2008-Disco del mes

hendersonJoe Henderson pasará a la historia del jazz por varias razones, entre ellas la de ser el saxo tenor de dos de los discos más vendidos de la historia del sello Blue Note: The Sidewinder de Lee Morgan y Song for My Father de Horace Silver. Su estilo refleja la síntesis de toda la tradición negra del saxo tenor y es una buena muestra de que la forma no esta reñida con la inventiva. Durante sus cerca de cuarenta años de carrera profesional, logro implantar una voz particular y ser un sonido de referencia imprescindible como en su tiempo llegaron a ser Sonny Rollins y John Coltrane.

De la importancia de su aportación al jazz queda como testigo este disco, el primero que grabó a su nombre como líder y poco tiempo después de que Henderson entrara por primera vez en un estudio de grabación para acompañar al maestro de la trompeta, Kenny Dorham en su álbum "Una Mas" y desde entonces no pasó inadvertido. Los ojeadores de la compañía Blue Note le firmaron un contrato que le permitió estar presente y activo en acontecimientos jazzisticos importantes junto a otros grandes músicos de plantilla del selecto sello azul. Así pudo tocar con Lee Morgan, Andrew Hill, Horace Silver, Freddie Hubbard, Bobby Hutcherson y McCoy Tyner entre otros grandes músicos.

Pero sobre todo a Joe Henderson se le recordara por haber logrado grabar cinco discos seguidos de una calidad incuestionable: Page One, Our Thing, In'n Out, Inner Urge y Mode for Joe. Page One el disco que recomendamos este ultimo mes del año en Apoloybaco, comienza con dos temas de Dorham: Blue Bossa muestra la influencia de la gira que Dorham hizo por Sudamérica y La Mesha es una balada dedicada a su hija. A partir de ahí el disco es de Henderson y ya se nota en Homestrecht. Recorda Me, ya había sido compuesta en 1955 y Out of the Night en 1957. El disco se completa con Jinrikisha, un tema de toques orientales y con un McCoy Tyner espectacular al piano.

Un detalle: en la portada del disco sólo aparece el nombre de cuatro de los componentes del grupo. El quinto aparece como "etc". La razón es que Tyner tenía un contrato con Impulse y no podía aparecer en los creditos.

No se lo pierdan, a pesar de haber transcurrido mas de cuarenta años desde su grabación, Page One es un disco intemporal, una obra maestra de un musico que había encontrado la formula para hacer jazz de primera clase. Si a su pareja le gusta el jazz este es un magnifico regalo para estas fiestas, y además acaban de sacar un edición en vinilo para coleccionistas. 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Kenny DorhamTrompetaSello discográfico: BLUE NOTE
McCoy TynerPianoNúmero de serie: CDP 7 84140 2
Butch WarrenBajoFecha de grabación: 3 de junio de 1963
Pete La RocaBateríaLugar de grabación: Englewood 
Joe HendersonSaxo tenor y líderCalificación: 5* sobre 5

 

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE JOE HENDERSON. 

 

THE STATE OF THE TENOR

LUSH LIFE

DOUBLE RAINBOW

Grabado en directo en el Village Vanguard de New York en el transcurso de tres sesiones entre el 14 y el 16 de Noviembre de 1985, este álbum recoge fielmente la calidad y la consistencia de la música de Joe Henderson y probablemente sea uno de los mejores discos en directo del maestro del saxofón.
Bajo la formula del trío con Ron Carter al bajo y Al Foster a la bateria, el álbum es un acierto incluso con la elección de los temas interpretados. Así conviene destacar dentro del alto nivel de cada uno de ellos, el tema compuesto por Thelonious Monk, "Beatrice", así como "Ask Me Now" e "Isótopos".
State of the Tenor es un álbum a la altura de uno de los mejores saxofonistas del jazz moderno. Muy recomendable.

Con el lanzamiento de este CD, los ejecutivos del sello Verve demostraron que un buen disco de jazz puede vender muchas copias si el producto que se ofrece tiene, además de una buena campaña de promoción, la calidad suficiente para ser objeto de deseo.
En este extraordinario disco, el veterano tenor Joe Henderson versiona diez magnificas composiciones de uno de los grandes arreglistas del jazz, el maestro de la composición y alma mater de Duke Ellington, Billy Strayhorn. La mayoría de los temas cuentan con acompañantes de lujo que refuerzan sensiblemente la calidad del disco. De esta amera toca en quinteto con el trompetista Wynton Marsalis y duetos con el pianista Stephen Scott, el bajista Christian McBride y el batería Gregory Hutchinson. El álbum es una memorable obra maestra y es altamente recomendable en la discografía de Joe Henderson.

La discografía de Joe Henderson está repartida entre tres grandes sellos jazzisticos; en la primera etapa de su carrera -fundamental en su formación y de una calidad extraordinaria, fue Blue Note. En el selecto sello azul grabó varias obras de referencia intemporal en el mundo del jazz. La segunda etapa fue con el sello Milestones, quizás la mas desconocida, aunque también de una calidad media muy alta, y por ultimo su tercera etapa se desarrolla al amparo de uno de los grandes sellos discográficos del jazz de todos los tiempos: Verve.
Con Verve, Joe Henderson trabaja en dos épocas distintas, la primera fue muy efímera y se sustentó solo en la edición de dos discos en 1968, y la parte mas importante de la colaboración entre Henderson y Verve fue durante el último periodo de su vida. Entre 1991 y 1997, Henderson dejó para el catalogo Verve lo que algunos consideran lo mejor de su trabajo como compositor e instrumentista.
Al disco comentado anteriormente, añadimos este "Double Rainbow" un maravilloso homenaje a la música de otro extraordinario musico y compositor: el brasileño, Antonio Carlos Jobim, el musico brasileño de jazz (suya fue la mejor aportación a la fusión jazzistica con la bossa nova) mas importante de la historia. Tras la prematura muerte de Jobim, Joe Henderson se encierra en estudio primero con un cuarteto formado por la pianista brasileña Eliane Elias, el guitarrista Oscar Castro-Neves, el bajista Nico Assumçao y el baterista Paulo Braga. Y posteriormente con otro cuarteto mas jazzistico compuesto por el pianista Herbie Hancock, el bajista Christian McBride y el baterista Jack DeJohnette.
El resultado es, además de un entrañable homenaje a Antonio Carlos Jobim, un monumento a la música de jazz. Imprescindible.

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JOE HENDERSON.

Joe Henderson (1937-2001) quizás sea el saxofonista tenor mas importante del jazz surgido tras la estela de John Coltrane y Sonny Rollins. Durante su juventud, el saxofonista mantuvo una actividad constante y de resultados brillantes en formaciones y grupos muy sólidos y diversos como cuando estuvo con el pianista, Herbie Hancock, o Donald Byrd. Su estilo, elegante y discreto y sus estudios en el "Kentucky State College" y en la "Wayne State University", sirvieron para modelar a un músico que estaría destinado a ser alguien importante en la escena del jazz.

Pocos músicos de jazz podrán esgrimir una carta de presentación tan rotunda y de tanta calidad como cuando Joe Henderson se metió en los estudios de grabación para grabar en el sello Blue Note una obra maestra de jazz imperecedera como fue el titulo de su primer álbum titulado significativamente "Page One". Apenas dos meses antes de esa histórica grabación, Joe Henderson había entrado por primera vez en una sala de grabación para acompañar al gran trompetista, Kenny Dorham -que posteriormente lo incorporaría a su grupo durante dos años, 1962 y 1963- en su álbum titulado "One More Time". Poco después también grabó con el guitarrista, Grant Green una sesión que dio como resultado el disco "Am i Blue".

La participación de Henderson no pasó inadvertida para los directores musicales de Blue Note y rápidamente paso a engrosar la nomina de artistas del exquisito sello azul. En Blue Note grabó junto a Lee Morgan, Horace Silver (estuvo dos años en su grupo entre 1964 y 1966), Freddie Hubbard o McCoy Tyner, infinidad de excelentes discos y eso le abrió las puertas para lo que vendría después. En 1967, dejó la Blue Note y ficho por el sello "Milestone" donde debutó con un disco excelente titulado "The Kicker". Su carrera es imparable y se convierte en uno de los pocos instrumentistas del jazz que pudo escoger su propio destino y grabaría decenas de buenos discos con varios sellos discográficos.

En 1985, vuelve nuevamente a grabar para la Blue Note para editar un gran álbum doble grabado en directo en el Village Vanguard de New York titulado: "The State of the Tenor" . En 1991 es con el sello Verve donde graba un disco enorme dedicado a la música de Billy Strayhorn titulado "Lush Life" y con el que ganó por primera vez un premio Grammy. Al año siguiente vuelve a grabar otra obra maestra dedicada en esta ocasión a la música de Miles Davis, titulado: "So Near, So Far" con el que consigue dos premios Grammy mas.

Casi al final de su carrera y coincidiendo con la muerte del gran guitarrista y compositor, Antonio Carlos Jobim, sacó al mercado para el sello Verve, el álbum titulado "Double Rainbow" un monumento a la fusión entre el jazz y la música brasileña.

Joe Henderson, murió el 30 de junio de 2001 con su ultimo álbum todavía caliente en la calle y que se tituló: "Porgy and Bess". Cuando murió era el saxofonista de jazz vivo mas importante junto al gran Sonny Rollins. Fue un músico sincero, honrado y dotado de una maestría indiscutible

Temas

Duración

Blue bossa7,55
La mesha9,05
Homestrech4,10
 Recordame 5,56
 Jinrikisha 7,20
 Out of the night7,20 

dukeLos 66 temas de este triple compacto constituyen el conjunto del trabajo discográfico de la orquesta de Duke Ellington para el sello RCA entre 1940 y 1942. Esta generosa producción en tan corto periodo de tiempo, es considerada por casi todos los especialistas y críticos de jazz, como el cenit creativo de Ellington, sin menoscabo de la obra posterior de Ellington cuyo nivel creativo fue igualmente extraordinario.

Aquí en estas grabaciones ya está maduro el llamado "estilo Ellington" ya esbozados en su etapa inicial en el Cotton Club y que continuamente no dejó de desarrollarse. A diferencia de otros líderes de big band o gran orquesta, como Fletcher Henderson o Jimmy Lunceford, la evolución del jazz desde la era del swing hasta la década de los cuarenta no le cogió a contrapelo y desde el laboratorio de su orquesta, Duke Ellington construyó un universo musical propio y sofisticado que mantuvo hasta el final de sus días.

En la época en que se grabaron estos 66 temas recopilados en este triple CD de audición imprescindible en cualquier discografía sobre Ellington, que es lo mismo que decir cualquier discografía sobre jazz, el Duke había incorporado a su formación al contrabajista, Jimmy Blanton (en octubre de 1939 cuando Blanton apenas tenía 18 años), el saxo tenor Ben Webster (en enero de 19401, y sobre todo el pianista, compositor y arreglista, Billy Strayhorn (en 1939). Jimmy Blanton no solo dio un nuevo pulso rítmico a la orquesta sino que su aportación en la formación ellingtoniana marcó el camino del contrabajo moderno en el jazz. Su solidez y su sonoridad fueron absolutamente innovadoras en su tiempo como puede comprobarse en el tema "Sepia Panorama". Desgraciadamente y como tantos otros extraordinarios músicos de jazz, una grave enfermedad (tuberculosis) le obligó a retirarse de la escena y abandonar la orquesta apenas dos años después, en 1941 para finalmente morir en 1942 con tan solo 21 años. Su semilla fue recogida por sus sucesores en la orquesta, Oscar Petifford y Junior Raglin y desde entonces Ellington ocupó un lugar de privilegio absolutamente merecido en la transición entre el jazz primigenio y el jazz moderno.

Con la incorporación del saxofonista Ben Webster, Ellington dispuso por primera vez de un verdadero solista del saxo tenor y además la sección de saxofones de la orquesta adquirió su definitiva configuración con cinco miembros. Ben Webster representaba en la orquesta de Ellington la tradición jazzistica del sudoeste americano y sus extraordinarios solos tanto en piezas rápidas como "Cotton Tail" o en baladas como del tipo de "All too son", crearon escuela. En cuanto a la incorporación de Billy Strayhorn, contratado en principio como letrista, su feeling con Ellington le convirtió en su "alter ego", dada su versatilidad como pianista, compositor y arreglista estableciéndose una estrechísima colaboración entre ambos que duró hasta 1967. En esta recopilación están recogidas algunas de las mejores composiciones de la orquesta, desde "Take the "a" Train" (que a partir de entonces fue utilizada como la sintonía oficial de la orquesta) hasta obras maestras como la inmortal "Ko-Ko" , un tema considerado por todos como la apoteosis del llamado "Jungle Style" de la orquesta de Duke Ellington.

De la calidad de la música aquí recogida da fé la magnifica aportación de los solistas de la orquesta destacando el trompetista, Cottie Williams, los trombonistas, Lawrence Brown y Juan Tizol, y también, la vocalista, Ivie Anderson, la cantante emblemática de la orquesta de Ellington . En definitiva, Duke Ellington vivía cuando grabó estos 66 temas en un momento de efervescencia creativa que coincidió con el cambio en su casa discográfica y a partir de entonces su proyección jazzistica hasta las lindes de la modernidad fueron irreversibles. Un disco que sin duda hay que tener y que recomendamos en un mes tan especial para Apoloybaco como es Octubre. 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Rex StewartCornetaSello discográfico: RCA-BLUEBIRD
Cootie WilliamsTrompetaNúmero de serie: 5659-2
Juan TizolTrombónFecha de grabación: 1940-1942
Barney BigardClarineteLugar de grabación: Chicago, New York y Hollywood
Johnny HodgesSaxo altoCalificación: 5* sobre 5
Ben WesbterSaxo tenor 
Harry CarneySaxo barítono 
Jimmy BlantonContrabajo 
Billy StrayhornArreglos 
Duke EllingtonPiano y líder 


OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE DUKE ELLINGTON.
 

 

THE ORIGINAL EDWARD "DUKE" ELLINGTON. VOL 1. 1927-1931

SUCH SWEET THUNDER

MONEY JUNGLE

Tarea difícil sacar tres discos de Duke Ellington y dejar atrás otros quince o veinte que podía estar aquí perfectamente, pero el espacio obliga y como criterio hemos decidido afinar la decisión para traer aquí al "Duke" en distintos contextos musicales y en distintos proyectos. El primero tenía que ser, por orden cronológico, esta extraordinaria edición de su primera época, aquella que utilizando a su orquesta como un perfecto alquimista de laboratorio, creó todo un estilo que marcaría el jazz de comienzos de siglo y que serviría para afianzar la talla extraordinaria de Ellington como compositor y arreglista.
Estas grabaciones recogen lo más granado de su primera época, el conocido "Jungle Style" y en estas grabaciones se recogen su etapa al frente de la orquesta que noche tras noche actuaba en el Cotton Club de Harlem, donde firmó en 1927 un contrato desde donde inició su merecida fama. Un álbum memorable.

Saltamos en el tiempo y nos encontramos al Duke Ellington que compuso durante su carrera profesional numerosas suites, fundamentalmente a partir de los años cincuenta. De entre todas ellas, este disco recoge una de las más conseguidas y celebradas inspirándose para ello en la obra de William Shakespeare: "Such Sweet Thunder" 
Duke Ellington dedica doce temas cortos a otros tantos personajes o situaciones creadas por el inmortal escritor y por su paleta desfilan, Enrique V, Julio César, Oberon, Hamlet...y todos ellos son retratados musicalmente por Ellington. Uno de los temas de la suite dedicado al pasaje de Romeo y Julieta, "The StarCrossed Lovers", ha pasado con el tiempo a ser un estándar d jazz versionado por muchos otros músicos.

Ya en la década de los sesenta Duke Ellington, cada vez con más frecuencia, volvía a componer al piano y este disco es único en su género. Ellington graba aquí de nuevo en trío, pero en vez de usar, como de costumbre, al bajista y al percusionista de su orquesta, entra en el estudio flanqueado por dos de los mas grandes maestros rítmicos del jazz moderno: Charlie Mingus al contrabajo y Max Roach a la batería. Entre los tres músicos se establecerá una comunicación casi mágica y los diálogos a tres voces sobre composiciones de Ellington son además de sorprendentes, extraordinarias. Un disco absolutamente imprescindible.

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DUKE ELLINGTON.

 

Edward Kennedy "Duke" Ellington, nació en el seno de una familia que nunca pasó necesidades económicas ya que su padre era mayordomo de una casa de gente adinerada y su madre procedía de una familia negra acomodada. Recibió además de una excelente educación burguesa un porte de elegancia aristocrática que llevaría durante toda su vida, de ahí el apodo de "Duke" (Duque) que le pusieron sus amigos. Su educación musical empezó con el piano de su madre y aunque recibe clases de dos profesores, todavía tardaría bastante tiempo en aprender a leer música. En 1919 abandona los estudios de diseño y decoración, decide casarse con con una amiga de la infancia y busca en la música su profesión.

Es en 1921 cuando Duke Ellington, forma su primer y propio grupo con músicos locales al que llamaría "The Duke's Serenaders" primero y luego los famosos "The Washingtonians" con Elmer Snowden, como responsable de la banda. En 1923, deciden dar el salto a New York y la experiencia no es muy positiva pero logran tocar durante algunas semanas en la banda de Wilbur Sweatman, que actuaba en el "Lafayette Theatre". Tras algunas idas y venidas de Washington a la Gran Manzana, consiguen un contrato en el club "Hollywood" donde una noche los escucha tocar Bix Beiderbecke quien observa con gran atención el sonido de la sordina "wa-wa" que producen el trompetista, Bubber Miley y el trombonista, Charlie Irvis. Ese particular sonido sería decisivo en la elaboración del discurso musical de Duke Ellington.

En 1924, con los conocimientos musicales muy perfeccionados, la WHN, una emisora de radio local transmite el show desde el Hollywood club que ahora ha cambiado de nombre y se llama "Kentucky Club". la banda comienza a ser conocida y empiezan a salirle contratos en otras ciudades cercanas a New York. Entre 1924 y 1926 se incorporan a la banda músicos decisivos en la orquesta de Ellington, entre ellos, temporalmente el clarinetista, Sidney Bechet y el saxo barítono, Harry Carney, el primer gran especialista de ese instrumento en la historia del jazz y que permanecerá con Ellington toda su vida. Esta es la orquesta que en 1927, con una sólida formación, bien rodada y con sonido propio, daría el gran salto a la fama cuando fueron contratados para tocar en el "Cotton Club" de Harlem, un local regentado por el gangster, Owney Madden, desde 1923 y que se había puesto de moda en New York hasta el punto que era frecuentado por publico exclusivamente blanco, gente de dinero y de la alta sociedad neoyorquina. Allí estuvo cuatro años y cuando salió en 1931, estaba recubierto de gloria.

Entre 1927 y 1945, después de crear para el jazz el "Jungle Style" Duke Ellington y su orquesta alcanzan en este periodo la cumbre de su madurez artística y creativa. La orquesta de Duke Ellington en los años cuarenta  era sin duda la que poseía los mejores solistas y los instrumentistas mas virtuosos de la época y la revista Down Beat le situó en varias ocasiones por refrendo popular por encima incluso de la de Benny Goodman. Tras el declive de las bigbands, Ellington, fue el único líder de orquesta que nunca disolvió la suya. A falta de contratos pagaba a sus músicos con los dineros ingresados por sus derechos de autor y utilizaba su orquesta para componer con ella y oír su música. Pero algunos de sus solistas se marcharon entre finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta para iniciar sus carreras en solitario. A la marcha de Ben Webster, Barney Bigard, Tizol y otros, se unió una definitiva en 1951, la de su amigo, Johnny Hodges. La prensa que antes no le escatimaba elogios, anunciaba casi a diario la desaparición de la orquesta.

En 1955 vuelve  a la banda Johnny Hodges y Ellington respira aliviado y entran en nomina una serie de músicos que darían todavía mucho juego al sonido Ellington. Entre las incorporaciones mas sonadas, están los saxofonistas, Paul Gonsalves y Jimmy Hamilton, el clarinetista, Russell Procope, el trombonista, Quenti Jackson, y los trompetistas, Cat Anderson y Clark Terry. Con estos músicos y cierto escepticismo, Ellington es invitado a actuar en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Lo que pasó aquella noche está escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta al historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto"

A partir de ahí comenzaron las giras, los conciertos por todo el mundo, los discos grabados y en los últimos diez años de su vida se dedico a componer suites y conciertos sacros y su vida se apagó cuando el 24 de mayo de 1974 un cáncer terminó con su vida. Ellington ocupa para siempre, el trono de los mas grandes creadores del jazz junto a Louis Armstrong y Charlie Parker, y es sin duda alguna uno de los mas grandes compositores del Siglo XX cualquiera que sea la música que se considere y su legado es una herencia cultural que permanecerá siempre entre nosotros.

Temas

Duración

 DISCO 1 
 You, yoy, darling2,39
Jack the bear2,22
Ko-ko2,44
 Morning glory 2,58
 So far, so good 3,01
Conga brava 2,59
 Concert for Cotty 3,01
 Me and you3,13
 Cotton tail 3,02
 Never, no lament 2,39
 Bojangles3,06
 A portrait Bert Williams3,33
 Blue goose 3,22
 Harlem air schafle 2,41
 At a dixie roiadside dine 2,11
All too son 2,01
 Rumpus in richmond 2,54
My greatest mistake  3,05
 Sepia panorama 3,00
 Threre shall be no night 3,14
 In a mellotone 3,22
 DISCO 2 
 Five O'dock whisle 2,11
 Warm walley 2,33
 The flamimg sword 2,54
 Across the track blue 2,45
 Chloe 2,35
 Way before 2,53
 The sidewalks of New York 3,02
 Flamingo 3,01
 The girl in my dreams 2,47
 Take the "A" train 2,49
 Jumpi'n punkin's 2,35
 Jhon Hardys wife 2,36
 Blue Serge 3,32
 After all3,21
 Bakiff 2,01
 Are you stikings2,39
 Just a setting and a rockin 2,48
 The giddy bup gallop 2,45
 Chocolate shake 2,00
 I got it bad 3,32
 Clementine 3,31
 The brown skin gal 3,07
 DISCO 3 
 Jump for joy 3,57
 Moon over Cuba 3,26
 Five o'clok 2,57
 Drag 2,44
 Rock's in my bead 2.55
 Bli-blip 2.58
 Chelsea bridge 3.26
 Rainchek 3.28
 What good woult it do 3.14
 I don't know what kind of blues i got 3,11
 Perdido 2,41
 The "C" jam blues 2,49
Moon Mist  2,33
 What am i here for? 3,00
 I don't mind 2,06
 Someone 2,19
 My little brwon book 2,54
 Main stem 3,44
 Johnny come lately 3,11
 Hayfoot strawfoot 3,26
 Sentimental lady 3,29
 A slip of the lip 3,55
 Sherman shuffle 3,08

cherryDon Cherry siempre ha sido un músico con mucha capacidad de sorprender al oyente y al aficionado al jazz. Si Ornette Coleman, su fértil y versátil compañero de emociones, cambió la música de jazz con un saxo alto de plástico, Cherry adoptó la trompeta de bolsillo quizás con similar intención: devolver protagonismo al artista en detrimento de la técnica instrumental.

La trayectoria discográfica de Don Cherry sigue una línea algo irregular, cosa natural en un talento inquieto y en absoluto acomodaticio. Sus trabajos al lado de Coleman o a los dúos con el pianista ya fallecido, Ed Blackwell, así lo confirman.

Pero ante la presencia de este disco que hoy recomendamos, cualquier reproche queda fuera de lugar. "Art Deco" es la obra cumbre de Don Cherry. Un disco que muchos tacharon en su tiempo de conservador, incluso de paso atrás en su carrera profesional, pero nada más lejos de la realidad. La empatía con el saxo tenor y olvidado James Clay, un músico versátil que se confiesa discípulo de Sonny Rollins y Dexter Gordon al mismo tiempo, la aportación del extraordinario bateria, Billy Higgins, con quien le unía una afinidad musical importante, y el maravilloso trabajo del contrabajista Charlie Haden redondean un disco maduro y sorprendente.

Como era lógico el espíritu de Ornette Coleman está presente en la grabación, especialmente en los tres temas que compuso el propio Don Cherry, pero permite que James Clay sea el dueño absoluto de las dos baladas del disco, la clásica Body and Soul y la exquisita "I've Grown accustomed to yor face" y Charlie Haden y Billy Higgins, hace lo lo propio con el delicioso "Folk Medley" y el formidable: "Passing".

Cherry también es autor de otros trabajos que no han mejorado su posición en el circuito jazzistico. En cualquier caso la aportación de este magnifico músico al estudio e investigación del jazz es indudable y ese afán formativo le ha llevado a dotarse de un estilo propio pero al mismo tiempo imprevisible.Un disco que le sorprenderá de un músico poco conocido que ayudó en su época a reinventar el jazz. 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
James ClaySaxo tenorSello discográfico: A&M
Charlie HadenContrabajoNúmero de serie: 395-285 2
Billy HigginsBateríaFecha de grabación: 1988
Don CherryTrompeta y líderLugar de grabación: Englewood
  Calificación: 5* sobre 5

 

OTROS DISCOS RECOMENDADOS DE DON CHERRY.

 

COMPLETE COMMUNION

MU, FIRST & SECOND PART

OLD AND NEW DREAMS

Sin contar un par de sesiones de co-dirigida con John Coltrane y Albert Ayler, Complete Comunión fue el primer álbum grabado por Don Cherry como líder tras su salida del cuarteto de Ornette Coleman. También es una de las primeras apariciones en estudio del saxofonista tenor argentino Gato Barbieri, al que Cherry descubrió durante una estancia en Roma.
Si bien la música de este disco todavía entronca con los conceptos de Coleman, Cherry aportó la suficiente personalidad propia para comenzar a marcar diferencias como líder. El álbum fue grabado en una sola toma y consta de dos suites, cada una de las cuales consta de cuatro composiciones diferentes. Como el título del álbum indica, cada uno de los miembros del grupo no tocan por libres. Comparten espacio y suenan como un todo. Henry Grimes al bajo y el baterista Ed Blackwell se muestran muy activos y sus solos son muy poderosos.
A menudo, la música suena más como una conversación, porque los músicos hacen un uso inteligente del espacio. En este disco está Cherry en estado puro, fiel a si mismo y en agradable contraste con la actuación de Gato Barbieri. En resumen, el álbum está muy logrado y ayudó a Don Cherry a colocarse en la vanguardia del jazz en la década de los ochenta por derecho propio.

Don Cherry tuvo mucho que ver con el apogeo del free jazz y del jazz de vanguardia en los años ochenta y noventa. Las dos sesiones de "Mu" se encuentran entre los más hermosos duetos improvisados registrada durante aquélla frenética etapa del freejaz. Grabado en Francia en 1969 y publicado originalmente en el sello BYG Actuel, Mu sigue siendo una deseada pieza de colección durante tres décadas hasta su reciente reedición en dos partes durante los últimos años de la década de los noventa. Don Cherry con la trompeta de bolsillo a cuesta, toca aquí además el piano, la flauta india, la flauta de bambú, percusión, voz y algún otro instrumento más.  Ed Blackwell le acompaña en la batería, percusión, y las campanas, y entre ambos crearon improvisaciones que años antes había desarrollado Jhon Coltrane y Rashied Ali en su álbum titulado, "Interstellar Space". 
El disco es un autentico caledoscopio repleto de continuos cambios de humor y de ritmo y las raíces de la percusión afroamericana están siempre presentes. Más de tres décadas más tarde de su grabación, se puede decir de las dos sesiones de Mu, que la música está viva, suena libre, fresca y revolucionaria y sin duda alguna marca todo un hito en la carrera discográfica de Cherry y Blackwell y también de la música improvisada. El álbum ha sido recientemente reeditado en una pieza de colección de vinilo de 180 gramos.

En este disco grabado a nombre de "Old and New Dreams", el grupo que lideraba en 1979 el trompetista Don Cherry fue, al igual que su primera grabación realizada tres años antes, una obra maestra del jazz moderno. Junto al saxofonista tenor Dewey Redman, el bajista Charlie Haden y nuevamente el baterista Ed Blackwell, forman todos un poderoso equipo que además de hacer una música de alta calidad, rememoran los tiempos en que todos ellos tocaban con Ornette Coleman. 
Una música fresca donde Cherry consigue elevar el nivel del grupo a la cima del freejazz de la epoca y a eso contribuyen el magnifico estado de forma de todos los integrantes del cuarteto. Una magnifica y larga versión de "Lonely Woman", es el tema estrella del álbum.

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DON CHERRY.

Don Cherry, llegó al jazz por un camino similar al de su mejor amigo y primer director musical, el gran Ornette Coleman. Tocó muy joven en grupos de blues en Oklahoma City, su ciudad natal, antes de trasladarse a Los Ángeles y conocer a Billy Higgins. Este baterista puso en contacto a Cherry con Coleman en 1957 y los tres tocaron junto al contrabajista, Charlie Haden en el quinteto que entonces dirigía, el pianista, Paul Bley. Soportó durante ese periodo las criticas de Miles Davis por sus excesos en la improvisaciones.

 Cuando la banda de Ornette Coleman, se disolvió en 1962, se unió al famoso cuarteto de Sonny Rollins, donde estuvo entre 1962 y 1963. Codirigió posteriormente el grupo "New York Contemporary Five" con Archie Shepp y se fue a Europa de gira en una banda que incorporaba al saxofonista argentino, Gato Barbieri. De esa banda salieron los tres álbumes clásicos para Blue Note a mediados de los sesenta titulados: "Complete Communnion" "Symphony For Improvisers" y "Where Is Brooklyn".

 Durante los años setenta y ochenta continuó sus estudios relacionados con la etnomusicología, formando una interesante sociedad con Milton Nascimento y Collin Walcott. La trayectoria discográfica de Don Cherry fue muy irregular pero contiene momentos de gran interés y es su álbum "Art Deco" para el sello A&M en 1988 su obra cumbre. Cherry murió en agosto de 1995 en la ciudad de Málaga donde había pasado los últimos años de su vida. 

Temas

Duración

Art Deco8,39
When whill the blues7,08
Leave9,39
Body and soul 0,39
 Bemsha swing2,42
 Maffy5,32
 Folk medley 3,00
 The blessing 6,50
 Passing 5,05
 I'ce grown accistomed 4,22
Your face  3,29
 Compute2,55 

griffinJohnny Griffin, recientemente fallecido, era uno de los últimos grandes creadores del hard-bop, ese movimiento estilístico que surgió de forma irresistible a mediados de los años cincuenta y que a pesar del tiempo transcurrido, y de los avatares que ha rodeado al jazz desde entonces, sigue siendo todavía hoy, con su lógica evolución, la corriente principal de esta música.

Junto con el todavía activo y en plena forma, Sonny Rollins y otros ilustres veteranos, Johnny Griffin forma parte de esa extraordinaria generación de saxofonistas que incluía talentos como Clifford Jordan, Hank Mobley o Junior Cook entre otros. Su potencia de soplo, su aplastante seguridad en cualquier solo, su virtuosismo sabiamente utilizado que a veces se convierte en un verdadero suplicio para algunas secciones rítmicas y una digitación tan veloz que hacen casi imposible seguir sus dedos sobre las llaves de su saxo, son algunos de los rasgos más importantes de la música de este extraordinario saxofonista apodado "Little Jazz" por su corta estatura, pero grande en todo lo demás.

Johnny Griffin tuvo que esperar a cumplir 28 años para poder grabar el primer disco a su nombre, algo insólito en los tiempos que corren, pero supo aprovechar el tiempo perdido y desde entonces dejó grabado una extensa y magnifica discografía que hace difícil seleccionar solo uno recomendable. Hemos elegido en memoria de este maestro del saxo tenor, el disco con el que debutó en 1956 de la mano, como no, del sello Blue Note: "Chicago Calling" conocido también como "Introducing Johnny Griffin".

Acompañado al piano por Wynton Kelly, el bajista Curley Russell y el formidable Max Roach a la batería, Griffin ofrece tres composiciones propias, entre ellas la que da titulo al disco "Chicago Calling" y cuatro standards. Mientras Griffin pone a prueba la destreza de la rítmica en el vertiginoso "Mil Dew", el tema que abre el disco, demuestra que también es un maestro en el arte de la balada como se puede comprobar en la primera de las numerosas versiones que hará a lo largo de su carrera de "Lover Man", un tema por el que sentía predilección.

Espero que lo disfruten amigos; escuharán la música de uno de los mas formidables saxos tenores de todos los tiempos.

 

LOS MÚSICOSLOS INSTRUMENTOSFICHA TÉCNICA
Wynton KellyPianoSello discográfico: BLUE NOTE
Curly RussellBajoNúmero de serie: BLP-1533
Max RoachBateríaFecha de grabación: 17 de Abril de 1956
Johnny GriffinSaxo tenor y líderLugar de grabación. New Jersey
  Calificación: 5* sobre 5

 

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También para Blue Note, Johnny Griffin grabaría al año siguiente de su disco de debut, este otro álbum en el que manteniendo a Wynton Kelly al piano, cambió los demás instrumentistas. Introdujo a Paul Chambers al bajo por Curley Russell, entró Art Blakey por Max Roach en la batería y además contó con la colaboración del trompetista Lee Morgan. Una magnifica sesión de vientos, como bien indica el título y destacando sobre manera una maravillosa versión de: "The Way You Look Tonight" que corta la respiración. Muy bueno

Billie Holiday había fallecido dos años antes de ser grabado este emotivo y magnifico disco, el primero que un musico dedicó a la música de "Lady Day". Con los arreglos de Melba Liston y el añadido de tres violas y dos violonchelos a los metales, su repertorio (diez temas) está dedicado a honrar a Billie Holiday. Johnny Griffin saca aquí a relucir las virtudes que tenía como baladista. Magnifico.

La adrenalina sale a borbotones por cada uno de los surcos de esta grabación que contiene la actuación integra de los tres pases que se grabaron en la noche del 6 de enero de 1961 en el legendario club de Harlem: Minton's Playhouse. Junto a su amigo Eddie "Lockjaw" Davis, y en compañía de Junior Mance al piano, Larry Gales al bajo y Ben Riley a la batería (estos dos ultimos músicos serían seis años más tarde, miembros fijos del cuarteto de Thelonious Monk) abordan un potente repertorio compuesto por temas de Charlie Parker, Tadd Dameron y sobre todo de Thelonious Monk. Ambos músicos ofrecen un concierto extraordinario, logrando situar a este disco como uno de los grandes conciertos en directo de jazz la década de los sesenta. Imprescindible.

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JHONNY GRIFFIN.

Johnny Griffin nació en Chicago, uno de los centros urbanos más importantes del blues y también del gospel, dos raíces musicales que marcaran beneficiosamente a Griffin durante sus años de formación. De madre cantante y padre cornetista, estudio muy pronto oboe, clarinete y saxofón alto y tenor en la famosa "Dusable High School" de su ciudad natal como alumno del no menos famoso Captain Walter Dyett, director musical de la escuela.

Su estreno musical le llegó a los 17 años cuando recién graduado en 1945, se vio contratado gracias a su magnifica reputación ni más ni menos que por la banda del vibrafonista Lionel Hampton, con quien permaneció durante dos largos y fructíferos años. Regresó a Chicago en 1947 y codirigirá junto al trompetista, Joe Morris, un sexteto por cuya sección rítmica pasaron dos pesos pesados del jazz: el contrabajista, Percy Heath y el baterista, Philly Joe Jones. Llega la guerra de Corea y Griffin es movilizado y destinado a Hawai donde pasara dos años (1951-1953) tocando en la banda militar de la compañía. 

Ya licenciado vuelve a su ciudad natal donde un buen día de 1956, aparece por allí el pianista Thelonious Monk, para cumplir un contrato de 15 días en el club "Bee Hive". Griffin es seleccionado de entre los músicos locales para tocar junto a Monk y a la vuelta el pianista habla maravillas de aquel saxo tenor de Chicago a su compañía discográfica por entonces, la Blue Note quienes tras una primera escucha lo contrata y un mes después graba el primer disco a su nombre: "Chicago Calling" nuestro disco recomendado este mes y todo un monumento del mejor hard bop de la época.

Las cosas empiezan a suceder deprisa y Art Blakey, lo contrata para uno de sus Messengers y grabará con ellos tres álbumes, entre ellos uno con Monk al piano. Otra vez Monk se cruza en su camino y lo llama al año siguiente para sustituir nada mas y nada menos que a John Coltrane, en su cuarteto para grabar en el club "Five Spot" en 1958 y grabadas para el sello Riverside bajo el titulo de "Misterioso".

En 1960 lo contrata su colega y amigo Eddie "Lockjaw" Davis, que le propone formar un grupo con dos saxos tenores y sección rítmica. La formula es todo un acierto y el éxito les acompaña desde el principio a raíz de un extraordinario concierto en 1961 el famoso Minton's Playhouse de Harlem,  -graba ocho discos en dos años- pero la situación fiscalmente se tuerce y Johnny Griffin, decide irse a Europa harto de soportar las presiones del fisco americano y por su profunda aversión hacia las nuevas corrientes del jazz en los Estados Unidos.

Griffin recorre Europa de cabo a rabo pero termina instalándose en Francia donde colabora entre 1962 y 1973 con la extraordinaria institución musical que fue la bigband de Kenny Clarke y Francy Boland. Al final de la década de los setenta visita España por primera vez donde tuvo la ocasión de tocar con el pianista, Tete Montoliu. Visitante asiduo de nuestro país, la ultima aparición en escena de Johnny Griffin en España fue en Mayo de 2007 con motivo de las XII Jornadas de Jazz de la Universidad Politécnica de Madrid.

Temas

Duración

Mil dew3,54
Chicago Calling5,36
These Foolish Thing5,09
The boy nex door4,54
Nice an easy4,22
It's Alright with me5,01
 Lover man 7,52
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