2007-Disco del mes

konitzCuando Lee Konitz empezó a grabar este disco se disponía a emprender su carrera profesional en solitario tras haber abandonado la orquesta de Stan Kenton en 1954 y desarrollar un espléndido aprendizaje junto a Claude Thornill, primero, y con Miles Davis después en su famoso Noneto. Lejos de anclarse en el pasado, Konitz decidió depurar su expresión y encontrar un lenguaje innovador más allá de las enseñanza de Lennie Tristano, su creativo maestro.

El fructífero resultado de este disco se sustenta en la identidad de concepciones del quinteto, todos ellos, salvo el veterano baterista, Shadow Wilson, pertenecen a la escuela de Tristano. El magnifico trompetista Don Ferrara ya había recibido lecciones de Tristano en 1947 y trabajó con Woody Herman y con la fenomenal orquesta de Gerry Mulligan, la "Concert Jazz Band", en la década de los sesenta, amén de dedicarse durante mucho tiempo a la enseñanza. La frescura e inventiva de sus improvisaciones brillan con relevancia en temas como "Sunflower" y "Movin' Around".

En el resto de los temas, el tratamiento sigue las pautas habituales de los discípulos de Tristano con elaboradas exposiciones de largas frases y contrapuntos. El recurso de Lee Konitz en las baladas es menos aventurado como puede comprobarse en "Stairway to the Stars" y sobre todo en "Crazy she calls me" interpretada en cuarteto con un brillante solo del pianista Sal Mosca, otro musico en la órbita de Lennie Tristano. En el parkeriano tema de "Billie's Bounce", es el contrabajista británico Peter Ind, quien con una buena solidez, en la línea de Ray Brown, practica un eficaz after-beat, renunciando a acentos superfluos.

Very Cool, marca, sin duda alguna, un antes y un después en la carrera discográfica de Lee konitz y fue la base donde descansó toda su posterior y brillante carrera como musico de jazz.

 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Don FerraraTrompetaSello discográfico: VERVE
Sal MoscaPianoNúmero de serie: LP 2304344
Peter IndBajoFecha de grabación: 12 de mayo de 1957
Shadow WilsonBateríaLugar de grabación: New York
Lee KonitzSaxo alto y líderCalificación: 5* sobre 5

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE LEE KONITZ. 

 

LEE KONITZ WITH WARNE MARSH

LEE KONITZ MEETS JIMMY GIUFFRE

ALONE TOGETHER

Todavía bajo la influencia y el abrigo del pianista Lennie Tristano, Lee Konitz empieza a darle vuelta a una idea que tenía entre ceja y ceja: iniciar su carrera como solista de manera independiente. En este disco escoge a algunos de los músicos que le acompañarían en esa aventura; Sal Mosca al piano, Billy Bauer a la guitarra y sobre todo Warne Marsh al saxo tenor, un musico que se complementaba magistralmente con el saxo alto de Konitz.
Las grabaciones para el sello Atlantic entre Konitz y Marsh alcanzaron un rotundo éxito, y el paso del tiempo solo ha hecho constatar que fueron unos momentos extraordinarios en la carrera de Lee Konitz.

Los discos de la década de los cincuenta para el sello Verve fueron sin duda alguna los que marcaron el camino posterior de la carrera de este extraordinario saxofonista. Al ya legendario "Very Cool", recomendado este mes por Apoloybaco, le siguieron un buen ramillete de álbumes extraordinarios, y entre ellos está sin duda el que grabó en 1958 junto al multiinstrumentista Jimmy Giuffre, otro músico extraordinario y muy representativo de la música que se hacía en la Costa Oeste norteamericana.
En este álbum, Giuffre toca el saxo barítono y nuevamente está Warne Marsh al saxo tenor.

Lee Konitz continua a estas alturas del siglo XXI actuando en cuantos sitios le contratan y sin ningún genero de duda podemos afirmar que sus condiciones y su creatividad en la improvisación siguen intactas. Este disco lo grabó en 1999 en directo y fue un disco muy especial dado que Konitz se estrenaba con la discográfica Blue Note. 
El formato elegido fue en trío junto al maestro del contrabajo Charlie Haden y el no menos extraordinario pianista Brad Mehldau. Konitz consigue una sesión redonda donde los estándares son versionados de manera vibrantes y con un clima afín para ello.

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LEE KONITZ.

Lee Konitz (Chicago, 1927) es uno de los discípulos mas dotado y heterodoxo salido de la escuela del gran pianista, Lennie Tristano. Su sonido fue y es, una voz de referencia indispensable y original para los músicos blancos de la Costa Oeste americana y del movimiento cool. Gran improvisador, perfeccionista puro, creativo y versátil, Lee Konitz, es hoy, todavía en activo, uno de los saxofonistas mas importantes del jazz.

Sus comienzos en la orquesta de Claude Thornhill, en 1947, ya presagiaban el gran músico en ciernes que vendría después. Lo confirmaría plenamente cuando Miles Davis, lo llamó para formar su celebérrimo "Noneto Capitol", con el que grabaría el germinal álbum titulado "Birth of the Cool" en  1949. Estuvo con Miles Davis, dos años, entre 1948 y 1950 y entremedias, estuvo colaborando con el renovado sexteto de Lennie Tristano en 1949. En los años cincuenta, otra asociación musical importante marcó la carrera de Lee Konitz; conoció al pianista, Warne Marsh y junto a él, logró algunos de sus mejores discos. En 1952, se enroló en la orquesta del excelente arreglista y compositor, Stan Kenton, con quien estuvo hasta 1954, y partir de ese año desarrolló su carrera como líder en solitario. Ha grabado y trabajado con los mejores músicos de jazz: Charles Mingus, Gerry Mulligan, Paul Bley, Don Friedman, Joe Henderson o Elvin Jones.

En 1954, inicia con el álbum "Very Cool" para el sello Verve, un espectacular comienzo discográfico con músicos todos ellos adscritos a la escuela de Tristano: el trompetista, Don Ferrara; el pianista, Sal Mosca; el contrabajista, Peter Ind, y el baterista, Shadow Wilson. Desde entonces la carrera de Lee Konitz, continua a pesar de su veteranía, en todo lo alto del escenario jazzistico como Apoloybaco pudo comprobar insitu, cuando el gran maestro del saxo apareció por Sevilla en noviembre de 1997 en la 8ª edición del festival de jazz de la provincia de aquel año en Alcalá de Guadaira.

Temas

Duración

 Sun flower8,05
Stairway to the star5,18
Movin' Around7,45
Kary's trance7,08
Crazy she calls me7,20
Billie's bounce6,07

maxEn el jazz no abundan los baterías lideres de sus grupos pero cuando hay alguno que lo hace el resultado de su música suele ser excepcional; pasó con Chick Webb en la época del swing, luego con Art Blakey y continuó con nuestro protagonista del mes de Octubre de 2007, el baterista Max Roach, recientemente fallecido.

Max Roach asumía esa aventura en 1953 cuando dejó grabado un disco para el sello "Debut" que contenía su primera composición enteramente en solitario: "Drum Conversation" (posteriormente grabaría Percussion Discussion con el maestro del contrabajo Charles Mingus). Su aportación a la historia del jazz dejó grabados momentos inolvidables cuando colideró junto al trompetista Clifford Brown un quinteto en 1954 que, en poco mas de dos años, pasó a ser uno de los grupos fundamentales del hard-bop y de la década, grabando para el selecto sello "Emarcy" toda una serie de magníficos álbumes.

Tres años mas tarde, y ya tras la muerte de Brown en un accidente de tráfico, su relación con la cantante Abbey Lincoln (que se convirtió en su esposa hasta 1970) radicalizó su conciencia política de negro afroamericano y esa aptitud marcó su posterior carrera, jalonada toda ella, entre 1958 y 1973 de aptitudes, gestos y protestas claramente contestatarias contra el racismo existente en la sociedad norteamericana. Precisamente el disco que traemos a esta sección, está contextualizado en esa época donde Max Roach agudizó su activismo político.

"We Insist! Freedom Now Suite", fue grabado en 1960 para el pequeño sello "Candid" y es una impresionante suite compuesta por Max Roach y el letrista Oscar Brown. En el disco está presente el recuerdo de la esclavitud de los negros afroamericanos en los campos de algodón: "Driva Man"; la segregación racial en los Estados Unidos: "Freedom Day"; la lucha contra el apartheid en Sudáfrica: "Tears for Johannesburg" y la orgullosa reivindicación de sus orígenes ancestrales en África: "All África".

Todos esos sentimientos son expresados en el disco con una fuerza sobrecogedora y con toda la radicalidad política de la que fue capaz de transmitir. Ya en la misma portada del disco se realzaba esa idea cuando el fotógrafo captó la imagen de un camarero blanco, mirando con cara de pocos amigos a tres clientes negros con libros abiertos sobre la barra. Su música es punzante desde el comienzo con los los ritmos africanos del percusionista Michael Olatunji, los cantos yorubas, la voz desafiante de Abbey Lincoln (sostenida solamente por la percusión de Roach en el tema "Triptych") o las violentas y sombrías intervenciones de Booker Little en la trompeta, de Walter Benton en el saxo tenor o de Julián Priester en el trombón. Por si algo le faltaba al disco, Coleman Hawkins está de invitado especial.

El activismo político de Max Roach continuó produciendo escenas curiosas. Al año siguiente y con motivo de la guerra del Congo, tanto él como su esposa Abbey Lincoln, se manifestaron en la sede de Naciones Unidas para protestar por la muerte de Patrice Émery Lumumba, Primer Ministro de la República Democrática del Congo, asesinado en Enero de 1961 por el ejercito sublevado que tomó el poder militar liderado por el entonces coronel Mobutu.

Estamos pues ante un disco que además de ser un alegato político contra el racismo, es también una pieza maestra de la discografía del maestro de la batería, Max Roach. Un hombre y un músico comprometido con su tiempo, incomodo para el poder y con un sentido de la libertad absolutamente inquebrantable. 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Booker LittleTrompetaSello discográfico: CANDID
Julián PriesterTrombónNúmero de serie: CCD 7902
Coleman HawkinsSaxo tenorFecha de grabación: 1960
James ShenckBajoLugar de grabación: New York
Michael OlatunjiSaxo alto y líderCalificación: 5* sobre 5
Ray MantillaPercusión 
Abbey LincolnVoz 
Max RoachBatería y líder 

 

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE MAX ROACH. 

 

AT BASIN STREET

PERCUSSION BITTER SWEET

DRUMS UNLIMITED

El quinteto que Clifford Brown y Max Roach pusieron en marcha en 1954 y que existió hasta la muerte del trompetista en junio de 1956, fue uno de los puntales del movimiento conocido como "hard bop", un estilo que nacía como recapitulación del bebop, como una necesidad de recuperación de las raíces negras y de buscar la revitalización de un jazz que parecía estar perdiéndose en artificios derivados de otro movimiento -el cool- no bien asimilado en la Costa Este estadounidense.
"At Basin Street" es un disco de culto y sus invenciones escritas son de una maestría y gracia inigualada. Su influencia todavía llega a las nuevas generaciones de jazzistas. Imprescindible.

Este disco recoge muchos de los conceptos ya explorados por Max Roach en "We Insist! Freedom Now Suite" y además cuenta con la impagable presencia de Eric Dolphy y el pianista Mal Waldron. El resto son los mismos músicos que el disco ya citado. Un disco magnifico en cualquier caso.

Max Roach usó en "Drums Unlimited" sus típicas figuras de silencios y contrastes de timbres en los tambores, empezando y acabando con el cháston, sobre el que desde entonces mantendrá solos enteros en us conciertos. Sus tres interpretaciones en solitarios, son ejemplos magníficos de su maestría percusiva. Es un disco donde todos los baterías deberían prestar especial atencion.

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MAX ROACH.

 

Maxwell Lemuel Roach (New Land, 1925) verdadero nombre del gran baterista, Max Roach, se interesó por el jazz desde muy temprana edad, tocando en una marching band, cuando solo tenia 8 años. Su madre, cantante de gospel, le aconseja abandonar el fliscornio para dedicarse a la percusión, y a renglón seguido se matricula en el Manhattan Conservatory of Music, del que se graduó en 1942 diplomado en percusión.

A los dieciséis años sustituye a Sonny Greer en un concierto de la orquesta de Duke Ellington, proeza que repite bajo circunstancias similares en la orquesta de Count Basie. En 1942 los clubes de la Calle 52, hervían musicalmente gracias al sonido nuevo que Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y Kenny Clarke, estaban inventando en esos momentos y que denominaban bebop. Max Roach, y su amigo, Bud Powell, se sumergieron en ese ambiente y se impregnaron de las concepciones modernas. Cuando el baterista, Kenny Clarke, fue movilizado por el ejercito en 1943, y trasladado al frente de Europa, Max Roach, que actuaba regularmente en el club "Kelly's Stables" acompañando a Coleman Hawkins, fue elegido por Parker y compañía para formar parte de esas jam session en el Minton's Playhouse y el Monroe's, principalmente.

Fue Coleman Hawkins, quien le proporcionó su primera sesión de grabación en febrero de 1945, grabando para la casa "Apollo" la primera versión de "Woody'n You". En 1945, Max Roach, no pudo participar en los discos que Parker y Gillespie grabaron juntos, por haberse marchado de gira con la orquesta de Benny Carter. En otoño de 1945, de vuelta Parker, a New York pasó, ahora sí, a formar parte del histórico quinteto de Charlie Parker y Dizzy Gillespie con el que actuaban regularmente en el club "Three Deuces".

A finales de Noviembre de 1945, graba con ellos los famosísimos temas emblemáticos del bebop: "Billie's Bounce" y "Now's The Time",  e inmediatamente se integró en el primer y efímero proyecto de bigband intentado por Dizzy Gillespie. Tras la gira de Parker y Dizzy por California, Max Roach se queda en New York, tocando en la Calle 52 junto a Jay Jay Johnson, Dexter Gordon y otros músicos y a la salida de Parker de Camarillo se unió a su quinteto, paradigma del bebop, con el trompetista, Miles Davis, y él mismo como miembros fijos con Duke Jordan, sustituido en ocasiones por Bud Powell o John  Lewis, y los contrabajistas: Tommy Potter, Curly Russell y Nelson Boyd sucesivamente. Los extraordinarios discos de Savoy y Dial de 1947 y 1948 recogen esos innovadores patrones rítmicos.

En 1949, viaja con Parker a Europa para participar en el Primer Festival de Jazz de Paris, y también en el histórico concierto del "Massey Hall" de Toronto en 1953 que edita el sello "Debut", fundado por Charles Mingus. En mayo de 1954, codirige con Clifford Brown, un quinteto de hardbop que en poco mas de dos años, pasó a ser uno de los grupos fundamentales del hardbop y de la década, grabando para el sello "Emarcy" toda una serie de discos excepcionales. Tras el trágico accidente de Clifford Brown, que le costó la vida, en 1956, y tras un tiempo tocando sólo en trío con el contrabajista, George Morrow y el tenor, Sonny Rollins, reconstruye el quinteto con el trompetista, Kenny Dorham. Continua colaborando con otros músicos y en julio de 1958 reemplaza a Dorham por el joven trompetista, Booker Little. Muy sensibilizado con la lucha de los negros, intensificadas a lo largo de ese mismo período, introduce en su arte una dimensión deliberadamente política y abre las puertas a la voz de Abbey Lincoln, quien, mas tarde, se convertiría en su esposa.

En 1960, ese discurso se radicaliza y pasa de las palabras a los hechos organizando un festival paralelo y alternativo al oficial de Newport de ese año como forma de protesta contra la segregación racial y graba el extraordinario disco "We Insist! Freedom Now Suite! para el sello Candid, un alegato contra el racismo manifestado desde la misma portada del álbum, donde se ve a un camarero blanco en la barra de un bar con gesto amenazante hacía sus dos clientes negros.

En septiembre de 1962, graba junto a Duke Ellington y Charles Mingus, un disco extraordinario titulado "Money Jungle" y liderado por el "Duke" donde expresan, en forma de trío, todos los conceptos del nuevo sonido del jazz y donde Ellington, demuestra que su arte no se limita a la éra del swing. Max Roach, tampoco desdeñó enfrentarse a dúo con algunos de los mas significativos vanguardistas del jazz. Así graba entre 1976 y 1984 con Archie Shepp, Dollar Brand, Anthony Braxton, Cecil Taylor y otros.

Max Roach, es, no sólo uno de los mejores solistas de la historia de la batería, técnicamente formidable, solista exquisito utilizando la batería de forma análoga a cualquier otro instrumento solista, sino que su curiosidad musical le ha llevado a explorar con gran originalidad la tradición afroamericana para convertirla en referencia obligada en el jazz moderno.

Temas

Duración

Driva' man5,10
Freedom day6,02
Triptych7,58
All África7,57
Tears for Johannesbuurg9,36

petruccianiLa discografía del pianista Michel Petrucciani, está repleta de grandes y hermosos discos de jazz. "El pequeño gigante del piano" como era reconocido Petrucciani, forjó desde la superación física y mental de su congénita enfermedad, un discurso musical lleno de vida, de ricos matices y desde la banqueta de su piano, diseñada especialmente para que pudiese alcanzar el teclado (medía apenas un metro) llegó a convertirse en uno de los pianista mas importantes del jazz francés y europeo de todos los tiempos.

En este disco doble grabado a dúo con el maestro del órgano Hammond, Eddy Louiss, es sin duda la grabación con la que alcanzó fama mundial y hasta el momento de su grabación, era el primer disco grabado entre un pianista y un organista.

El resultado es un disco de una belleza espectacular, de un swing contagioso y solemne, de una rítmica majestuosa y de una empatía entre ambos músicos extraordinaria. "Conférence de Press" fue grabado en directo en el club parisino "Petit Journal Montparnasse" en Junio de 1994 y entre sus 16 temas se encuentran composiciones de Eddy Louis: "Amesha" "Caraibes", y una espléndida balada "Les Grelots" el tema con el que abre el volumen uno del disco; del pianista son las composiciones: "Rachid", "Hub Art" y estándares versionados brillantemente como "Caravan" de Duke Ellington, "So What" de Miles Davis, el inmortal "Summertime" de George Gershwin y una obra maestra, autentica joya del disco: "Autum Leaves".

"Conférence de Presse" es un disco para disfrutar relajado, imprescindible en la discografía de cualquier aficionado al órgano Hammond, y una joya dentro del catalogo de ése selecto y valioso sello discográfico francés que es "Dreyfus".

 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Eddy LouissÓrgano HammondSello discográfico: DREYFUS
Michel PetruccianiPianoNúmero de serie: FDM-36576-2
  Fecha de grabación: Junio de 1994
  Lugar de grabación: Paris

  

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE MICHEL PETRUCCIANI. 

 

LIVE AT THE VILLAGE VANGUARD

POWER OF THREE

SÓLO

Este doble Lp del maestro del piano, Michel Petrucciani grabado en trío en el legendario Village Vanguard de New York, fue su puesta de largo en la ciudad de los rascacielos y le valió para entrar en el Olimpo de los grandes pianistas del jazz. Grabado en formato clásico de trío (Palle Danielsson al bajo, Eliot Zigmund a la batería y Michel Petrucciani al piano), el concierto contiene momentos inolvidables.
Michel Petrucciani se destaca aquí como un extraordinaria baladista y en el disco está claramente reflejada la influencia del maestro Bill Evans. Extraordinaria la versión de "Round Midnight" en su particular homenaje a Thelonious Monk.

Para muchos aficionados al jazz y a la obra del maestro Michel Petrucciani, este es su disco mas logrado. Está grabado también en formato de trío y en otro de los grandes clubes de la Gran Manzana: "The Blue Note".
Un buen ramillete de estándares como "In a Sentimental Mood" y el magnifico acompañamiento de Jim Hall a la guitarra, tocando extraordinariamente en una composición propia como "Careful" y el saxofonista tenor Wayne Shorter, aportando para la ocasión el tema que abre el disco "Limbo". Altamente recomendable.

Sin duda alguna, Michel Petrucciani es un maestro en el arte del piano solo. Enfrentado en solitario al instrumento grabó durante su carrera extraordinarios y mágicos momentos para la historia del jazz contemporáneo.
Hemos elegido para recomendaros este disco grabado en 1999, poco antes de su muerte para el sello donde dejó algunas obras maestras, la discográfica "Deyfrus". Emotivo, agresivo a veces, con un sentido de la improvisación magistral, esta grabación es casi un testamento musical de uno de los grandes maestros del piano europeo de jazz.

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MICHEL PETRUCCIANI.

 

Aquejado de una gravísima enfermedad ósea, - apenas llegaba al metro de altura- el pianista francés Michel Petrucciani, se consagró desde la infancia de manera casi exclusiva al estudio del piano y acabó por convertirse en uno de los músicos de jazz europeo de mayor renombre de todos los tiempos. Dotado de un virtuosismo extremo, su estilo intimista y romántico, que partía de la escuela de Bill Evans -del que era un ferviente admirador-, combinaba con inteligencia el lirismo y la sutileza con un ataque poderoso y percusivo.

Había nacido en Orange el 28 de Diciembre de 1962. Estudia piano clásico y a los 12 años actúa acompañado por su padre en la guitarra y su hermano Louis en el contrabajo. Su enorme talento le hace destacar desde muy joven y a los 17 años graba su primer disco. El año siguiente inicia con un trío de excepción con Jean-François Jenny-Clark y Aldo Romano, una serie de espléndidas grabaciones para el sello francés OWL. En 1982 se traslada a California y se convierte en el pianista del grupo del saxofonista Charles Lloyd, cuando éste regresa a la escena después de un prolongado retiro. También actúa a dúo con Lee Konitz. Aunque sigue grabando en Francia, sus estancias en Nueva York propician sus primeros discos americanos, hasta que en 1985 inicia su período en el sello "Blue Note" con "Pianism", una grabación en trío con Palle Danielson y Elliot Zigmund. El año siguiente actúa en Montreux en trío con Wayne Shorter y Jim Hall, encuentro que se publica bajo el título de "Power of Three", uno de sus grandes discos. En trabajos posteriores - "Music", "Playground"-, se acerca a las fórmulas de la fusión eléctrica con producciones en las que se diluyen sus mejores virtudes. Su último disco para Blue Note es un solo en homenaje a Duke Ellington, uno de sus compositores favoritos, y una clara influencia para cualquier pianista.

En 1994 vuelve a grabar para una compañía francesa, Dreyfus, con "Marvellous", en trío con el soberbio apoyo de Dave Holland y Tony Williams y el sorprendente añadido de un cuarteto de cuerda. Su absorbente personalidad le hacía preferir las formaciones reducidas, y en los últimos años una de las más fructíferas fue su insólito y excepcional encuentro a dúo con el organista Eddy Louiss, plasmado en los dos volúmenes de "Conférence de Presse". Pero por encima de todo se vuelca en el solo, del que era un verdadero maestro. El doble CD recogido en sus actuaciones en París "Au Teathre Des Champs-Elysees" es probablemente la cima de su carrera discográfica. En 1997 da un nuevo giro formando un grupo más amplio, un sexteto en el que se integran dos jóvenes revelaciones italianas de la corriente neo-bop: Stefano Di Battista y Flavio Boltro, con el que graba "Both Worlds". Michel Petrucciani actuó con relativa frecuencia en nuestro país en solitario en varios de los festivales de jazz que se organizan en España, cautivando siempre al público con la amplitud estilística característica de su pianismo.

Su fallecimiento, el 5 de enero de 1999, a causa de una afección pulmonar, dejó un hueco dificilísimo de cubrir en el jazz europeo y en el francés en particular.

Temas

Duración

 DISCO 1

 

Les grelots6,42
Jean-Philipe Herbien10,15
All the things you are6,40
I wrote you a song 8,10
 So what9,55 
 Amesha6,30 
 Simply bop 4,30
 DISCO 2 
 Autumn leaves 9,51
 Hub art 5,56
 Caravan 8,00
 Naissance 6,41
 Rachid 7,35
 Caraibes 9,03
 Au p'tit jour 6,58
 Summertime8,03 

anitaMuchos consideran que Anita Colton, conocida en los ámbitos del jazz como Anita O'Day fue la cantante blanca de jazz con mayor personalidad de todas y que es justo situarla muy cerca del triangulo mágico formado por Billie Holiday, Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan. Comparaciones al margen, lo cierto es que Anita O'Day era tan excelente cantante en pequeña formación (trío, cuarteto o quinteto) como al frente de toda una big band como demostró con creces en los años que estuvo en la formación del excelente baterista Gene Krupa.

Anita poseía un maravilloso y contagioso sentido del swing y entre sus excelentes dotes destacaba su prodigiosa formar de practicar el scat. Ello no era óbice para que al mismo tiempo fuera capaz de interpretar las baladas de manera brillante. Anita O´Day tuvo que superar en sus inicios el ser rechazada para formar parte de la orquesta de Benny Goodman - que prefirió elegir a Peggy Lee - y ese rechazo motivó que fuera contratada en 1941 por el baterista Gene Krupa consiguiendo ese primer año con Krupa un sonoro éxito con el tema: "Left Me off Uptown". Dos años mas tarde comenzaron los problemas tras la detención de Krupa por tenencia ilícita de marihuana; Anita estuvo unos meses con Stan Kenton, volvió luego con Krupa cuando este rehizo su orquesta tras su puesta en libertad y finalmente en 1947 decide lanzarse a cantar en solitario.

Sin apenas brillantez durante algunos años, su figura se acrecentó cuando en en 1952, Norman Granz, productor discográfico y propietario del sello Verve la contrató. Durante toda esa década Anita alcanzó su fase mas importante como cantante y muestra de ello es el extraordinario ramillete de grandes disco que graba con Verve en esa época entre los que destaca sin duda este "Anita Sings the Most" donde está acompañada, ni mas ni menos, que por el grupo más importante del sello Verve que lideró por mucho tiempo el maestro del piano: Oscar Peterson.Un disco que no le resultará indiferente a nadie que lo escuche.

 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Oscar PetersonPianoSello discográfico: VERVE
Herb EllisGuitarraNúmero de serie: CD 077 746339 2 5
Ray BrownBajoFecha de grabación: 31 de Enero de 1957
John PooleBateríaLugar de grabación: Chicago
Anita O'DayVoz y líderCalificación: 5* sobre 5

 

 

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE ANITA O'DAY. 

 

PICK YOURSELF UP

ANITA O'DAY SWINGS COLE PORTER WITH BILLY MAY

DRUMMIN' MAN

"Pick Yourself Up" fue el primer gran éxito de Anita O'Day desde que fue contratada por la Verve en 1952. Grabado en 1956, este álbum fue el precursor del gran "Anita Sing the Most" grabado un poco después. Acompañada por la orquesta de Buddy Bregman mas el añadido del magnifico trompetista Roy Eldridge, Anita O'Day versiona aquí tres temas extraordinarios que le dan categoría al disco: "Don't Be That Way," un excepcional: "Stompin' at the Savoy" el tema que le da titulo al disco: "Pick Yourself Up," y un magnifico: "Sweet Georgia Brown. Un disco precioso y magnifico.

Con una cantante ya consolida entre las mejores de su epoca, y desde luego con el bien ganado titulo honorífico de ser la mejor representación blanca del jazz vocal, el sello Verve le encarga trabajos de todos los estilos y para ello no repara en medios. En este contexto este álbum es reflejo de esa situación privilegiada en la que se encuentra la cantante. Verve llama al gran maestro de los arreglos de la epoca: Billy May y produce este hermoso, jazzistico y sincero homenaje a la música de uno de los grandes compositores norteamericanos de todos los tiempos: Cole Porter. Una delicia para los oídos.

Un disco excepcional, fuera de su tiempo y contexto y producido por un recuperado Gene Krupa al frente de su recuperada orquesta de swing. "Drummin' Man fue un intento acertado de revitalización de las orquestas de swing dos décadas después. Anita O'Day se reencontraba con su antiguo jefe y con Roy Eldridge y comprobaron que el swing seguía latiendo en sus venas. Un disco extraordinario.

anita
anitaanita

 

ANITA O'DAY.

De origen humilde, su afición a la música vino de escuchar los discos de Mildred Bailey y Billie Holiday. En sus comienzos fue rechazada por el clarinetista, Benny Goodman, para formar parte de su orquesta, prefiriendo para la misma a Peggy Lee. 

Su oportunidad le llegó cuando fue contratada por el batería, Gene Krupa, como vocalista de su orquesta en 1941 y ya en ese mismo año, el tema: "Let Me Off Uptown" fue un éxito tremendo. Su estancia con Gene Krupa, al margen de darle celebridad y fama sirvió para coger experiencia en el canto y en el dominio del scat, un arte que practicaba con elegancia, sencillez y muchas dosis de swing. En 1943, Krupa disolvió la orquesta cuando fue detenido por posesión de marihuana. La cantante recaló en la orquesta de Stan Kenton donde esperó que su antiguo jefe abandonara la cárcel. Con Krupa en libertad, Anita O'Day volvió con él en 1945. Estuvo dos años, y al cabo de los mismos se lanzó a cantar en solitario consiguiendo grabar algunas temas para pequeñas casas discográficas.

Tras un fase critica, en la que también consumió drogas, Norman Granz la contrato en 1952 para sus sellos, "Clef", "Norgran" y luego "Verve". Con Norman Granz, pasó la etapa mas fructífera de su carrera y fue el periodo de sus grandes discos. Empieza a sacar al mercado un par de discos todos los años desde 1952, pero su gran éxito no llega hasta 1957 cuando graba junto al trío del pianista, Oscar Peterson, el álbum "Anita Sing the Most" un disco donde muestra su admirable espontaneidad y su capacidad de improvisación. En 1958 graba otro extraordinario álbum: "Sings the Winners" alternando el canto con la orquesta de Russ García y con la de Marty Patch.

Su contrato con Verve termina en 1962, diez años después y el resultado es una serie extraordinaria de discos excelentes que alcanza el cenit con el álbum grabado bajo el liderazgo de su anterior jefe de filas, el baterista, Gene Krupa, que veinte años después de terminada la era del swing, graba un disco atemporal "Drummer Man" que queda para siempre como uno de los grandes logros de la carrera de ambos. Una vez cancelada su relación con Verve, la cantante pasó un periodo de continuas actuaciones y giras por todo el mundo y por infinidad de festivales liderando su trío. Posteriormente estuvo ocho años sin grabar y su vuelta en 1970 produjo un magnifico disco en directo en el Festival de jazz Berlín de aquel año.

El éxito de aquel concierto en directo, le animó para grabar otros tantos en Tokyo, San Francisco o en Londres, llegando a la década de los noventa con el que ha sido hasta ahora su ultimo disco titulado: "Rules of the Road" grabado para el sello "Pablo" en 1993. Ya allí su voz no era mas que un deprimente susurro y no quedaba nada de su grandeza anterior. Una grandeza que la situó muy cerca de las tres grandes cantantes de jazz de la historia: Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan y Billie Holiday  

Temas

Duración

S'wonderful2,57
Tenderly3,20
Old devil moon2,53
Love me or leave me2,33
We'll be togheter again3,37
Taking a chance on love2,23
 Them there eyes 2,37
 I've got the world on a string3,58 
 You turned the tables on me 3,41
 Bewitched, bothered and bewildered 3,55
Arriba