesteena1920 2,38 
Broadway Rose19203,16
Sweet Mamma (Papa's Getting Mad)19203,22
Home Again Blues19212,42
Crazy Blues19212,35
Jazz Me Blues19213,06
St Louis Blues19213,18
Royal Garden Blues19213,06
Dangerous Blues19213,08
Bow Wow Blues19213,14
Skeleton Jangle19362,36
Clarinet Marmelade19362,25
Bluin' The Blues19362,38
Tiger Rag19362,36
Barn Yard Blues19362,32
Original Dixieland One-Step19362,31
Bluin' The Blues19362,45
Tiger Rag19362,46
Ostrich Walk19362,35
Original Dixieland One-Step19362,33
Satanic Blues19362,43
Toddlin' Blues19362,45
Who Loves You?19362,32
Fidgety Feet19362,19

gillespie

Cada 30 de Abril se celebra en todo el mundo el Día Internacional del Jazz, una efemérides promovida e instituida desde 2011 por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación la Ciencia y la Cultura (UNESCO) y que en este año 2017 ha elegido la ciudad de La Habana (Cuba) como epicentro de todas las actividades jazzísticas que se realizan en los cuatro puntos cardinales del mundo.

Elegir a La Habana para que sea la sede central del Día Internacional del Jazz en 2017, nos parece a todos los que compartimos la lengua castellana, una decisión muy acertada por parte de la UNESCO, que reconoce la importancia capital que en la historia del jazz, ocupa desde mediados del Siglo XX, el llamado “latin jazz” o jazz latino.

El jazz fue introducido en la isla caribeña por los músicos boppers, especialmente Dizzy Gillespie, que encontraron en Cuba un caldo de cultivo excelente para esos ritmos sincopados que mezclados con las danzas, las percusiones y las tradiciones caribeñas de Cuba, fomentaron de una manera natural, la fusión de dos culturas distintas en una sola música: el jazz.

El origen de todo fueron los sonidos “afro-cubanos” autóctonos de la isla caribeña: El son, el songo, el mambo, el bolero, la charanga, el chachachá o la rumba. Es cierto que existía una importante dificultad para que los devaneos entre jazz y música cubana lograran una conjunción plena, basado sobre todo en la base rítmica regular en la que se apoyaba el swing y su contraste con la multiplicidad de ritmos propios de la música autóctona cubana.

Como bien explica y documenta nuestro socio y amigo Julián Ruesga Bono, un estupendo conocedor del jazz latino en algunos trabajos publicados, hay antecedente musicales al nacimiento del llamado “latin jazz por parte de músicos norteamericanos de jazz: Louis Armstrong hizo en 1930 una magnífica versión de “El Manisero” en inglés “The Peanut Vendor”, una composición del músico cubano Moisés Simón Rodríguez; o la conocidísima composición del puertorriqueño Juan Tizol en “Caravan” en 1939 y que popularizó Duke Ellington en el Cotton Club de Harlem.

La definitiva consolidación entre los ritmos del jazz tradicional y los ritmos afro-cubanos se establece gracias a la relación musical entre Machito y dos músicos esenciales del Bebop: Dizzy Gillespie y Charlie Parker. Sería Mario Bauzá quien propició el encuentro entre Gillespie y el conguero Chano Pozo, otra figura indiscutible en esa fusión de estilos. Bauzá y Machito organizaron los arreglos de esos sonidos afro-cubanos para rellenar el hueco existente e hicieron entender a los directores de orquestas de jazz, que no era suficiente con añadir un percusionista latino a la orquesta para que eso fuese considerado como jazz latino.

Así nació el llamado “Cubop”, una denominación que algunos historiadores le ponen fecha de nacimiento: el 29 de septiembre de 1947 con el histórico concierto de la orquesta de Dizzy Gillespie y Chano Pozo en el Carnegie Hall de Nueva York. Uno de los testimonios sonoros más importante de ésa época, es el disco Afro-Cuban Suite, grabado el 21 de diciembre de 1950, y en el que participaron, además de Charlie Parker y la banda de Machito, músicos como Harry Edison, Buddy Rich o Flip Phillips.

dizzy gillespieEl disco que recomendamos este mes en nuestra sección habitual de Apoloybaco, se corresponde con una de esos documentos sonoros de capital importancia para el desarrollo del latin jazz. Hablamos de las grabaciones completas para la Víctor Talkin Machine Company que la Gran Orquesta de Dizzy Gillespie grabó en New York entre 1946 y 1949 y que fueron editadas en un doble álbum por su heredera, la actual RCA-Bluebird en 2010.

Parte de estas grabaciones son las que hablábamos anteriormente del célebre concierto de Gillespie y su orquesta en el Carnegie Hall de New York, y el resto, ya con Chano Pozo en su orquesta, (ingresó en 1947), recoge los primeros pasos grabados de lo que hoy conocemos como “Latin Jazz”. Aquí en este disco están las célebres composiciones que dieron fama y popularidad entre el público al llamado sonido cu-bop: "Manteca", "Cubana Be” “Cubana Bop", "Algo Bueno", etc.

Luego más tarde hubo muchísimos músicos que siguieron la senda iniciada por Mario Bauzá y Chano Pozo en la parte caribeña, y de Dizzy Gillespie en la parte norteamericana. Entre los primeros podemos destacar a Tito Puente, Chico O'Farrill, Israel Cachao, Mongo Santamaría, Bebo Valdés, Paquito D’Rivera, Chucho Valdés, o Arturo Sandoval. En la parte americana, conviene resaltar la aportación de James Moody, Stan Kenton, Eddie Palmieri o Cal Tjader.

Por todo ello, consideramos muy acertada la decisión de la UNESCO de elegir a La Habana como la capital mundial del jazz en esta celebración del Día Internacional del Jazz en 217.

Disfruten de la música.

Instrumento

Músicos

Datos de la grabación

Saxos tenoresDon Byas, Joe Gayles, James Moody, George Nicholas y Yusef Lateef. Sello Discográfico: RCA VÍCTOR JAZZ CLASSICS
Saxos altoJohn Brown, Howard Johnson y Ernie Henry.Número de serie: LPM-2398
Saxo baritonoRay Brown, Al McKibbon y Al Gibson.Fecha grabación: Entre Febrero de 1946 y Mayo de 1949.
VibráfonoMilt Jackson.Lugar de la grabación: New York
PianosAl Haig, John Lewis y James FormanCalificación: Excelente (*****)
TrombonesBill Shepherd, Ted Kelly, Andy Durya, Sam Hurt y Jesse Tarrant.

 

BateríasKenny Clarke y Joe Harris.  
GuitarrasBill DeArango, John Collins y Teddy Stewart. 
CongasChano Pozo y Willie "Bobo" Guerra. 
Trompetas Dave Burns, Matthew McKay, Ray Orr, Elmon Wright, Lamar Wright J, Benny Bailey, Willie Cock, Little Benny Harris, Elmon Wright y Dizzy Gillespie (Trompeta y líder)

 

 


OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE DIZZY GILLESPIE

 

FOR MUSICIANS ONLY

JAZZ AT MASSEY HALL

GROOVIN' HIGH

Una tipica jam sesion en estudio dio como resultado este disco considerado unanimemente una obra maestra absoluta e indiscutible.

Adrenalina de la buena y en cantidad para una autentica sesión de jazz en estudio, en el que los músicos dan todo lo que lleva dentro. Uno de los grandes discos de Dizzy y Stan Getz.

A principios de 1953, la "New Jazz Society" de Toronto, en Canadá, organiza un concierto con los mejores músicos de jazz escogidos por votación de sus socios.

Fueron seleccionados para tocar en el Teatro Massey Hall, de Toronto: Charlie Parker, al saxo alto, Dizzy Gillespie, a la trompeta, Bud Powell, al piano, Charles Mingus, al contrabajo, y Max Roach, a la batería.

La mayoría de los temas aquí recogidos, constituyeron las primeras muestras grabadas del bebop, la "nueva música de jazz" que contribuyó de manera decisiva el desarrollo de lo que hoy, casi un siglo después, conocemos como "jazz moderno". Esta música venía incubándose desde el principio de los años 40 en las jam sessions que se desarrollaban en el Minton's Playhouse y otros clubes y garitos de Harlem. 

groovin high

 

DIZZY GILLESPIE

dizzy gillespie

John Birks Gillespie, fue el menor de los nueve hijos de una familia donde su padre, albañil de profesión, tocaba el piano en una orquesta de aficionados. Su primer instrumento fue el trombón pero desistió pronto dada la corta longitud de sus brazos, lo que le impedía alcanzar todas la notas. A los catorce años empezó a practicar con una trompeta de un vecino y su afición por el que sería el instrumento donde paso a la gran historia del jazz comenzó en serio hasta conseguir una beca para estudiar armonía y teoría musical en el Laurinburg Institute de Carolina del Norte. Tras instalarse su familia en Filadelfia en 1935, obtuvo un puesto en la orquesta de Frank Fairfax, donde por aquel tiempo tocaba el dotado trompetista, Charlie Shavers, quien compartía trío además con un ídolo del propio Gillespie: Roy Eldridge. Como tantos otros jóvenes, Gillespie se fue a New York y allí conectó con la orquesta de Teddy Hill, y en una sesión de pruebas de la orquesta, y dado su carácter alocado, Hill le puso el sobrenombre que ya nunca le abandonaría de por vida y por el que sería conocido en la historia del jazz "Dizzy" que quería decir "alocado"·

Su estreno con la orquesta de Teddy Hill, consistió en una gira europea en 1937 y allí ejecutó su primer solo en el tema "King Porter Stomp" dando pruebas en aquel entonces, de una gran inmadurez musical. A su regreso a New York, la banda firmo un contrato en la famosa sala "Savoy Ballrom" y las cosas comenzaron a ir mejor, sobre todo con la inclusión en la banda del batería, Kenny Clarke. Es en 1939, cuando Dizzy tiene su primer encuentro jazzistico con auténticos pesos pesados del jazz, como el vibrafonista, Lionel Hamptom, el saxo alto, Benny Carter, y tres formidables saxos tenores: Coleman Hawkins, Ben Webster y Chu Berry. El resultado fue que su estilo llamó la atención de aquellos músicos que le pronosticaron un futuro prometedor. Al tiempo, su jefe, fue nombrado manager del celebre club "Myntons Playhouse", localizado en los bajos del Hotel Cecil en la calle 118 Oeste de Harlem. Un hecho que mas adelante cobraría un enorme significado, en la historia de Dizzy y en la del jazz.

Recomendado por el trompetista cubano, Mario Bauzá, Gillespie entró a formar parte de la orquesta de Cab Calloway donde nunca se encontró a gusto, dado el estilo de música que hacia el excéntrico showman. Pero el hecho que le cambió la vida y la música a Gillespie, fue el primer encuentro con el saxo alto, Charlie Parker, su autentico "alter ego". Tuvo lugar en Kansas City, cuando ambos pasaron a formar parte de la banda de Earl Hines, a principios de 1943. Allí empezaron a elaborar música de gran calidad y con una estética muy próxima a lo que muy pronto se llamaría bebop. En 1944, la Calle 52 de New York, se había convertido en la Meca del jazz, y en menos de dos manzanas, había nueve clubes que ofrecían música de alto nivel y además el Minton's, seguía en pleno auge, celebrando históricas jam session, animadas por el grupo del batería, Kenny Clarke, el saxofonista, Don Byas, el pianista, Thelonius Monk y como no, Dizzy Gillespie y Charlie Parker, que venían desarrollando el nuevo idioma musical.

Al tiempo que el bebop germinaba en los sótanos de Harlem, el que fuera vocalista en la orquesta de Earl Hines, Billy Eckstines, se lanza a la aventura de lanzar su propia orquesta y la convierte en la primera bigband del bebop. Dizzy fue su director musical y en ella se encontraban algunos de los jóvenes valores del momento: Charlie Parker al saxo alto, la cantante Sarah Vaughan, el saxo tenor, Gene Ammons, el batería, Art Blakey, etc. La orquesta de Eckstine era el laboratorio ideal para los boppers en busca de trabajo pero pronto Dizzy la abandonó en busca de aventuras musicales mas reducidas. Así forma un cuarteto con el contrabajista, Oscar Petifford, para cumplir un contrato en el club "Onyx" y en aquélla época, justo en 1945, Gillespie estaba consolidándose como la estrella del nuevo movimiento musical. Dizzy era de ideas fijas y siempre tuvo entre cejas la idea de formar su propia orquesta que formó en 1946 con la ayuda de varios músicos que creían en su proyecto. En 1947, la revista "Metronome" le nombró mejor trompetista del año, por delante de su ídolo, Eldridge y la RCA le ofreció un sustancioso contrato. Por aquélla época y dada la afición de Dizzy por los ritmos caribeños, llevó a su banda por aquellos derroteros grabando entre otros grandes éxitos, el celebérrimo "Manteca".

Se va a Europa de gira en 1948 y a la vuelta es asesinado en Harlem su percusionista, Chano Pozo. Disolvió la banda en 1950 y sus pasos se dirigen hacía las grabaciones en estudio con Charlie Parker, Bud Powell, Monk y otros músicos afines grabando una serie de discos magníficos. En 1953 participa en Toronto en el conocido concierto del siglo en el Massey Hall junto a las grandes estrellas del bebop, Charlie Mingus incluido, que grabaría aquélla histórica sesión para su recién inaugurado sello "Debut". Actúa en el primer festival de Newport, imparte enseñanzas en la "Lenox Shool of Music". Las giras con la JATP de Norman Granz, se suceden y en 1956, el Departamento de Estado, le confía la labor de actuar como embajador musical de los EE.UU. por Oriente Medio, Grecia, Yugoslavia y finalmente Sudamérica en una banda formada expresamente para la ocasión y en que Quincy Jones y Norman Granz, le ayudan a organizarla hasta el punto de que alguna vez declaró que aquélla banda fue la mejor que tuvo.

Los sesenta y la bossa nova también llamó la atención de Dizzy que incluiría algún tema en su repertorio. En los setenta forma parte de los "Giants of Jazz" formación estelar reunida por el productor, George Wein, para una serie de giras. Su actividad fue decayendo con los años pero todavía tuvo tiempo de grabar en 1989 un interesante disco a dúo con el batería, Max Roach, en un concierto en Paris. Dizzy Gillespie, murió en 1993 y con su muerte se perdió a un inigualable instrumentista que con una destreza superlativa, consiguió personalizar un fraseo cargado de arabescos y apoyado en la que fue una nueva forma de enfocar la armonía. De su pluma han salido temas tan famosos como "Salt Peanuts"; "Groovin' High"; "Be-Bop"; "A Night in Tunisia" y muchísimas otras extraordinarias composiciones que han dado larga gloria al jazz. Dizzy Gillespie hizo y hace feliz a mucha gente con su música.

Temas del disco

Duración

Manteca3,04
Dizzier and Dizzier3,00
Night in Tunisia3,03
Anthropology2,35
Ol' Man Rebop2,43
52nd Street Theme3,10
Cubana Be2,43
Cubana Bop2,39
Swedish Suite2,57
Two Bass Hit2,45
Good Bait2,45
Minor Walk2,52
ellingtonNo es la primera vez que recomendamos desde nuestra web un disco de Duke Ellington, y probablemente no será la última. Hemos recomendado al Duke Ellington pianista en su magistral trabajo titulado “Piano in the Foreground”; también lo hicimos cuando la orquesta, ya consolidada entre las mejores del mundo, contaba en sus filas con grandes instrumentistas como el maestro Jimmy Blanton al contrabajo y el genial Ben Webster al saxo tenor en esa obra maestra inmortal que es su triple álbum titulado: “Duke Ellington The Blanton Webster Band”.

 

Y para comenzar 2017, os recomendamos a la orquesta de Duke Ellington en su primera época de esplendor, la comprendida entre los años 1927-1931. En aquellos años, Ellington desde su “laboratorio” musical en el afamado Cotton Club de Harlem, estaba transformando el jazz primigenio, caracterizado por una mezcla entre ragtime y música bailable, a convertirse en la primera gran orquesta de la historia del jazz. Para que eso fuese posible se tuvieron que dar varias circunstancias: la primera el talento de Ellington para ponerse al frente de un grupo de músicos que siendo buenos, el los transformó en extraordinarios; la segunda circunstancia fue la capacidad de Ellington de rodearse de unos excelentes instrumentistas, dotados todos ellos, de un manejo extraordinario de sus instrumentos y que todos tocaran en beneficio de la orquesta. Y la tercera circunstancia que dio origen a la gran orquesta de Duke Ellington y la hizo inmortal, fue la innovación. Ellington usaba sus actuaciones diarias en el Cotton Club, un lugar donde soló era permitida la entrada al público blanco, para asumir toda clase de riesgos en sus arreglos, aventurarse en sus composiciones y desarrollando un estilo propio en los acompañamientos orquestales y coreográficos del espectáculo que se dio en llamar: “Jungle Style”. Figura clave en ese estilo fue el soberbio trompetista Bubber Miley, un auténtico especialista en el uso de la sordina “wa-wa”.

La evolución de Duke Ellington y su música hacía el jazz, tuvo un nombre clave en su formación, además de Bubber Miley, hablamos de Sidney Bechet, un músico criollo, extraordinario clarinetista y un maestro en el uso del saxo soprano, que nacido en New Orleáns, se desplazó en 1924 a New York donde entró en contacto con la orquesta de Duke Ellington cuando ésta tocaba en el Kentucky Club de la Gran Manzana. Ellington siempre hizo mención a Sidney Bechet cuando le preguntaban por el mejor músico de jazz que había conocido.

Estas grabaciones, todas originales de Duke Ellington , recogen el periodo germinal de la gran orquesta de jazz de Duke Ellington en su primera época de esplendor. Al frente de ella, Ellington puso las bases para todo lo que vino después, y para darle al jazz orquestal la dimensión, inédita hasta el momento, de todo lo que vendría posteriormente a los largo del Siglo XX. Esta antología, magníficamente editada y perfectamente documentada en lo concerniente a fechas y solistas que intervienen en cada uno de los temas de la orquesta (algo fundamental para cualquier coleccionista), comienza por un tema: “East S. Louis Toodle-00”, que sería utilizado durante doce años consecutivos por la orquesta de Ellington para abrir sus conciertos; Otro de los temas destacados del disco es su celebérrima composición “Black and tan fantasy”, con el estilo jungla en su máxima expresión y donde Ellington aborda uno de los solos de piano más reputados de toda su carrera. “The Mooche” es otro de los clásicos de su orquesta y es muy destacable el memorable dúo entre el guitarrista Lonnie Johnson y la vocalista Baby Cox. Otra de las obras maestras absolutas del disco es “Mood Indigo”, una joya de pieza versionada miles de veces por centenares de músicos a lo largo de toda la historia del jazz.

Ellington asumió en aquella época primigenia del jazz orquestal enormes riesgos, y se aventuraba por caminos aún inexplorados. Su orquesta en aquellos años no tenía rival y por ella pasaron enormes músicos que en muchos casos forjaron posteriormente una brillantísima carrera en solitario o como lideres de sus propias formaciones; hablamos de los trompetistas Cootie Williams y el ya citado Bubber Miley, del trombonista puertorriqueño, Juan Tizol, de los clarinetistas, Barney Bigard, Harry Carney y el ya citado, Sidney Bechet; de los saxofonistas Johnny Hodges y Ben Webster; del guitarrista Lonnie Johnson o de la vocalista Baby Cox. Su orquesta jamás pasó de moda y se enriquecía permanentemente con la llegada de nuevos solistas que pasaron a formar parte de la legenda del jazz.

Escuchen este disco con atención, porque de aquí nació la leyenda de Edward “Duke “ Ellington”.

Feliz año 2017 a todos, amigos y amigas de la sección de jazz de Apoloybaco.

LOS MÚSICOS (FORMACIONES DIVERSAS)LOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Bubber Miley, Arthur Whetsol, Freddy Jenkins y Cootie Williams.Trompetas.Sello discográfico: KING JAZZ
Juan Tizol, Tricky y Sam Nanton.Trombones.Número de serie: CD KJ 144 FS
Barney Bigard, Otto Hardwicke y Harry Carney.Clarinetistas.Fecha de grabación: Entre Noviembre de 1926 y junio de 1931.
Johnny Hodges. Saxo tenor. Lugar de grabación: New York, Hollywood y Camden.
 Fred Guy.Bajo y guitarra. Número de temas: 22
Lonnie Johnson.Guitarra Calificación: 5* sobre 5
Marck Shaw.Tuba 
Wellman Braud.Contrfabajo. 
Sonny Greer.Batería.  
Baby Cox.Vocalista 
Duke Ellington.Piano, composición, arreglos y líder. 


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DUKE ELLINGTON

 

duke ellingtonEdward Kennedy "Duke" Ellington, nació en el seno de una familia que nunca pasó necesidades económicas ya que su padre era mayordomo de una casa de gente adinerada y su madre procedía de una familia negra acomodada. Recibió además de una excelente educación burguesa un porte de elegancia aristocrática que llevaría durante toda su vida, de ahí el apodo de "Duke" (Duque) que le pusieron sus amigos. Su educación musical empezó con el piano de su madre y aunque recibe clases de dos profesores, todavía tardaría bastante tiempo en aprender a leer música. En 1919 abandona los estudios de diseño y decoración, decide casarse con con una amiga de la infancia y busca en la música su profesión.

Es en 1921 cuando Duke Ellington, forma su primer y propio grupo con músicos locales al que llamaría "The Duke's Serenaders" primero y luego los famosos "The Washingtonians" con Elmer Snowden, como responsable de la banda. En 1923, deciden dar el salto a New York y la experiencia no es muy positiva pero logran tocar durante algunas semanas en la banda de Wilbur Sweatman, que actuaba en el "Lafayette Theatre". Tras algunas idas y venidas de Washington a la Gran Manzana, consiguen un contrato en el club "Hollywood" donde una noche los escucha tocar Bix Beiderbecke quien observa con gran atención el sonido de la sordina "wa-wa" que producen el trompetista, Bubber Miley y el trombonista, Charlie Irvis. Ese particular sonido sería decisivo en la elaboración del discurso musical de Duke Ellington.

En 1924, con los conocimientos musicales muy perfeccionados, la WHN, una emisora de radio local transmite el show desde el Hollywood club que ahora ha cambiado de nombre y se llama "Kentucky Club". la banda comienza a ser conocida y empiezan a salirle contratos en otras ciudades cercanas a New York. Entre 1924 y 1926 se incorporan a la banda músicos decisivos en la orquesta de Ellington, entre ellos, temporalmente el clarinetista, Sidney Bechet y el saxo barítono, Harry Carney, el primer gran especialista de ese instrumento en la historia del jazz y que permanecerá con Ellington toda su vida. Esta es la orquesta que en 1927, con una sólida formación, bien rodada y con sonido propio, daría el gran salto a la fama cuando fueron contratados para tocar en el "Cotton Club" de Harlem, un local regentado por el gangster, Owney Madden, desde 1923 y que se había puesto de moda en New York hasta el punto que era frecuentado por publico exclusivamente blanco, gente de dinero y de la alta sociedad neoyorquina. Allí estuvo cuatro años y cuando salió en 1931, estaba recubierto de gloria.

Entre 1927 y 1945, después de crear para el jazz el "Jungle Style" Duke Ellington y su orquesta alcanzan en este periodo la cumbre de su madurez artística y creativa. La orquesta de Duke Ellington en los años cuarenta  era sin duda la que poseía los mejores solistas y los instrumentistas mas virtuosos de la época y la revista Down Beat le situó en varias ocasiones por refrendo popular por encima incluso de la de Benny Goodman. Tras el declive de las bigbands, Ellington, fue el único líder de orquesta que nunca disolvió la suya. A falta de contratos pagaba a sus músicos con los dineros ingresados por sus derechos de autor y utilizaba su orquesta para componer con ella y oír su música. Pero algunos de sus solistas se marcharon entre finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta para iniciar sus carreras en solitario. A la marcha de Ben Webster, Barney Bigard, Tizol y otros, se unió una definitiva en 1951, la de su amigo, Johnny Hodges. La prensa que antes no le escatimaba elogios, anunciaba casi a diario la desaparición de la orquesta.

En 1955 vuelve  a la banda Johnny Hodges y Ellington respira aliviado y entran en nomina una serie de músicos que darían todavía mucho juego al sonido Ellington. Entre las incorporaciones mas sonadas, están los saxofonistas, Paul Gonsalves y Jimmy Hamilton, el clarinetista, Russell Procope, el trombonista, Quenti Jackson, y los trompetistas, Cat Anderson y Clark Terry. Con estos músicos y cierto escepticismo, Ellington es invitado a actuar en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Lo que pasó aquella noche está escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta al historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto"

A partir de ahí comenzaron las giras, los conciertos por todo el mundo, los discos grabados y en los últimos diez años de su vida se dedico a componer suites y conciertos sacros y su vida se apagó cuando el 24 de mayo de 1974 un cáncer terminó con su vida. Ellington ocupa para siempre, el trono de los mas grandes creadores del jazz junto a Louis Armstrong y Charlie Parker, y es sin duda alguna uno de los mas grandes compositores del Siglo XX cualquiera que sea la música que se considere y su legado es una herencia cultural que permanecerá siempre entre nosotros.

TEMAS DEL DISCO CON LAS DIFERENTES FORMACIONES

DURACIÓN

CON LA "DUKE ELLINGTON AND HIS KENTUCKY CLUB ORCHESTRA"

 

East St louis Toodle-00. 2,43

Birmingham Breakdown.

 2,50

CON "THE WASHINGTONIANS"

 

Black and tan Fantasy. 3,16
CON LA "DUKE ELLINGTON AND HIS ORCHESTRA" 
Take It Easy. 3,10
Jubilee Stomp. 2,43
The Mooche.3,12
Hot and Bothered.3,15
The Blues with a Feeling.3,13
Goin 'to Town.2,57
Misty Morning.3,18
Sweet Jazz O' Mine.2,45
Ring Dem Bells.2,50 
Old Man Blues.3,05
Creole Rhapsody. Parte 1.3,08
Creole Rhapsody. Parte 2.3,21 
Creoile Rhapsody. Partes 1 y 2.3,29 
DUKE ELLINGTON A PIANO SOLO 
Black Beauty. 2,59
CON LA "THE JUNGLE BAND" 
Doin' the Voom Voom.3,12
Rent Party Blues.3,26
CON LA "THE HARLEM FOOTWARMERS" 
Mood Indigo.2,53
Sweet Chariot2,52
Rockin' in Rhythm.2,44 
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