2004-Disco del mes

rollinsCon el año 2004 recién entrado, traemos a esta sección del disco del mes en Apoloybaco, a uno de los gigantes del jazz todavía vivo y en activo. Sonny Rollins, es un saxofonista tenor cuya contribución al jazz, sin ser tan llamativa como la de John Coltrane, si es equiparable a él en determinados aspectos. La carrera de Sonny Rollins, se vio seriamente alterada por el efecto ciclón de Coltrane, pero tuvo la suficiente serenidad para encajar ese cierto ostracismo, analizarlo, y finalmente superarlo sin merma alguna de originalidad y creatividad. La prematura muerte de Coltrane dejó a los aficionados al jazz, sin la posibilidad de que ambos entablaran una fecunda batalla por la hegemonía del saxo tenor, como ocurrió en los años treinta y cuarenta entre el gran maestro Coleman Hawkins, y el no menos extraordinario, Lester Young.

Como en la carrera de cualquier músico, la de Sonny Rollins, tuvo distintas fases. Las grabaciones primerizas, junto a Bud Powell y en el quinteto de Max Roach y Clifford Brown, nos descubren a un Sonny Rollins, bendecido por una pasmosa facilidad para hallar en el saxo nuevos colores y texturas sin necesiddad de dinamitar ninguno de sus pilares fundamentales.

Años mas tarde, ya seguro de su propio estilo y concepto, el saxofonista explota las frescuras de sus ideas en una apabullante colección de obras maestras grabadas en varios álbumes imprescindibles. Así grabó con el pianista, Ray Bryant el disco "Work Time" (Original Jazz, 1955); despues vino un disco historico que recoge la unica colaboracion con Coltrane: "Tenor Madnes" (Prestige, 1956); "Tour de Force" con Max Roach a la batería (Prestige, 1956); su primer trabajo en trío sin piano "Way Out West" (Contemporary, 1957), y los dos soberbios volúmenes grabados en trio en el neoyorquino "Village Vanguard" para el sello "Blue Note" en 1957.

En la espléndida continuidad que forman estos discos, se produce una evolución sin sobresaltos, una suave asimilación progresiva de los nuevos elementos que Rollins incorpora al acervo del jazz moderno y especialmente aquellos que afectan a la libertad. Su sonido no pierde ni un ápice de majestuosidad, y el discurso se vuelve mas imprevisible y quebradizo. En esa época, Rollins, se aficiona a los solos dilatados como único medio de explotar su inacabable caudal de ideas y con los estándares hace verdaderas recreaciones. Cuando compone, demuestra un fino instinto para improvisar melodías a menudo fáciles de memorizar. Entre tanta calidad, sobresale este disco del mes que Apoloybaco presenta en el nuevo año.

"Saxophone Colossus" se revela como la obra de un músico precozmente maduro que huye de la rutina y busca nuevos cauces para dar salida a su innato sentido de la estructura. En el primer tema, la batería danzante de Max Roach, introduce la pegadiza melodía del calipso "St Thomas", continua con una lectura magistral de "You doin't know love is", una preciosa balada y culmina con el original "Strode Rode". Sin embargo, la gloria del disco se hace esperar justo hasta el final en el ultimo tema. El prodigioso "Blue 7", un excelente ejemplo de lo que puede hacer un músico creativo con la sencilla armadura del blues.

"Blue 7", fue motivo de estudio para críticos como Martin Williams, y para musicólogos, como Ghunter Schuller. Ambos fundamentan rigurosamente la lógica interna de los solos de Rollins, pero afortunadamente, la perfección siempre trasciende las acotaciones técnicas. Hoy, ya septuagenario y con un reciente y extraordinario disco en la calle "This is What it Do" (Milestone, 2000). Sonny Rollins, es sin duda alguna, el último de los gigantes del jazz que afortunadamente, en este año 2014 del siglo XXI, continua con vida y pisando los escenarios.

 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Max RoachBateríaSello discográfico: PRESTIGE
Tommy FlanaganPianoNúmero de serie: OJCCD 291-2
Doug WatkinsBajoFecha de grabación: 22 de junio de 1956
Sonny RollinsSaxo tenor y líderLugar de grabación: Hackkensack (New Jersey)


OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE SONNY ROLLINS.
 

 

TENOR MADNESS

WAY OUT WEST

 THE BRIDGE

La prematura muerte de John Coltrane, privó a todos los aficionados al jazz de visualizar y oír lo que se avecinaba como una importante "batalla musical" por la hegemonía en los años sesenta del saxo tenor al estilo de lo que ocurrió en la década de los cuarenta con el duelo siempre dispuesto entre Coleman Hawkins y Lester Young.
"Tenor Madness" es un disco grabado en un momento histórico, ya que recoge la única colaboración grabada y conocida de ambos maestros del saxo tenor.

Este disco fue el primer disco que Sonny Rollins, grabó en trío sin piano y con la rítmica de contrabajo y batería, la faceta mas dura y pura del saxofonista. Con Ray Brown al bajo y Shelly Manne a la batería, Sonny Rollins, aflora una nueva etapa en su música mas quebradiza y cáustica. Para ello trata mordazmente temas clásicos de la música country como "Wagon Wheels" o "Im An Old Cowhand".



Después de un retiro de dos años de los estudios de grabación, Sonny Rollins firma un contrato con la RCA y su primer disco para este sello muestra a un músico sereno, reconciliado consigo mismo, y con un estilo aun mas depurado. "The Bridge" (RCA 1962) está grabado a cuarteto con el guitarrista, Jim Hall, el contrabajista, Bob Cranshaw y el batería, Ben Riley. Un disco, como casi todos los de Rollins, imprescindible.

rollins
rollinsrollins

 

SONNY ROLLINS.

Theodore Walter "Sonny" Rollins (New York, 1930) nació en el seno de una familia de emigrantes venida desde Las Islas Vírgenes, en las Antillas. Su hermano tocaba el violín y él comenzó desde pequeño a tocar el piano. Por aquélla época y siendo adolescente, compatilizaba sus estudios en la Universidad con el saxofón alto, instrumento utilizado por Louis Jordan, por aquel entonces muy popular.

Pasada esa afición inicial al saxo alto, adoptó definitivamente el saxo tenor y en New York, comenzó a frecuentar los ambientes boopers, y con dieciocho años, participó en sus primeras sesiones de grabación bajo la dirección del cantante Babs Gonzales, con el sello Capitol y con el trombonista, Jay Jay Johnson para Savoy. Ese mismo año de 1948, el pianista, Bud Powell, le elegía para formar parte de un quinteto -junto al trompetista, Fats Navarro - que dejó para la posteridad, los álbumes "Bouncing With Bud" y "Dance of the Infidels" para Blue Note ambos. Al año siguiente empezó a grabar regularmente para la casa Prestige, bajo el liderazgo de Miles Davis, y ya en diciembre llegaron los primeros discos a su nombre.

Con una progresiva maduración artística e instrumental, Sonny Rollins, grabaría en 1953 y 1954 al lado de "The Modern Jazz Quartet", Thelonious Monk, Art Farmer y especialmente, con Miles Davis, y en una de esas sesiones de grabación, tuvo por fin la oportunidad de grabar con su idolatrado, Charlie Parker. En aquel año presentó sus primeras composiciones y algunas de ellas se han convertido con el paso del tiempo en estándares del jazz, como : "Óleo", "Airegin" y "Doxy". Dejó New York con una excelente reputación y se instaló en Chicago donde coincidió con su amigo, el batería, Max Roach, que actuaba con un quinteto en el que estaba, Clifford Brown, a la trompeta. Roach le propuso unirse a ellos en sustitución del saxo tenor, Harold Land, y su permanencia con el baterista, duró año y medio.

Sonny Rollins, grabaría al año siguiente el disco cumbre de su carrera: "Saxophone Colossus" (Prestige, 1956) con Tommy Flanagan al piano, Doug Watkins, al bajo y Max Roach a la batería. En ese disco está el tema: "St. Thomas",  una composición que inaugura las inclinaciones de Rollins por el calipso -una herencia materna - y la obra maestra que cierra el álbum: "Blue Seven", un blues conceptualmente extraordinario. Aquel gran año, se cierra con Sonny Rollins de jazzman de Thelonious Monk en el disco "Brilliant Corners", otra logradísima obra de Monk. Al año siguiente modifica el formato de su música y cambia el soporte del piano y opta por el contrabajo y la batería. Así graba "Way Out West" (Contemporary, 1957), la maratoniana sesión en el Village Vanguard (Blue Note, 1957) y la "Freedom Suite" (Riverside, 1958).

A pesar de su extraordinario éxito en los cincuenta, y de estar considerado uno de los grandes saxofonistas del momento, la aparición de Ornette Coleman y la eclosión de Coltrane, en su etapa moderna, le habían desplazado de la vanguardia del jazz de la época. Decidió tomarse un respiro de un par de años donde se le veía muy a menudo ensayando de noche en el puente neoyorquino de Williamsburg -que une Manhattan con Brooklin -y a la vuelta grabó para RCA en enero de 1962, otro de sus grandes discos: "The Bridge". En ese álbum, se ve a un Sonny Rollins sereno, majestuoso y con un estilo depurado. El cuarteto que acompañó a Rollins en esa grabación fue: Jim Hall a la guitarra, Bob Cranshaw, al contrabajo y Ben Riley a la batería. Al año siguiente graba con el maestro Coleman Hawkins, otro disco extraordinario a pesar de que ambos tocaban un sonido radicalmente distinto. En 1966 grababa la banda sonora de la película "Alfie" protagonizada por Michael Caine y al año siguiente reúne la rítmica de Coltrane -Elvin Jones a la batería, Jimmy Garrison al contrabajo- mas Freddie Hubbard a la trompeta para grabar su postrero intento de subirse  a la corriente free del jazz: "Broadway Run Down" (Impulse, 1966).

Un nuevo retiro, esta vez desde 1969 a 1971, donde inicia  un flirteo con el jazz rock que no parece convencerle. Visita la India, estudia yoga y religiones asiáticas y desconcierta a los críticos y puristas que, sin embargo, no se fijan en que Rollins conserva en el jazz rock mas elementos del bop que ningún otro músico. Ya, a principios de los ochenta, volverá a ser ese improvisador impetuoso y lírico que ha dejado atrás sus inquietudes. Riguroso y austero, preocupado por la perfección, no cesará jamás de explorar el jazz.  

Temas

Duración

St. Thomas6,46
You don't know what love is6,28
Strode rode5,13
Moritat10,06
Blue 711,18

art tatumLa historia del jazz está llena de grandes encuentros entre músicos. Unas veces eran provocadas artificialmente por la industria del disco, otras eran como consecuencia de algún concurso o festival, y otras, como la de esta obra de arte, realizadas por la iniciativa de un productor que dio mucho días de gloria al jazz. Nos estamos refiriendo a Norman Granz. En la mayoría de los casos, el resultado musical no acompañó a las expectativas, pero hubo honrosas y admirables excepciones.

Este disco responde a lo segundo. En 1956, tanto Art Tatum como Ben Webster, estaban en plena madurez creativa, aunque el pianista moriría ese mismo año. Tatum era considerado el campeón incontestable del piano jazzistico desde sus portentosas grabaciones de comienzos de los años treinta, todavía hoy asombrosas por su envergadura técnica. Por su parte, Ben Webster, que vivió su momento de mayor gloria quince años atrás en la orquesta de Duke Ellington, se había consolidado mientras tanto como una de las voces mas originales del saxo tenor.

Este encuentro fue un coloquio entre iguales. El pianista representaba el grado máximo del barroquismo musical, el saxofonista, sin embargo, deslumbraba con su elegante sencillez. Supo profundizar en la faceta lírica de su instrumento, y consiguió tocar el blues como si fuera una balada, y la balada como si fuera un blues. Su impresionante sonido, con unos finales de frase donde la música se desvanece hasta quedar reducida al puro hálito, y con un vibrato terminal que casi puede palparse, ha sido imitado hasta la saciedad. Tatum por su parte, fue un pianista extraordinariamente dotado hasta el punto de carecer de parangón con ningún otro, un fenómeno aislado, al margen de estilos y modas, incapaz a la postre de dejar una escuela propia. A Art Tatum, se le elogiaba sin escatimar halagos, pero seguirle o imitarle , era arriesgarse a la trivialidad o al fracaso.

La complejidad de la música de Art Tatum, no generó ninguna clase de acritud musical. Al contrario, su universo es de una acusada evanescencia y amabilidad. A Tatum le gustaba diseccionar la melodía y hacer que el swing se presienta incluso por detrás de sus pasajes sin tiempo definido. Por todo ello, este disco, desde el comienzo hasta el final, esta presidido por la elegancia de un tiempo ralentizado; las invariables aperturas de Tatum y las serenas explicaciones del saxofonista, ajeno a enfatismos y evocando a su amigo Johnny Hodges en provechosas subidas al registro agudo son un monumento jazzistico de primer orden. Al mismo tiempo, contrabajo y batería, se mueven en el terreno de la forzosa y agradecida discreción.

En resumen, gracias al trabajo de Norman Granz al frente de su sello "Pablo", Art Tatum, pudo grabar al final de su vida la música que el quería hacer, y en los formatos que el quiso. Esta extraordinaria serie de discos, reunidos genéricamente bajo el título de "The Tatum Group Masterpieces" y complementadas con las realizadas a pianos solo bajo el titulo de "Art Tatum Solo Masterpieces", constituyen el testamento musical del pianista mas grande que haya dado el jazz en toda su centenaria historia, y este disco, absolutamente imprescindible en cualquier discoteca, es una obra maestra intemporal absoluta.

¡Disfrutadlo!

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Red CallenderBajoSello disocgráfico: PABLO RECORDS
Bill DouglasBateríaNúmero de serie: CD 2405-31
Ben WebsterSaxo tenorFecha de grabación: 11 de septiembre de 1956
Art TatumPiano y líderLugar de grabación: New York
  Calificación: 5* sobre 5

 

 OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE ART TATUM.

 

ART TATUM (1932-1934)

PIANO STARTS HERE

ART TATUM SOLO MASTERPIECES. VOL. THREE

Para empezar un disco con las primerísimas grabaciones de Art Tatum acompañando a la cantante, Adelaide Hall en 1932. Esta excelente recopilación recoge igualmente sus primeros discos de 1933, con el celebérrimo "Tiger Rag" y hasta un total de cuarenta temas (hay un segundo volumen que comprenden los años 1934-1940) en los que Tatum ya muestra en su estilo todos los elementos que contribuyeron a su enorme fama.

Por misterio de la casa Columbia, en este extraordinario disco, aparecen por un lado los cuatro temas que Art Tatum grabó para Decca-Brunswick en 1933. El resto del disco es el soberbio concierto que Tatum, ofreció en el Shine Auditórium de Los Ángeles el 2 de abril de 1949, con entre otras maravillas, un "Yesterdays" memorable.

Art Tatum, grabó en los últimos años de su vida, una larga serie de discos para el sello "Pablo", propiedad de Norman Granz. El productor tuvo la habilidad de dejar a Tatum que grabara todo cuanto quisiera y con el repertorio que escogiera. En total son mas de ocho horas de música extraordinaria (121 temas) que constituyen el testamento musical de este genio del piano de jazz. De la integral recopilada en 10 Cd's, hemos elegido este tercero para que admiren la extraordinaria versión de la composición de Fats Waller: "Jitterbug.

tatum
tatumtatum

 

ART TATUM.

El pianista, Art Tatum (1910-1956) nació en el seno de una familia de músicos aficionados. Aquejado de una ceguera casi total, ingresa con trece años en un Instituto de Columbus para estudiar violín y piano. Con dieciséis años empieza a tocar en clubes y dos años después, en 1928, y ya como profesional, es contratado por una emisora de radio local, la WSPD, en la que ocupa un programa diario de quine minutos que dado el éxito, pronto seria retransmitido a toda América por la NBC, hecho que además de publicidad, le daría una reputación extraordinaria como músico, aun sin salir de Ohio, su ciudad natal.

En 1932 se trasladó a la ciudad de Nueva York para acompañar a Adelaide Hall, con la que hizo su primera grabación, y al año siguiente graba para el sello Brunswick, sus primeros éxitos a piano solo como "Tiger Rag" o "Tea for Two", que causaron autentica sensación. Tatum fue contratado en los siguientes cinco años en los mejores clubes del país, desde Cleveland a Chicago (en el famoso "Three Deuces", de ahí a Hollywood, donde dio el famoso concierto en el "Paramount Theatre" y finalmente New York, en el "Famous Door". Su fama como el mejor pianista de la historia del jazz, ya esta solidamente establecida entre los críticos, en el publico, y por supuesto entre sus colegas músicos que lo respetan y veneran de una forma extraordinaria. En 1938, viaja a Londres para tocar en el "Ciro's" y en el "Paradise Club". De vuelta a New York, y tras un breve paso por la Costa Oeste, Art Tatum, toca en diversos locales: "Onyx Club"; "Kelly's"; y el "Café Society Downton".

En 1943, Tatum rompe con en el mundo de las actuaciones en solitario y forma un trío con el guitarrista, Tiny Grimes y el bajista Slam Stewart. El éxito del trío es instantáneo y los discos que firma para el sello MCA, son ejemplares y alcanza en aquélla época su mayor cuota de popularidad. En 1944, Tatum es una de las figuras del jazz invitadas para el célebre concierto organizado por el Metropolitan Opera House de New York para la revista "Esquirre" junto a Louis Armstrong, Billie Holiday, y Coleman Hawkins, entre otros. En los años siguiente, y ya convertido en una figura mítica, toca en los clubes de la Calle 52 de New York, realiza cada año giras por todo el país, y ni siquiera el advenimiento del bebop, le resta un ápice de fama. En 1953, firma un contrato con Norman Granz, a la razón productor del sello "Pablo" (Nombre dado en honor del pintor español, Pablo Picasso, amigo suyo y quien en correspondencia, le dibujaría el anagrama del sello) y graba en menos de tres años, un numero impresionante de discos en solitario o rodeado de algunos de los mejores músicos del momento, como Benny Carter, Ben Webster, Roy Eldridge, Buddy Rich, Lionel Hampton o Buddy de Franco, entre otros. Son sus celebres series "The Tatum solo Masterpieces" (Pablo, 1953-1955) y su no menos extraordinaria colección titulada: "The Tatum Group Masterpieces" (Pablo, 1954-1956).

Con su salud muy deteriorada y agravada por el ritmo de vida que había llevado en años anteriores, tocando noche tras noche enteras sin dormir, abusando del alcohol y rodeado de humo permanentemente, Art Tatum, empieza a mostrar signos evidentes de su enfermedad. No obstante, y sin querer abandonar la actividad musical, un soberbio concierto celebrado el 15 de agosto de 19546 en el "Hollywood Bowl" ante cerca de veinte mil personas, y la extraordinaria sesión de grabación realizada al mes siguiente, el 11 de septiembre, junto a Ben Webster, será su canto del cisne. El 4 de noviembre de 1956, lo ingresan en el "Queen Of Angels Hospital" donde fallecería una semana mas tarde, el 11 de ese mismo mes de una crisis de uremia los cuarenta y seis años de edad.

Art Tatum, ha quedado para la historia del jazz, como el mas impresionante pianista de todos los tiempos, y se le considera la figura de mayor relevancia entre prácticamente todos sus sucesores. Cualquier especialista del piano que lo escuchase hoy por primera vez, experimentará sin duda el mismo impacto que los que lo hicieron en los años treinta, y su influencia, a pesar de ser un músico clásico y no revolucionario, es incontestable en todas las generaciones de pianistas posteriores. 

Temas

Duración

Gone with the wind2,20
All the things you are2,00
Have you met Miss Jones?3,17
My one and only love1,59
Night and day2,51
Mi ideal3,20 
Where or when5,21 
Gone with the wind (toma b)2,10 
Gone with the wind (toma c)3,00 
Have you met Miss Jones? (toma b)2,21 

tete montoliuEn estos tiempos donde la música de jazz parece que vuelve a interesar a las nuevas generaciones, es obligado traer a este pequeño rincón al mas grande músico de jazz que ha habido en España. Sobran razones para incluir a nuestro querido, admirado y añorado Tete Montoliu a este rincón de Apoloybaco, pero una de ellas, es sin duda apoyar en estos momentos la campaña que un grupo de músicos y artistas españoles llevan a cabo desde hace algunos meses para fomentar la participación de músicos españoles en los distintos festivales, concursos, actuaciones y espectáculos de jazz que se suceden a lo largo y ancho de España.

Tete Montoliu, fue el mas prestigioso músico de jazz en España y este disco - el último de su carrera - fue una especie de testamento musical. Grabado el 21 de marzo de 1997 -apenas cinco meses antes de su muerte - en Barcelona en el inconmensurable escenario del Palau de la Música Catalana, fue editado de manera póstuma por su casa discográfica por expreso deseo del pianista. Tete Montoliu, cumplía por aquellas fechas sesenta y cuatro años, y a pesar de los rasgos evidentes de su enfermedad, realizó una actuación magistral en la que interpretó temas de Duke Ellington, John Coltrane, Dexter Gordon, y Thelonious Monk, sus admirados músicos y de quien siempre reconoció que habían ejercido en él toda su influencia musical.

Este disco será sin duda una excelente oportunidad de acercarse a la música de un gran pianista de jazz español.

 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Tete MontoliuPiano soloSello doiscográfico: DISCMEDI BLAU RECORDS
  Número de serie: DM45502
  Fecha de grabación: 21 de marzo de 1997
  Lugar de grabación : Directo desde el Palau de la Música de Barcelona
  Calificación: 4*/2 sobre 5

 

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE TETE MONTOLIU. 

 

BEN WEBSTER MEETS DON BYAS

TETE!

RECORDANDO A LINE

Para empezar un disco con Tete Montoliu de "sideman" de dos vacas sagradas del jazz, Ben Webster y Don Byas. Tete siempre tocó con los mas grandes del jazz y este extraordinario álbum grabado con los maestros del saxo tenor, Ben Webster y Don Byas fue su carta de presentación ante el escenario jazzistico internacional. Webster, llegó a decir de Tete cuando grabó este álbum, que "....el pianista español era el mejor músico de jazz con el que había tocado en Europa". A raíz de este álbum, se le abrieron a Tete Montoliu, todas las posibilidades de grabar a su nombre.

"El gran señor de Catalonia..." como decía graciosamente, Dexter Gordon, toca aquí acompañado por Albert "Tootie" Heath a la batería y el maestro danés del contrabajo, Niels-Henning Ørsted Pedersen, en un álbum que muchos consideran el mejor de su carrera. Tete está a un gran nivel y el trío se compenetra a la perfección.

Otro hermoso disco de Tete Montoliu. Dedicada a su amada - Line era una danesa por la que Tete estaba enamoradamente perdido- el pianista vuelca sobre las teclas toda su capacidad interpretativa para regalar a los oídos una música bella, profunda y sentimental. Uno de los grandes discos de Tete Montoliu sin duda.

centro
tetegtete
   

 

TETE MONTOLIU.

En el hasta hace poco desolador panorama del Jazz en España, la figura del extraordinario pianista barcelonés, Tete Montoliu, (1933-1997) ha brillado con luz propia y casi en solitario durante muchos años. Tete, como todos los aficionados al jazz en España lo conocíamos, nació en el seno de una familia barcelonesa de gran vocación musical: su padre integraba la Banda Municipal y la Gran Orquesta del Liceo, y su madre era una entusiasta aficionada al jazz.

Niño prodigio, ciego de nacimiento, a los cuatro años, cuando ya garabateaba con notable precisión los primeros compases de pequeñas piezas clásicas, realizó un curso de música en la Escuela de Ciegos de Barcelona y posteriormente cursó estudios en el Conservatorio Superior de Música de la Ciudad Condal, iniciándose en el jazz atraído por la escucha, paciente y entusiasmada de otro gran pianista ciego, el maestro, Art Tatum.

Tete, tuvo la suerte de ser oído por el gran maestro del vibráfono, Lionel Hampton, que quedó deslumbrado por la expresividad de Montoliu, que entonces se ganaba la vida tocando en un oscuro pub barcelonés. El músico estadounidense lo invitó a sumarse a la gira europea de su banda. También tuvo la suerte de que otro gran músico, el saxofonista afincado en Barcelona, Don Byas, le animara a tocar con el en el mítico club "Jamboree" de la Plaza Reial de Barcelona. Desde entonces, Tete, tocó con casi todos los grandes maestros del jazz: los saxofonistas John Coltrane, Dexter Gordon, Ben Webster y Stan Getz; los trompetistas, Chet Baker o Paquito D'Rivera; el baterista, Elvin Jones y el violinista, Stephane Grappelli entre otros.

A finales de los años cincuenta, dio sus primeros recitales en Nueva York, en el célebre club,  "Up of the Gate" y fue distinguido como mejor pianista europeo de jazz por sus propios compañeros. Entre sus principales trabajos discográficos, más de sesenta discos grabados en distintos formatos, destacan "Body & Soul" (Black Lion, 1971), "Tete!" (Steple Chase, 1974; "Tete a Tete" (Steple Chase, 1976), "Lunch in L.A" (Original Jazz, 1979)."The Man From Barcelona" (1990) o por fin el extraordinario directo en Madrid, "Tete en el San Juan" (Melopea, 1997).

Tete Montoliu, falleció el 24 de agosto de 1997 en Barcelona víctima de un cáncer pulmonar. Con su desaparición física de la escena del jazz, Tete Montoliu, dejó un gran vacío y la música en España perdió a uno de sus grandes creadores. Tete fue un músico irrepetible y el jazz en España está en deuda permanente con este gran músico. 

Temas

Duración

Feelings2,20
Comme D'habitude2,00
Au privade3,17
Muntaner 83 A1,59
Jo vull que m'acaiciis2,51
Acuarela3,20 
T'estimo tanto5,21 
Come sunday 2,10 
It' don't mean a thing 3,00 
In a sentimental mood 2,21 
Take the a train 2,09 
Sophisticated lady 3,22 
Cotton tail 2,20 
Cheese Cake 2,07 
Society red 3,01 
Soul Sister 2,55 
Naima 5,00 
I want to talk about you 3,07 
Lush life 3,22 
Giant step 2,11 
Monk's dream 3,29 
Ask me now 2,45 
Misterioso 3,14 
Apartment 512 4,45 

ornetteA finales de la década de los cincuenta, un muchacho tímido, un negro de Texas, fue acusado de asesinar al jazz. Su experiencia musical era hasta entonces, un par de discos grabados para el sello Contemporary, realizado bajo el patrocinio generoso del productor, Lester Koening. Aquellas grabaciones fueron el preámbulo de otras aventuras discográficas, ahora con el sello, Atlantic, donde se había ganado la confianza de su productor, Nesuhi Ertegun.

Su primer disco: "Somethin' Else!!!!" destrozó los moldes armónicos establecidos por los cuales debía improvisarse sobre los acordes de base, hizo trizas los aspectos melódicos usando sonoridades que hasta ese momento solo podían considerarse como cacofonías, y poco importaba que ya lo hubiera hecho Charles Mingus en su Pithecanthropus Erectus. Su siguiente disco, Free Jazz, grabado para Atlantic con un doble cuarteto, fue el paroxismo de la libertad sonora y constituyó la corriente mas influyente del jazz durante los años sesenta.

Junto a su principal compañero de ruta, el cornetista, Don Cherry, Coleman agudizó su faceta de compositor hasta convertirla en un elemento de peso en su música, y este es el argumento principal de la elección de este extraordinario disco para la recomendación del mes de abril de 2004 en Apoloybaco. "The Shape of Jazz to Come" es sin duda alguna uno de los grandes discos de jazz de todos los tiempos. El álbum abre con una obra maestra en forma de balada, "Lonely Woman", que ha pasado a ser con el paso del tiempo un standard clásico del jazz moderno. "Lonely Woman" produce al oírla un sentimiento de desolación tal que contrasta enormemente con el resto de las piezas del disco, que tienen un carácter mas desenfadado y casi burlón.

El resto del disco es una lección magistral basada en el espíritu del blues, rupturista, intuitivo, pura improvisación e intrínsicamente pegado a la mejor tradición cultural de la música afroamericana. Entre 1959 y 1960, la música grabada por Ornette Coleman represento y abanderó todo el movimiento del jazz moderno bajo la corriente denominada "Free Jazz". Música hecha con convicción y por lo tanto inmune al rechazo arbitrario de los "guardianes" de la ortodoxia jazzistica, anclados todavía en los sonidos de los años cuarenta. 

 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Don CherryCornetaSello discográfico: ATLANTIC
Charlie HadenBajoNúmero de serie: 13172
Billy HigginsBateríaFecha de grabación: 22 de Mayo de 1959
Ornette ColemanSaxo alto y líderLugar de grabación: Los Ángeles
  Calificación: 5* sobre 5

 

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE ORNETTE COLEMAN.

SOMETHING ELSE!!!!. THE MUSIC OF ORNETTE COLEMAN

CHANGE OF THE CENTURY

AT THE GOLDEN CIRCLE. VOL 1 y 2

Un disco que anunciaba otra forma de jazz. Ornette Coleman en su debut discográfico, destroza todos los estereotipos establecidos hasta entonces en el jazz. Rompe moldes con todo lo anterior y eleva hasta el paroxismo la libertad, ya intrínseca en el jazz, para facilitar a los músicos la capacidad de crear, elaborar e inventar la música. Something Else! fe en su época todo un testimonio de que el jazz comenzaba una nueva andadura.

Change of the Century, fue grabado para Atlantic, justo un año después del espectacular éxito cosechado por Ornette Coleman con su álbum "The Shape of Jazz to Come" y el ingrediente es el mismo jazz de entonces: creativo, gran capacidad de improvisación, con un alto grado de afinidad entre los componentes del grupo y en definitiva, un álbum disfrutable hasta la ultima nota.

Grabado en directo en una de sus giras europeas de mediados de los sesenta, en el club "Golden Circle" de Estocolmo, Ornette Coleman y su trío; David Izenzon al bajo y Charles Moffett a la batería, graban uno de los grandes discos del jazz moderno en directo. Durante dos noches consecutivas, (3 y 4 de Diciembre de 1965), este trío encandiló al entendido público sueco de tal manera que el concierto es uno de los grandes momentos del jazz en Europa.

ornette
ornetteornette

ORNETTE COLEMAN.

Ornette Coleman (Fort Worth-Texas 1930) soportó a finales de la década de los cincuenta las criticas mas feroces dirigida contra un músico de jazz en toda la historia. Fue acusado, ni más ni menos, de asesinar al jazz. Su delito fue haber grabado para el sello Contemporary, un par de discos bajo el patrocinio del productor, Lester Koening, que transgredía los espacios cerrados del jazz inmerso en un debate interiorista que a punto estuvo de reducirlo a cenizas.

En realidad, Ornette Coleman, agregó a su música la libertad intrínseca en el jazz, rompió moldes armónicos que establecía que la improvisación se establecía sobre los acordes y destrozó el concepto de la melodía usando sonoridades que hasta ése momento, solo merecían el despectivo calificativo de cacofonías; alteró la métrica rítmica, base canónica del jazz sin perder el swing (lo cual hasta ese momento parecía un contrasentido) y dejaba libertad para que sus músicos avanzaran por su cuenta sin mas norma que la atención a una suerte de comunidad emocional, aspecto este que llegaría al paroxismo en su disco: "Free Jazz" grabado para Atlantic.

Todo eso era demasiado pare servirlo en un mismo plato y las reacciones de la ortodoxia jazzistica fueron todavía mas airadas que las criticas recibidas por los boopers, de los clásicos del swing. Junto a Don Cherry, compañero de aventuras y desventuras, Ornette Coleman desarrolló una faceta de compositor de gran peso. Toda su escritura está marcada por el espíritu del blues y es en las baladas, donde su solvencia se hace mas patente. El disco cumbre de Ornette, titulado "The Shape of Jazz to Come" contiene precisamente una excepcional balada titulada, "Lonely Woman" que promueve un sentimiento de desolación total que contrasta con el resto de la música del disco que tiene un carácter mas bien burlón.

Los años 1959 y 1960, fueron sin duda los mejores años de la música de Ornette Coleman y el material grabado en esas fechas refleja una homogeneidad que solo puede venir de la convicción artística de un músico inmune al rechazo arbitrario de los demás. 

Temas

Duración

Lonely woman4,59
Eventually4,20
Peace9,04
Focus on sanity6,50
Congeniality6,41
Chronology6,05
Arriba