2006-Disco del mes

maiden voyagePara cerrar el año 2006 traemos a este rincón de nuestra web, un disco extraordinario de un pianista extraordinario que todavía hoy sigue aportando al jazz su creatividad y su talento. El primer disco de Herbie Hancock a su nombre titulado: "Takin' Off" grabado en 1962 para Blue Note (el sello de la etiqueta azul, confió desde el principio en este joven talentoso que contaba apenas 22 años) contenía un tema "Watermelon Man" claramente influenciado por la estética del Rhythm and Blues y se movía entre una melodía sencilla y pegadiza que pronto alcanzó un cierto éxito comercial. En el segundo intentó repetir suerte con la composición "blind Man, blind man" y tras el paréntesis que supuso en su trayectoria la grabación del atípico "Inventions & Dimensions", volvió a cultivar la vena funky en la célebre composición "Cantaloupe Island".

En este quinto disco de su carrera y que traemos como recomendación del disco del mes de diciembre, Herbie Hancock rompe moldes con todo lo anterior y se coloca prácticamente en una onda antagónica. En "Maiden Voyage" decidió adentrarse de lleno por caminos impresionistas, ya apuntados en trabajos anteriores, y que también esbozaba en el quinteto de Miles Davis, a cuya disciplina pertenecía desde 1963. De hecho el grupo que toca en este disco es el mismo que utiliza Miles en su quinteto con la excepción hecha del saxofonista tenor, George Coleman ya reemplazado por Wayne Shorter. La soberbia labor de Hancock al piano justifica por si solo la fama que alcanzó y que todavía conserva el disco. Sus composiciones son un modelo de capacidad descriptiva y están impregnada de una delicadez melódica que brilla con luz propia.

Lamentablemente la trayectoria de Hancock ha travesado periodos irregulares con el discutible cultivo de formas comerciales. En su biografía está el hecho histórico de que fue el primer pianista que toco para Miles Davis con un teclado eléctrico y la semblanza de un musico muy creativo que todavía sigue en la brecha a caballo entre varias etapas del jazz.

 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Freddie HubbardTrompetaSello discográfico: BLUE NOTE
George ColemanSaxo tenorNúmero de serie: CD 077 7 46339 2 5
Ron CarterBajoFecha de grabación: 17 de mayo de 1965 
Tony WilliamsBateríaLugar de grabación: New Jersey 
Herbie HancockPiano y líderCalificación: 5* sobre 5 

 

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE HERBIE HANCOCK.

 

EMPYREAN ISLES

THE PRISONER

THE QUINTET

El ya comentado disco de Hancock donde interpreta su famosa composición "Cantaloupe Island". Este disco y otros de la época, contribuyeron poderosamente a situar a Herbie Hancock en la cima del jazz de su época. La finura de sus composiciones convirtió al pianista en una de las figuras principales del periodo post-bop y su influencia en las generaciones posteriores de pianista fue indiscutible.

Traemos aquí el último disco de Herbie Hancock para Blue Note en aquella época gloriosa de su carrera. "The Prisoner" grabado en 1969, está concebido bajo el interés del musico por la orquestación. En él cuenta con la extraordinaria colaboración del saxofonista Joe Henderson y con el trompetista Johnny Coles, además de un abundante conjunto de maderas y metales que permiten a Hancock mostrar una de sus grandes cualidades cimas como compositor.

V.S.O.P fue y sigue siendo todavía el quinteto acústico por excelencia de Herbie Hancock. Formado por el trompetista y fliscornista, Freddie Hubbard, el saxofonista WEayne Shorter, el contrabajista, Ron Carter y en la batería el gran Tony Williams. Influenciado claramente por el sonido del quinteto de Miles Davis, V.S.O.P fue un intento acertado de acercar la música de jazz a ámbitos más acústicos.

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HERBIE HANCOCK.

El pianista de jazz, Herbie Hancock, nació el 12 de abril de 1940 en Chicago, y cursó estudios en el Grinnell College y en la Universidad de Roosevelt.

Con siete años empezó a tocar el piano y a los once ofreció un concierto de Wolfgang Amadeus Mozart, con la Orquesta Sinfónica de Chicago para jóvenes interpretes. Su interés por el jazz se despertó al escuchar discos de Oscar Peterson y George Shearing. En 1962 firmó su primer contrato grabando para Blue Note con Donald Byrd. Los productores del sello al oírlo tocar le ofrecieron grabar a su nombre y el pianista les respondió con el disco "Takin' Off" que incluía su primera gran composición titulada "Watermelon Man".

Durante una temporada y de forma independiente estuvo con el quinteto de Eric Dolphy (1962-1963) y en 1963 se unió al quinteto de Miles Davis. Estuvo con el trompetista hasta 1968 y se convirtió sin lugar a dudas en el soporte musical principal de Davis. Paralelamente a la formación con Davis, Herbie Hancock grabó una serie de magníficos álbumes para Blue Note, siendo el mas destacado de ellos el titulado "Maiden Voyage", toda una obra maestra del piano de jazz. Combinó diversas técnicas electrónicas con la acústica del piano creando el estilo jazz-fusión con su propia banda a comienzos de los setenta. El álbum resultante de toda esa música fue el titulado "Headhunters" que se convirtió en el álbum de fusión mas vendido de todos los tiempos hasta su publicación.

Hancock, mezcló estilos y recursos como el pop, el hard-rock, la música disco sintetizada, técnicas de doblaje musical y edición de mezclas. Tuvo la idea de reunir a todos los músicos que habían estado con Miles Davis y formó una banda llamada: "VSOP" con notable éxito de critica y publico. Durante los años ochenta descubrió la música scratch, basada en un efecto rítmico original del rap, y junto a su nuevo grupo, la Rockit Band, exploró los ritmos de la música urbana contemporánea. Su single "Rockit" fue número uno en las listas de éxitos y ganó un Grammy a la mejor grabación instrumental. Hancock logró un Oscar por la Academia de Hollywood (1987) por la Banda Sonora original de la película: "Round Midnight" (Alrededor de la medianoche) del director francés, Bertrand Tavernier dirigida en 1986.

Temas

Duración

Maiden voyage7,58
The eye of the hurricane6,02
Little one10,08
Survival on the fittest9,09
Dophin dance3,58

basieDespués de la llamada "crisis de las big bands", cuando casi ninguna formación de la era del swing se salvó de ser disuelta o transformada, Count Basie no dudó en refundar su gran orquesta de los años treinta. En la década de los cincuenta, y prácticamente desde 1952, existieron varias formaciones basianas, todas ellas unidas bajo un mismo común denominador: la búsqueda y consecuente encuentro con la perfección. El resultado, sobre todo después del reajuste de la sección rítmica con la incorporación de Ed Jones y Sonny Payne agregados a Basie y el imprescindible Freddie Green, es asombroso.

Este disco obliga inevitablemente a comparar la orquesta de Basie que llegó a la cumbre en 1940 y evidentemente esta suena mejor...pero no tiene aquellos solistas. Ya no por el hecho de que Lester Young o Herschel Evans fuesen músicos irrepetibles, sino por que el llamado Jazz de Kansas City ya no existe. Pero en cualquier caso los discos que la orquesta de Count Basie grabó en aquella década de los cincuenta y que se prolongó hasta 1962, son de una calidad suprema; hemos elegido este y no otro, no por capricho sino porque el tema que le da titulo: "April in Paris" reúne todos los ingredientes del nuevo Count Basie. Tradición, el blues en estado puro, la perfección rítmica, el swing incontenible y desbordante, la naturalidad a partir del rigor, la seriedad en las orquestaciones, y la fantasía de los solistas se muestran aquí con extraordinaria y equilibrada presencia.

Esas sesiones contaron con la flor y nata de los mejores arreglistas de la epoca: "Wil Bill" Davis; Ernie Wilkins; Frank Foster y Neal Hefti. Precisamente Foster sería, a partir, de entonces, el arreglista mas estable de la orquesta y quien se encargaría, después de la muerte de Basie, de conducirla en un vano intento de revitalización nostálgica de supervivencia. Todos los músicos, desde Thad Jones, Joe Newman, Frank Wess, Henry Coker o Sonny Payne, ponen el acento en la organización de la orquesta.

La utilización del arreglo de Davis en "April in Paris" se debe al éxito que tuviera el arreglo en unas exhibiciones en el Birdland, y de ahí sale la reiteración final (One More Time) que rememora el momento mágico de aquella velada en el legendario club, en el que Basie, aclamado por el público, tuvo la ocurrencia de hacer repetir a la orquesta el ultimo y fogoso coro del arreglo. Y por último, está Basie al piano, alma sutil y elegante de la orquesta, presencia absoluta aunque discreta, con cristalinas sugerencias a sus músicos y acercandose con timidez al piano para volverse motor en combustión a las primeras de cambio...en fin, un disco para disfrutar desde el principio hasta el final y volver a pincharlo otra vez, y otra vez...One More Time. 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
 Joe Newman, Thad Jones, Wendel Cully y Reunald Jones. Trompetas Sello discográfico: VERVE
Henri Coker, Benny Powel y Bill Hughes.  TrombonesNúmero de serie: 825 575-2 
Marshall Royal y Billy Graham.  Saxos altosFecha de grabación: 1955-1956 
 Frank Foster y Frank Wess.Saxos tenores  Lugar de grabación: New York
 Charlie Fowlkes Saxo barítono Número de temas: 10
 Freddie Green GuitarraFormato: CD 
 Ed Jones Bajo Calificación: 5* sobre 5
Sonny PayneBatería 
Count BasiePiano y líder 

 

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE COUNT BASIE. 

 

THE COMPLETE DECCA RECORDINGS

THE COMPLETE ATOMIC BASIE

KANSAS CITY SUITE

Aquí están con toda seguridad, algunos de los discos de la orquesta de Count Basie mas inolvidables de toda su carrera de líder y entre los que un buen numero de ellos siguen siendo, mas de medio siglo después, obras maestras universales del jazz entre las que hay que destacar: "Swing the Blues"; "Jumpin at the Woodside"; "Doggin' Around"; "Topsy"; "Out the Window"; "Texas Shuffle" y así hasta cerca de sesenta temas que ilustran este concepto del jazz que practicaban como nadie la orquesta de Basie bajo un denominador común: el máximo de swing, con los arreglos más sencillos. 

Coincidiendo con su cambio de sello discográfico y su paso a Roulette, Count Basie realiza el que se considera como su otro gran disco de su refundada orquesta en la década de los cincuenta, el primero fue el que recomendamos este mes: April in Paris. En la portada, al pie de una imagen que refleja una explosión nuclear, se puede leer: E=MC2 = Count Basie Orchestra + Neal Hefti Arrangements. Y en efecto, todas las partituras están arregladas por este excelente maestro de los arreglos, quien de esta forma se convirtió en el arreglista que mejor supo adaptar la música de esta excepcional orquesta. Imprescindible.

Del puñado de Lp's que Count Basie grabó durante su contrato con el sello Roulette, hay que traer aquí el disco "Kansas City Suite" que se llevó cuando fue editado, y de manera merecida, un buen numero de premios, galardones y menciones, entre ellos el Disco del año en Francia, Sello de Calidad de la afamada y prestigiosa revista Metronome, entre otros. El disco es fruto de la colaboración entre dos grandes maestros del jazz, veteranos de muchas batallas y dos grandes colegas: Count Basie y Benny Carter. Todos los temas y arreglos del álbum llevan la firma y la calidad del magnifico saxofonista/compositor Benny Carter y el disco debe escucharse como está concebido, en su totalidad en forma de suite. Muy recomendable.

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COUNT BASIE.

El hombre que iba a ser líder de una de las mas extraordinarias orquestas de jazz de toda la historia y haría de ella el paradigma absoluto de "swing band" a imitar, empieza a recibir sus primeras clases de piano de su madre, una lavandera enamorada de la música. En 1923 se marcha a New York y escucha  a  los grandes pianistas del estilo "stride" imperante en la época: Fats Waller, James P. Johnson y Willie "The Lión" Smith, principalmente. Su primer trabajo profesional importante llega en 1925 cuando le contratan en el grupo que acompaña a la cantante y bailarina, Katie Krippen. Poco después participa en el "vaudeville", un género de música con letras picantes, que realiza el famoso "circuito TOBA" siglas del "Theatre Owners Booking Association", sindicato de empresarios especializados en espectáculos para negros en los EE.UU.

En 1929, en Kansas City, entra a formar parte de una de las mejores bandas de la ciudad, la del pianista, Bennie Moten, de la que al poco tiempo es su pianista titular y desde donde graba sus primeros solos en discos. Cuando la banda se disuelve tras el fallecimiento de Bennie, le contratan en el Reno Club de la ciudad desde donde empieza a exportar el sonido que le haría famoso en el mundo entero y en esa orquesta ya estaba en la cuerda de saxos, un músico que revolucionaría la forma de tocar el instrumento: el gran Lester Young. El club Reno, tenía un acuerdo con una radio local que varios días a la semana conectaba en directo con el club y dado que esa emisora estaba conectada a una cadena de programas que se oían por todo el país, el promotor neoyorquino, John Hammond, escucha una noche de 1935 en el radio de su coche aquélla orquesta y se queda impresionado por el swing que generaba la banda de Count Basie.

Apenas unas semanas después, Count Basie firma un contrato discográfico con la compañía DECCA, y comienza así una fulgurante carrera musical que le hizo famoso y popular. La II Guerra mundial apareció en el escenario y aquélla banda con solistas espléndidos como el ya citado saxofonista, Lester Young o Hershel Evans, los trompetistas, Buck Clayton o Harry Edison, tuvo una época de transición que una vez terminado el conflicto bélico explotó de nuevo. Norman Granz, el famoso productor lo contrata para su sello Verve en 1952 y Basie resurge como el Ave Fénix de sus cenizas con un concepto de música ya muy maduro y en la que introduce cambios importantes en su orquesta. Amplía la banda con cuatro trompetas, tres trombones, cinco saxos y cuatro de rítmica. El volumen sonoro aumenta y el sonido está mas trabajado. Incorpora grandes solistas, entre ellos el magnifico, Freddie Green y también al cantante, Joe Williams.

Así a partir de aquellos años, y durante toda la década de los sesenta y durante los últimos veinte años de su vida, Count Basie se va a transformar junto con su orquesta en toda una institución y ya no pasará un año en que no realice giras por todo el mundo e incluso participe en algunas películas. Count Basie fallece mientras dormía el 26 de abril de 1984, y con el se fue el más grande, junto con Duke Ellington, líder de bigband de toda la historia del jazz.

Temas

Duración

April in Paris3,48
Corner pocket5,16
Did'n you4,45
Sweety Cakes3,59
Magic3,06 
 Shinny Stockings5,15 
Whar am i here for 3,21 
Midgets 3,13 
Mambo inn 3,24 
 Dinner with friends3,05 

sarahFaltaba Sarah Vaughan. Por este rincón de nuestro disco del mes ya había pasado Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Shirley Horn, Nina Simone y Carmen McRae y no podía pasar mas tiempo sin que en estos ámbitos de nuestros discos recomendados apareciese reluciente la querida y admirada "Sassy"; la "Divina Sarah", la cantante de jazz con mas facultades vocales de la historia.

La capacidad y extension de su registro era capaz de cubrir cuatro tipos de voces: barítono, alto, mezzo-soprano y soprano. Pero a diferencia de las cantantes de música clásica, la utilización y explotación de sus recursos no procedía de ninguna enseñanza de canto ni del aprendizaje en ningún conservatorio; su escuela fueron los grandes instrumentistas del jazz, desde Charlie Parker, a Dizzy Gillespie, desde Miles Davis a Clifford Brown, y lo mas asombroso de todo es que su voz no se deterioró con el paso del tiempo. Ni el alcohol, ni el tabaco ni las drogas le afectaron. Para decirlo gráficamente, si en los años cincuenta, fecha de grabación de este disco que recomendamos, su canto era ligero y brillante como un vino fino y cuidado, a partir de los sesenta su voz era tan robusta como un brandy de gran solera.

Este disco que recomendamos produce al oírlo la inconfundible sensación de plenitud, de disco redondo, de obra maestra del canto jazzistico nada más iniciar los compases del primer tema, una versión definitiva del maravilloso standard "Lullaby of Birdland", una canción que Sarah cantó como nadie. El empaste asombroso entre la cantante con los solistas: Herbie Mann a la flauta; Paul Quinichette al saxo tenor y con Clifford Brown a la trompeta, hacen que tenga sentido el calificativo de divina con el que la homenajearon sus colegas. Antes que Sarah Vaughan algunas cantantes trataron de aproximar su fraseo al de saxofones y trompetas, pero ella fue la única que acariciaba el milagro de fundirse con ellos.

En este disco, sin duda uno de los grandes discos de jazz de todos los tiempos, Sarah Vaughan proyecta gozosamente la columna sonora de su voz, dosifica a su voluntad su cálido vibrato y se balancea con comodidad en los matices de un timbre de voz único. Juega con el tiempo, los acentos y la armonía, y por si no fuera ello suficiente, los acompañantes rayan a una altura difícil de igualar en un disco de jazz vocal. Aunque el trompetista Clifford Brown, pone su firma y el sello mítico como solista de ésta histórica sesión, tanto el maestro del saxo tenor, Paul Quinichette, como el gran Herbie Mann a la flauta, encuentran siempre el modo de acertar de pleno. Y si en los vientos y metales, el trabajo es extraordinario, en la rítmica las escobillas del maestro Roy Haynes, y sobre todo la aportación espectacular del gran Jimmy Jones al piano, son sublimes.

Sarah Vaughan alcanzó su plenitud como vocalista en los cincuenta y este disco es una obra maestra sin ningún genero de duda. Tenía 30 años cuando fichó por el sello Mercury y sus éxitos no se hicieron esperar. Su primer gran disco y merecedor como este de estar en el disco recomendado del mes, es su extraordinario "Swingin Easy", liderando un trío que graba en estudio uno de sus discos mas logrados. Después vino este disco con Clifford Brown a la trompeta y a partir de aquí su carrera osciló siempre en un nivel de calidad muy alto. Todavía hoy hablar en jazz vocal de elegancia, de dominio vocal y de técnica musical, es hablar de Sarah Vaughan, una cantante que con un personalísimo estilo marcó el sendero por donde aun caminan las jóvenes cantantes de jazz que proliferan por los ámbitos del jazz. Disfrutad de este hermoso disco ahora que el otoño hermosea los atardeceres. 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Clifford BrownTrompetaSello discográfico: EMARCY
Paul QuinichetteSaxo tenorNúmero de serie: 814 641 -2
Herbie MannFlautaFecha de grabación: Diciembre de 1954
Jimmy JonesPianoLugar de grabación: New York
Joe BenjaminBajoCalificación: 5* sobre 5
Roy HaynesBatería 
Ernie WilkinsArreglos 
Sarah VaughanVoz y líder 

 

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE SARAH VAUGHAN. 

 

AFTER HOURS

SARAH SWINGS THE TIVOLI

DUKE ELLINGTON SONG BOOK

Sassy mantuvo siempre un nivel muy alto a lo largo de su carrera. Aquí hemos seleccionado aquellos álbumes que pueden dar una panorámica más amplia de sus trabajos con diferentes ellos discográficos y en diferente etapas. El primero de ellos es "After Hours" grabado para el sello Roulette en 1961 y donde Sarah Vaughan, demostró que también podía ser una cantante intimista.
Está acompañada solamente por el guitarrista, Mundell Lowe y el contrabajista, George Duvivier, pero la riqueza de su voz y su impecable sentido del tempo, cubre perfectamente la ausencia de piano y de otros instrumentos, propios cuando hay una cantante en escena. A destacar su fabulosa versión del ellingtoniano tema: "In a Sentimental Mood". Roulette fue una etapa muy importante en la carrera de Sarah Vaughan.

Las actuaciones en directo en el famoso Tivoli de Copenhagen con su trío, formado entonces por el pianista Kirk Stuart, el contrabajista Buster Williams y el bateria George Hugues, marcaron un hito en su carrera y fue sin duda uno de los directos mas importantes de la cantante en Europa. Tras su etapa con el sello Roulette, Sarah volvió a firmar con Emarcy y nuevamente graba la música que quiere aprovechando su estado de gracia. A lo largo de estos dos discos compactos, Sarah Vaughan despliega su encanto y seducción por el escenario y aprovecha cada uno de los temas para dejar testimonio de su ejercicio magistral en el scat, "Misty"; "Tenderly" o "I Feel Pretty" de la banda sonora de "West Side Story" le sientan como anillo al dedo. Imprescindible.

El sello Pablo, propiedad de Norman Granz recoge las grabaciones de la última etapa de Sarah Vaughan como cantante. En sus arcas hay guardadas autenticas obras maestras y de entre todas ellas, hemos seleccionado este hermoso y arriesgado trabajo cuando la divina aborda exhaustivamente la obra ellingtoniana. Y lo hace a sabiendas que años antes, Ella Fitzgerald había puesto el listón altísimo en su famosa serie de "Song Books" y en concreto con el dedicado al maestro Edward "Duke" Ellington. Acompañada de una magnifica orquesta en la que destacan los saxofonistas, Zoot Sims, Frank Wess y Frank Foster, el trombonista, Jay Jay Johnson o el pianista Jimmy Rowles, la cantante consigue unos registros fascinantes dando a la música de Ellington una perspectiva distinta, pero sin duda brillante.

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SARAH VAUGHAN.

Nacida de un carpintero guitarrista aficionado al blues, y de madre lavandera pero pianista y organista en la Iglesia, la cantante Sarah Vaughan estaba destinada desde pequeña a inclinarse por la música, integrándose en la Iglesia Baptista del Monte-Sión como organista, pianista y miembro del coro. En 1943 su vida tomó contacto con el jazz cuando ganó el concurso anual del Apollo Teathre de Harlem para cantantes noveles. Ella Fitzgerald, que había ganado ese mismo concurso la década anterior, le animó y fue presentada al cantante Billy Eckstine, quién a su vez la recomendó a su jefe de orquesta, el pianista, Earl Hines.

Contratada con apenas diecinueve años por Earl Hines como cantante y segunda pianista de la orquesta, tuvo la inmensa fortuna de que por aquella formación pasaran los jóvenes músicos de New York que estaban cambiando el jazz con el sonido nuevo conocido como bebop: Charlie Parker y Dizzy Gillespie. La huelga de grabaciones decretada por la Federación Americana de Músicos, impidió que ese periodo primitivo de Sarah al frente de la orquesta de Hines, y posteriormente con la orquesta de Billy Eckstine no fuese grabado. La única excepción es el tema grabado en diciembre de 1944 titulado: "I'll Wait And Pray". Con una formación adquirida en los círculos "boopers", Dizzy Gillespie la introdujo en los estudios de grabación de pequeñas casa discográficas independientes: primero fue una sesion para Continental organizada por el critico, Leonard Feather en diciembre de 1944, poco después, en mayo de 1945, interpreta junto al quinteto de Parker y Gillespie, una versión de "Lover Man" para la casa "Guild". En 1946, un contrato para Musicraft supone su espaldarazo definitivo y posibilita su expresión artística en distintos contextos: canta desde acompañante de grupos swing dirigidos por el pianista, Teddy Wilson y el violinista, Stuff Smith, a orquestas de cuerda o con el pianista Bud Powell, el baterista, Kenny Clarke y otros boopers en una magnifica sesión.

Extraordinariamente apreciada en los círculos del jazz moderno, se casó con el trompetista George Treadwell y en 1947, obtuvo su primer gran éxito de ventas con "Its Magic". En 1949, cuando firmó contrato con el poderoso sello Columbia, obtuvo el primer puesto de las grandes revistas especializadas en jazz en la categoría de cantantes. La década de los cincuenta fue su mejor época como cantante. Afortunadamente supo reprimir los intentos de su casa discográfica para convertirla en una especie de estrella moderna de la canción y su aparición al frente de un octeto con Miles Davis en 1950 cantando una excelente versión de "Mean to Me" la consagró definitivamente como una gran cantante de jazz. Se prodigaron sus actuaciones en el Carnegie Hall, realizó su primera gira europea en 1951 con un éxito absoluto y todavía el éxito fue mayor en la posterior de 1954. Insatisfecha con su contrato en Columbia ya pesar de sus extraordinaria ganancias económicas, Sarah abandono en 1953, a la terminación del contrato, su relación con el poderoso sello y buscó una discográfica mas acorde con sus planteamientos musicales.

En 1954 fichó por el sello Mercury, donde estuvo hasta 1959, y posteriormente, en la ultima fase de su carrera, fue contratada desde 1963 hasta 1967 por el sello Roulette. En ambos, Sarah Vaughan dejó su mejor legado discográfico. Para la filial de Mercury, "Emarcy", Sarah Vaughan grabó entre 1954 y 1959, en directo o en estudio y con su fabuloso y regular trío: el pianista, Jimmy Jones, el contrabajista, Joe Benjamín y el baterista, Roy Haynes, una serie de discos extraordinarios y al menos una obra maestra absoluta con la colaboración del trompetista, Clifford Brown: El álbum titulado: "Sarah Vaughan" (Emarcy, 1954). Un breve periodo fuera de Mercury, fue aprovechado por la cantante para firmar por el sello Reprise, a principios de los sesenta. Su vuelta a la casa Mercury, no fue tan fructífera como el periodo anterior, y frente a fantasticas grabaciones como la acaecida en 1963 en directo desde el Tivoli Garden en Copenhague, se encuentran intrascendentes versiones de Los Beatles o de la canción pop.

En 1967 su retirada de los estudios se vio compensada por la intervención en numerosos programas televisivos, principales festivales, teatros y clubes. En 1971, firma por el sello Mainstrean con quien estuvo hasta 1974, dejando en sus arcas un extraordinario concierto en Japón. En 1978, el productor Norman Granz la incorporó a su elenco de artistas y a su sello Pablo, donde permaneció hasta 1982 dejando tambien algunos discos extraordinarios como el dedicado a la música de Duke Ellington. En 1982 colaboró con Michael Wilson Thomas y varias orquestas filarmónicas interpretando el repertorio de Gershwin, obteniendo un premio Grammy por la grabación que la CBS efectuó en su concierto de Los Ángeles. En 1989, grababa un dueto con Ella Fitzgerald sobre "Birdland" bajo la dirección de Quincy Jones, pero el tabaco había empezado a quebrantar su salud y murió, victima de un cáncer de pulmón en abril del siguiente año.

Temas

Duración

Lullaby of Birdland3,59
September song5,44
I'm gland there is you5,09
You'are noy the kind4,41
Jim5,50
He's my guy 4,12 
April in Paris 6,19 
It's crazy 4,55 
Embraceable you 4,48 
Lullaby of Birdland 3,58 

horaceDesde que participara en 1955, junto al baterista Art Blakey, en la fundación del grupo: "The Jazz Messengers", Horace Silver se convirtió en el modelo a imitar y sentó las bases del estilo hardbop o funky, todavía hoy vigente.

Horace Silver conservó en su música algunos de los hallazgos del bebop y sin prescindir de él, si tuvo especial interés en devolver el protagonismo a las raíces de la música afroamericana, el blues y el gospel. Su carrera entre mediados de los años cincuenta y mediados de los sesenta es extraordinariamente homogénea y está llena de magníficos testimonios discográficos entre los que se encuentra esta obra de arte que traemos como disco recomendado del mes y que se titula: "Song for my Father".

El álbum, editado por el legendario sello Blue Note, presenta dos plantillas diferentes de su quinteto por aquella época, con la curiosa particularidad de que Blue Mitchell y Junior Cook, sólo intervienen en las exposiciones de sus temas, protagonizados por el pianista como único solista. "Song for my Father" supuso el principal éxito popular y comercial de Horace Silver y uno de los discos mas vendidos de toda la historia de Blue Note. La composición que le da titulo es un entrañable homenaje de Silver a las raíces latinas de su padre y el solo del pianista en este tema sirve como ejemplo perfecto de un fraseo aderezado de notas de blues y con una gran significancia del ritmo.

Los demás instrumentistas que participan en el álbum también contribuyen poderosamente al éxito del disco y destaca la interpretación del trompetista Carmell Jones, inspirado seguidor de Clifford Brown en el tema: "The Kicker". El saxofonista Joe Henderson por su parte muestra en "The Natives are Restless Tonigh" la maleabilidad del estilo de John Coltrane. También es reseñable destacar del disco la balada "Lonely Woman" interpretada según la costumbre establecida, en formato de trío siendo el resultado una combinación personalísima entre tensión y melancólica amorosidad, algo que su autor, el gran maestro Ornette Coleman se encargó de componer para gloria del jazz.

"Song for my Father" es pues un disco espectacular, lleno de ritmo, fuerza y vitalidad; un álbum rebosante de swing y sin duda alguna imprescindible en cualquier colección de jazz que se precie. Disfrutadlo, ahora que la vuelta de las vacaciones nos posibilita recuperar la música que amamos. 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
 Carmell Jones y Blue Mitchel.Trompetas  Sello discográfico: BLUE NOTE
 Joe Henderson y Junior Cook.Saxos tenores  Número de serie: CD 077 7 84185 2 8
 Teddy Smith y Gene TaylorBajos Fecha de grabación: 1963-1964 
Roger Humphries y Roy Brooks  BateríasLugar de grabación: New Jersey 
 Horace SilverPiano y líder  

 

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE HORACE SILVER.

 

HORACE SILVER AND THE JAZZ MESSENGERS

THE TOKYO BLUES

PENCIL PACKIN' PAPA

Estamos ante un disco absolutamente histórico y lleno de simbolismo. El pianista Horace Silver en el disco fundacional del llamado estilo "hardbop" con el grupo que durante décadas enteras llevó por el mundo el sonido del jazz. Junto al baterista Art Blakey, Horace Silver (que se convirtió durante su permanencia en los Messengers en su director musical), escribió una de las páginas mas brillantes del jazz moderno. Junto a Blakey y Silver, los protagonistas de estos originales "Messengers" fueron: Kenny Dorham en la trompeta; Hank Mobley al saxo tenor y Doug Watkins en el bajo. Un quinteto extraordinario cuya configuración fue decidida por el propio Horace Silver. Imprescindible.

Antes de grabar "Song for my Father" el disco más importante de su carrera, Horace Silver dejó para la Blue Note algunos discos magníficos como este grabado en el verano de 1962 en los estudios del ingeniero de la Blue Note, Van Gelder y que también constituyó una magnifica muestra de ese estilo muy rítmico de la música de Horace Silver. En esta ocasión el quinteto, la formula donde Horace Silver se encontraba mas cómodo lo constituían: Blue Mitchell a la trompeta, Junior Cook al saxo tenor; Gene Taylor a la bajo y John Harris Jr a la bateria.

En 1993 Horace Silver, ya instalado en el Olimpo de los grandes músicos de jazz tras una magistral carrera profesional, firma un contrato con la discográfica Columbia y para sorpresa de muchos aficionados llegan los éxitos tardíos demostrando al mundo entero que la creatividad , la inventiva, y la originalidad en los arreglos seguían intactas. "Pencil Packin' Papa" es uno de los grandes discos de Horace Silver de su ultima etapa como musico. Su música sigue sonando fresca y además la banda que reúne para la ocasión suena magníficamente bien. Un gran disco.

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HORACE SILVER.

El pianista, Horace Silver, inició sus estudios musicales en el bachillerato tocando el saxo al tiempo que estudiaba piano con un organista de Iglesia. Mientras actuaba de joven en el club "Sundown" de la localidad de Hartford, fue escuchado por Stan Getz, que le ofreció un contrato en su quinteto. Seis meses después hizo su debut discográfico junto a músicos de la talla de Jimmy Raney, Tommy Potter y Roy Haynes. En 1951, Horace Silver, se afincó en New York y pasó ese año y el siguiente tocando como sideman al lado de los grandes del jazz.

Pero en 1954, llega el pistoletazo de salida para su fama. El 13 de noviembre de aquel año, en los estudios de la Blue Note tuvo lugar una grabación histórica en la historia del jazz y Horace Silver iba a ser protagonista directo de la misma. En aquel tiempo, Alfred Lion, el propietario del sello, había propuesto a Horace Silver la grabación de un disco y curiosamente, le dejó elegir a sus acompañantes. El pianista, pese a su juventud, no se amilanó y propuso a los mejores músicos a los que conocía y admiraba: Hank Mobley como saxo tenor, Doug Watkins en el contrabajo, Kenny Dorham a la trompeta y Art Blakey en la batería. Lion aceptó la formación y contrató a todos, lo que dio lugar al nacimiento de los "Jazz Messengers", toda una institución musical que dio al movimiento hardbop, muchos años de gloria. Producto de aquel encuentro se editó la piedra fundacional del hardbop en el disco "Horace Silver and the Jazz Messengers" (Blue Note, 1955) conteniendo la sesión ya citada y otra realizada el 6 de febrero de aquel mismo año. Este álbum supone, para muchos, el salto de Silver desde la tradición bebop a las nuevas formas funkies del hard bop.

Horace Silver, se convertía así en uno de los abanderados de las nuevas formas que iba a traer el jazz en los cincuenta y la creación de los "Jazz Messengers" donde ejerció de director musical, fue el punto de partida para una carrera brillantísima, tanto en su faceta de compositor como de pianista. Silver aguantaría poco tiempo en los Messengers y en 1961 recorrió todo el mundo visitando y tocando en Europa y Japón por infinidad de festivales, conciertos programas televisivos  etc. En 1975 se dedicó a la orquestación con la colaboración de Wade Marcus, formando una orquesta de trece elementos. Poco a poco, su música fue derivando hacia corrientes místicas que podrían encuadrarse dentro del incipiente hipismo de los años sesenta y, con el tiempo, su espíritu investigador le llevó de lleno al aspecto introspectivo y doctrinal que no dejó de lado ni la incursión en la música vocal ni el uso de instrumentos eléctricos. Su última etapa le volvería a llevar al hard bop, pero en aquel momento, Horace Silver estaba ya fuera de Blue Note, el sello que registró sus mejores e inimitables obras.

Su carrera entre 1952, año en que graba por primera vez en trío para Blue Note, hasta 1978, momento en el que terminó su primera y extraordinaria etapa en el sello de la etiqueta azul, grabó una serie de álbumes temáticos que se cerraron con "Silver n' strings play The Music of the Spheres", pero que tiene en el grabado en 1964 y titulado "Song for My Father" la joya de la corona de su carrera, y una de las grandes obras maestras del periodo hardbop en el jazz. Toda la obra discográfica de Horace Silver, es un monumento exquisito al jazz, aunque no es menos cierto que sus grabaciones realizadas como sideman de Miles Davis (1954), Jay Jay Johnson (1955), Art Farmer (1954) y, especialmente, las publicadas a nombre de Art Blakey también en 1954: "A night at Birdland, Vols. 1 y 2" y "Jazz Messengers at Café Bohemia", ambas en Blue Note, sirven igualmente para comprobar su enorme aportación al jazz. 

Temas

Duración

Song for my father7,15
The natives are restless tonight6,08
Calcuta cutie8,28
Que psas5,24
The kicker7,03
Lonely woman 3,52 
Sanctimonius Sam 5,35 
Que pasa (versión en trío)5,23 
Sighin' and ciring 3,50
Silver treads among my soul4,11 
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